El blog Comunicación Cultural quiere ser un punto de encuentro entre personas interesadas en el mundo de la comunicación y en el impacto de las nuevas tecnologías en el sector cultural.
lunes, 15 de junio de 2009
Julia Díaz Yanes & Iñaki Saldaña - Piano a cuatro manos
El próximo miércoles 17 de junio tendrá lugar en el Salón de Actos del Conservatorio Profesional de Música "Amaniel" (C/ Amaniel, 2 - Madrid) un Concierto de Piano a Cuatro Manos a cargo de los pianistas y profesores del centro Julia Díaz Yanes e Iñaki Saldaña. Se trata de un concierto a beneficio de la Obra Misionera de Jesús y María y cuya recaudación se destinará a colaborar con esta Orden en las obras de ayuda que llevan a cabo en Nacala (Mozambique).
El programa del concierto estará compuesto por las siguientes obras:
- Cascanueces, de P.I. Tchaikovski
- Canciones, de G. Gershwin
- Rhapsody in blue, de G. Gershwin
Julia Díaz Yanes & Iñaki Saldaña (Piano a cuatro manos)
Miércoles 17 de junio de 2009 – 19:00 horas
Conservatorio Profesional de Música “Amaniel”
Salón de Actos
C/ Amaniel, 2 – 28015 Madrid
Julia Díaz Yanes, Iñaki Saldaña, Piano, cuatro manos, concierto, Amaniel
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viernes, 12 de junio de 2009
"Noche Blanca" en Bilbao
Mañana, sábado 13 de junio, la Villa de Bilbao cumple 709 años y lo quiere festejar con una “NOCHE BLANCA”. La Fundación Bilbao 700, encargada de organizar año tras año el programa de actos conmemorativos del Aniversario, ha querido ampliar la dimensión del evento organizando una “noche blanca” en colaboración con el Ayuntamiento de Bilbao y de los principales agentes culturales de la ciudad.
Ésta será la primera vez que podrá disfrutarse de noche, y de forma simultánea por toda la ciudad, la más amplia muestra de artes escénicas, visuales, musicales y teatrales que ha acogido Bilbao en los últimos años. El objetivo de tan noctámbula cita es poner en valor nuestra ciudad y sus infraestructuras culturales (museos, teatros, iglesias, universidad…), para descubrirnos un Bilbao transformado por el arte y abrir las puertas de su patrimonio cultural. Una noche única y mágica en la que se espera contar con la implicación y participación en la calle de toda la ciudadanía, una noche que tendrá muchos más colores que el blanco.
Son más de treinta las actividades concebidas específicamente para la “Noche Blanca”: arte público, música, danza, literatura, teatro, diseño, videocreación y visitas extraordinarias a los principales museos y centros artísticos de la ciudad con carácter gratuito. El programa cuenta con figuras de renombre en el panorama nacional como la cantante Concha Buika o la actriz Rossy de Palma; e internacionales, como Valerio Festi, los colombianos Puerto Candelaria, el estadounidense Bboy Reveal o las holandesas Night Desire. Pero el acento lo ponen los artistas y creadores locales como el grupo Oreka Tx, que consigue sonidos contemporáneos con instrumentos tradicionales como la txalaparta, las compañías de Danza Kukai y La Intrusa, el artista Asier Zabaleta o el grupo bilbaino Galatea.
El conjunto de espectáculos conforman un recorrido de descubrimiento a lo largo de la ciudad que abarca la Plaza del Arriaga, la Biblioteca de Bidebarrieta, BilbaoArte, el pórtico de la Catedral de Santiago, el Kiosco del Arenal, la fachada del Ayuntamiento de Bilbao, y los museos Guggenheim, Bellas Artes, Museo Diocesano y el Museo Vasco.
Puede consultarse aquí la programación completa del evento.
Bilbao, Noche Blanca, cultura
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miércoles, 27 de mayo de 2009
Antonio Vega: "¿Y si pongo un palabra?"
Demipage acaba de presentar el libro de poesía ¿Y si pongo una palabra? del cantante y compositor español recientemente fallecido Antonio Vega.
Los poetas, es decir, aquellos que sienten poéticamente, no necesitan precisiones técnicas ni estructuras rígidas para extraer poesía independientemente del objeto que tengan delante. Las letras que Antonio Vega puso en sus canciones son poesía de alto calibre, la fuerza de sus versos, la originalidad de sus figuras, inimitables, y su proyección literaria, universal. A Antonio Vega siempre le acompañará la singularidad del autodidacta, pero Jacques Brel, Bob Dylan, Leonard Cohen, Rimbaud y Apollinaire serán sus compañeros de viaje en enciclopedias futuras. Su legado es enorme y en Demipage nos proponen empezar a heredarlo con este homenaje a su obra más emblemática.
Antonio Vega, poesías, Demipage
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viernes, 24 de abril de 2009
"Léame". Jornadas de lectura en Arenas de San Pedro (Ávila)
léame, jornadas lectura, Arenas de San Pedro
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lunes, 20 de abril de 2009
"Conciertos en Palacios": Piano a cuatro manos
Mañana, martes 21 de abril de 2009 a las 20:00 horas, y dentro del ciclo Conciertos en Palacios, tendrá lugar un concierto conmemorativo del bicentenario de Mariano José de Larra en el Instituto Internacional (C/ Miguel Ángel, 8 - Madrid). El programa abordará obras del repertorio para Piano a cuatro manos: Jeux d'enfants, de Georges Bizet; Six Morceaux, de Sergei Rachmaninoff; y Sheherezade, de Nicolai Rimsky-Korsakoff.
El concierto correrá a cargo de los pianistas Elena R. Chamón, Julia Díaz Yanes, Víctor Hugo Álvarez e Iñaki Saldaña.
Conciertos en Palacios: Música para Piano a Cuatro Manos
Martes 21 de abril de 2009 - 20:00 horas. Entrada libre.
Instituto Internacional. C/ Miguel Ángel, 8 - 28010 Madrid
Piano, cuatro manos, concierto, Instituto Internacional, Díaz Yanes, Rodríguez Chamón, Víctor Hugo Álvarez, Iñaki Saldaña
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viernes, 13 de marzo de 2009
"La Pantalla del Arte" en el Museo Würth La Rioja
Mañana sábado 14 de marzo, a partir de las 19:30h., se inicia la segunda edición del ciclo de cine La Pantalla del Arte en el Museo Würth La Rioja con la proyección de "El arca rusa", de Alexandr Sokurov, largometraje de 2002 de producción germano-rusa, cuya presentación correrá a cargo de Bernardo Sánchez, coordinador de la iniciativa y que cuenta con la participación en los debates de reconocidos amantes del séptimo arte.
En el marco de la exposición dedicada al Nobel Gao Xingjian, que lleva por título Después del Diluvio, La Pantalla del Arte tiene como hilo conductor los directores que, como Gao Xingjian, sea por motivos políticos o profesionales, han dirigido sus películas lejos de sus países de origen.
El ciclo reúne además filmes de los realizadores Luis Buñuel y Wong Kar Wai, correspondiendo la clausura del sábado 4 de abril al mítico título Metrópolis, de Fritz Lang, que se presenta en formato de cine-concierto, con la actuación de la Ensemble de Arsénio Martins.
Todas las películas de este ciclo se proyectarán en formato DVD y en V.O. subtitulada. La entrada es libre aunque el aforo es limitado, por lo que es necesario realizar una reserva previa llamando al teléfono del Museo Würth La Rioja: 941010410. Igualmente, habrá un servicio de autobús gratuito desde Logroño con reserva previa de plaza al mismo teléfono.
Ciclo de Cine: La Pantalla del Arte, 2ª Edición
Sábados, 19:30h
Días 14, 21 y 28 de marzo y 4 de abril
Entrada libre y autobús gratuito desde Logroño
Reservas: 941 010 410
La Pantalla del Arte, cine, Museo Würth La Rioja
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Cosmopoética
Ríos de poemas correrán por las calles y plazas de Córdoba entre el 14 de marzo y el 19 de abril. En estas cinco semanas, la poesía se fundirá con el Teatro, la Música, la Fotografía, la Pintura, el Cine, el Arte Contemporáneo, las Performances, la Papiroflexia, la Escultura, el Videoarte, la Novela, la Filosofía, la Mística e incluso la Pastelería y el Fútbol.
Porque Cosmopoética es poesía y mucho más: más de 30 ciclos con 180 actividades, 295 participantes de más de 20 países,... que culminarán con el encuentro internacional “Poetas del Mundo en Córdoba”, que en esta ocasión traerá los versos de más de 50 escritores, tanto españoles como internacionales.
Dos ilustres invitados serán los abanderados de la poesía en la sexta edición de Cosmopoética. El primero será Álvaro Mutis, escritor colombiano que recibió el Premio Cervantes en 2001, y también participará el reconocido poeta, novelista y ensayista francés Michel Houellebecq.
Estas dos grandes figuras de la literatura se verán acompañadas por una selección de poetas de distintas procedencias, entre los que destacan el chino Bei Dao, el inglés Alan Sillitoe, la americana Ruth Fainlight, el uruguayo Rafael Courtoisie, la iraquí Dunia Mikhail, el argentino Daniel Samoilovich o el cubano Lorenzo García Vega.
Un variado ramillete de poetas españoles dará lustre al festival de poesía de Córdoba, donde estarán Andrés Trapiello, Agustín García Calvo, Antón Reixa, o Marta Pessarrodona, junto a narradores como Cristina Fernández Cubas y Manuel Rivas o pensadores de la talla de José Luis Pardo.
Varias novedades se asoman al programa de Cosmopoética 2009. Entre ellas destaca el ciclo Pasión Poética, una exaltación de la poesía mística que se desarrollarán durante los días 6, 7 y 8 de abril, coincidiendo con la Semana Santa. Así, el Lunes Santo se dedicará a la mística cristina; el Martes Santo a la sufí, y el Miércoles Santo, a la judía.
Cosmopoética continúa en la sexta edición su tradicional diálogo con otras artes, de manera que volverán los ciclos de cine (La huella del verso), performances y representaciones (Exploradores: otras poesías), teatro o música (Trovadores), este último con músicos de la categoría de José Ignacio Lapido, Diego Vasallo o Sergio Makaroff. También, como novedad, están previstas varias actuaciones multidisciplinares que combinan tres dimensiones: montaje escénico, sentido del humor y crítica social, en el ciclo Palabra en Escena.
Toda la información en la web de Cosmopoética.
Córdoba, del 14 de marzo al 19 de abril de 2009
Cosmopoética, poesía, Córdoba
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miércoles, 4 de marzo de 2009
5º Aniversario del Portal Cultural Dosdoce.com
Dosdoce.com cumple hoy su quinto aniversario en la Red. Desde su inicio, el objetivo de este proyecto ha sido animar a las entidades del sector cultural (editoriales, librerías, bibliotecas, museos, fundaciones, etc.) a utilizar las nuevas tecnologías sociales (blogs, wikis, podcasts, redes sociales, etc.) y a entender mejor las implicaciones y beneficios derivados de su utilización en sus estrategias de comunicación y marketing cultural.
Creemos que nuestra mayor aportación al sector cultural radica en la publicación anual de nuestros estudios sobre tendencias Web 2.0, que pueden descargarse gratuitamente desde nuestro portal bajo licencias Copyleft. A lo largo de estos años hemos elaborado cinco estudios sobre el uso de las nuevas tecnologías en diferentes ámbitos del sector cultural. En noviembre de 2005 publicamos nuestro primer estudio: “El papel de la comunicación en la promoción del libro”. En 2006 publicamos dos nuevos estudios: “El uso de las tecnologías Web 2.0 en entidades culturales” y “Los retos de las editoriales independientes”. En octubre de 2007 publicamos el estudio “Tendencias Web 2.0 en el sector editorial”. En octubre de 2008, conjuntamente con la red social Ediciona, publicamos el estudio “La digitalización del libro en España”. Todos estos informes tienen un enfoque divulgativo y están especialmente dirigidos a aquellos responsables de comunicación y gestores culturales con escaso conocimiento sobre estas nuevas herramientas pero con mucho interés en conocer los beneficios derivados de su aplicación en sus entidades.
A raíz de la publicación de estos estudios, y de nuestra filosofía de compartir abiertamente nuestro conocimiento, hemos colaborado en proyectos de formación y definición de estrategias de comunicación online para entidades como la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, Gremio de Editores de Cataluña, Alfaguara, Editorial SM, Universidad de Alcalá de Henares, Ibercaja, Fundación BBK, Grupo Planeta, Random House Mondadori, Junta de Andalucía, Fundación Alonso Quijano, Grupo Anaya, entre otras.
Durante estos años hemos lanzado varias iniciativas que han complementado la oferta de servicios y contenidos de Dosdoce.com. En 2006 pusimos en marcha un blog temático, www.comunicacion-cultural.com, con el que establecer un diálogo permanente entre personas interesadas en las noticias relacionadas con el mundo del arte, teatro, música, cine y literatura. A principios de 2007 lanzamos una herramienta que agrupa a los 50 blogs más relevantes especializados en el mundo del libro. Posteriormente pusimos en marcha la web social Culturizame.net, donde los usuarios pueden opinar, compartir o valorar cualquier información publicada en la Red sobre un determinado libro, disco, película de cine/TV, exposición, obra de teatro, concierto o noticia cultural.
“A lo largo de estos cinco años hemos compartido conocimiento y opiniones con mucha gente muy interesante, hemos formado a centenares de editores y gestores culturales, pero sobre todo tenemos la satisfacción de ver cómo una idea, un pequeño proyecto, va creciendo y consolidándose”, declaró Javier Celaya, socio fundador de Dosdoce.com y vicepresidente de la Asociación de Revistas Digitales de España (ARDE).
El equipo de Dosdoce.com quiere aprovechar esta ocasión para agradecer el interés y seguimiento de nuestros lectores.
Dosdoce.com, aniversario, comunicación, nuevas tecnologías, sector cultural
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viernes, 30 de enero de 2009
L'Orfeo. Música clásica hoy
Presentamos a los lectores de Comunicación Cultural una nueva revista digital de música clásica: L'Orfeo, editada en México y de aparición mensual.
L'Orfeo, cuyo número 4 podemos disfrutar en estos momentos, es una publicación que aborda las actividades de músicos mexicanos (ya sean intérpretes o compositores) dentro y fuera de sus fronteras. Entre sus secciones podemos encontrar, además de editorial y noticias relacionadas, un apartado de entrevistas, ópera, columna invitada, publicaciones, agenda de eventos musicales, otras músicas, etc. Nos parece especialmente novedoso el apartado "Partitura del Mes", donde compositores ceden una obra a los lectores de L'Orfeo para su estudio o ejecución. La partitura está en pdf lista para ser imprimida. Sin duda, una excelente iniciativa.
Felicitamos desde aquí a los responsables de L'Orfeo y les deseamos una larga vida en la Red llena de éxitos.
L'Orfeo, música clásica, revista digital, México
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jueves, 18 de diciembre de 2008
Kompoz
Los músicos estamos de enhorabuena. Existen y no cesan de aparecer nuevas redes sociales especializadas de todo tipo (relaciones personales, viajes, gastronomía, literatura, cómic, vivienda,...) pero hasta ahora no existía una red social donde el talento de los músicos profesionales pudiera desarrollarse y complementarse con el de otros músicos.
Para cubrir esas necesidades ha llegado Kompoz, creada por el ingeniero informático Raf Fiol, de la Universidad de Florida, y concebida como sitio de coincidencia y colaboración entre los músicos de todo el mundo.
Como en cualquier otra red social, lo primero es registrarnos como usuarios. Una vez dados de alta, podemos subir nuestra música (compuesta por nosotros) para que los demás la conozcan, del mismo modo que nosotros podemos buscar la música o a los músicos por los que estemos interesados. A partir de ahí nace la colaboración entre los usuarios, objetivo fundamental de Kompoz. Nuestros proyectos serán visitados por otros que los ampliarán y mejorarán, añadiendo un piano, un grupo de cuerdas, proponiendo nuevas bases rítmicas,... Naturalmente, nosotros podemos ir en busca de esos profesionales para que nos hagan ese trabajo. Ni que decir tiene que nosotros también ayudaremos a mejorar las composiciones ajenas. El resultado de toda esta colaboración pueden ser grabaciones de auténtica calidad.
Animamos desde aquí a los músicos y compositores españoles a conocer Kompoz, a utilizarla y beneficiarse de tantas ventajas y oportunidades como ofrece.
Kompoz, música, composiciones, redes sociales
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jueves, 11 de diciembre de 2008
Ivorybooks abre sus puertas en Madrid
Ivorypress, la editorial fundada por Elena Ochoa Foster en 1996, inauguró ayer miércoles 10 de diciembre Ivorypress Art + Books, un espacio interdisciplinar en Madrid, que vincula el ámbito del arte con el de los libros. Este espacio se articula con una gran sala de exposiciones y una librería que se abrirá al público el próximo mes de diciembre. La sala de exposiciones se inaugurará en febrero de 2009.
La librería de Ivorypress Art + Books, ofrecerá libros raros, ediciones limitadas, catálogos retirados de circulación y una selección poco frecuente de libros de fotografía, arte, arquitectura y diseño. La librería albergará obras de todo el mundo, con especial atención en ediciones de países asiáticos, así como todas las publicaciones de Ivorypress. En www.ivorybooks.com, la página web de la librería, se podrán ver todo el fondo del catálogo de la librería y otros títulos que estarán disponibles on line.
Los aficionados a los libros raros y a las ediciones especiales podrán encontrar joyas bibliográficas como el Wundergarten der Natur de Karl Blossfeldt (1932), o ejemplares de la primera edición del mítico catálogo de la exposición de 1955 The Family of Man, que Edward Steichen realizó para el MoMA (Nueva York, EEUU) e itineró a mas de 38 países. Desde una edición especial de Rineke Dijkstra que incluye una obra original de la artista, a libros de Warhol, Ed Ruscha, Bill Henson, Boris Mikhailov, David Armstrong, Lui Xiandong y Yang Yong entre otros muchos, con la firma original de sus autores.
La sección de libros de fotografía presentará novedades editoriales como Dutch Eyes. A Critical History of Photography in the Netherlands o Iranian Photography now, ediciones sobre los maestros de la fotografía, artistas contemporáneos y jóvenes talentos: Man Ray, Manuel Álvarez Bravo, Rodchenko, Cindy Sherman, Robert Frank, Catherine Opie, William Eggelston, Mitra Tabrizian, RongRong&inri, Alessandra Sanguinetti, Olaf Heine o Wolfgang Tillmans hasta mas de un millar de autores.
La sección de libros de arte contiene monográficos sobre la obra de artistas internacionalmente conocidos como Richard Tuttle, Rebbeca Horn, Gerhard Richter, Gilbert & George, Fischli Weiss, Richard Prince, Cai Guo-Qiang y otros en ocasiones menos conocidos cómo Paul Thek, Carlos Amorales, Erwin Wurm, Elke Krystufek, Katharina Sieverding, Mariko Mori o Eija-Liisa Ahtila.
La librería de Ivorypress Art + Books estará abierta al público de lunes a viernes de 11.00h a 14.00h y de 17.00h a 19.00h, los sábados de 11.00h a 14.00h. Las ediciones especiales, los libros raros y únicos se mostrarán con cita previa.
Ivorypress Art+Books
Comandante Zorita, 48
28020 Madrid
Tel.- 91 4490961
Ivorypress, Ivorybooks, librería, exposiciones, Madrid, arte, libros
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jueves, 4 de diciembre de 2008
Web Singing Awards
Debido al potencial de Internet como herramienta de comunicación social y al creciente interés por los concursos de búsqueda de talentos, Red Karaoke, la mayor red social para cantantes ha convocado el primer concurso de canto 2.0 a través de Internet, cuyo objetivo es el de encontrar a las mejores voces del año, estén donde estén.
Se trata de los Web Singing Awards (WSA), la competición anual de canto a través la Red, que arrancó en España el pasado 24 de noviembre. Abierto a cualquiera que desee participar, tan sólo es necesario inscribirse a través de la página www.websingingawards.com, enchufar el micrófono y cantar, de forma totalmente gratuita y sin requisitos previos como castings o audiciones. De forma paralela se realizará un concurso para compositores, siendo las diez composiciones originales más votadas grabadas en un disco e interpretadas por los ganadores absolutos de las categorías de canto.
Otra de las novedades es que el disco se grabará a distancia, con calidad profesional y utilizando la capacidad de comunicación que ofrece Internet y las nuevas herramientas de edición musical disponibles en el mercado.
Los WSA cuentan para su realización con el apoyo de varias empresas colaboradoras, como son Telecinco.es (en virtud del acuerdo estratégico alcanzado recientemente entre Telecinco y Red Karaoke), Blusens, Academia del Arte o la discográfica El Séptimo Sello, entre otras.
Mecánica del concurso
El concurso se desarrollará íntegramente a través de Internet, utilizando la herramienta de grabación vía web de Red Karaoke y su tecnología “Plug&Sing”, que no requiere la instalación de ningún software adicional en el equipo del usuario. La participación está abierta a internautas de todo el mundo y es totalmente gratuita.
La competición comenzará el día 24 de noviembre a través de la página web www.websingingawards.com, y tendrá una duración de 8 semanas. Cada semana se propondrá a los participantes la interpretación de una canción específica perteneciente a los nueve géneros de los que consta el concurso -pop, rock, oldies, bandas sonoras, canción española, música latina, músicas del mundo, varios, y duetos/grupos-, escogiéndose un ganador semanal de cada uno de ellos a partir de la valoración de un jurado profesional y las votaciones populares.
Al término del concurso, se elegirá un ganador final por cada género, así como en las categorías de mejor cantante masculino, cantante femenina, cantante junior, mejor grabación y vídeo más original o divertido. Los ganadores absolutos no solo tendrán la oportunidad de grabar un disco sino que también podrán actuar en directo en la gala de entrega de los premios WSA. Esta gala, que se celebrará en febrero en Madrid, contará también con actuaciones de cantantes profesionales.
La gran diferencia entre este concurso 2.0 y programas de televisión como OT y Factor X reside en que, en este caso, no hay castings previos ni preselección de participantes basada en perfiles físicos o psicológicos: en los WSA no hay ningún elemento de reality show ni jurados que ataquen a los participantes con sus comentarios. “En los WSA cualquiera puede participar y convertirse en ganador, porque el concurso solo se basa en el talento y no en elementos externos como la audiencia de un programa de televisión”, afirma Miguel A. Díez Ferreira, CEO de Red Karaoke.
Votación popular y jurado profesional
Los ganadores de los WSA se decidirán mediante un sistema mixto de votaciones, en el que la votación popular y un jurado profesional contarán ambos con un peso del 50%, de cara a garantizar la máxima calidad de los cantantes y compositores, así como su potencial como artistas emergentes.
La votación popular se contabilizará a través de Internet y SMS, mientras que el jurado de los Web Singing Awards estará compuesto por importantes personalidades del mundo de la música como la cantante Greta (ex líder de Greta y Los Garbo y anterior jurado y profesora de OT), los productores musicales Pablo Pinilla (David Bustamante, Sergio Rivero, Modestia Aparte, Rafa Martín…) y Ciro Cruz (Director de la discográfica El Séptimo Sello), el batería, compositor y profesor de canto Antonio Pastora (co-director de la Academia del Arte), y Miguel Ángel Díez Ferreira (co-fundador y CEO de Red Karaoke).
Premios
Los cantantes que resulten elegidos como los mejores del año en las categorías de masculino, femenino, junior y dueto/grupo tendrán la oportunidad de grabar un disco profesional y de actuar en directo en la Gala de entrega de premios de los WSA. El disco será totalmente original, ya que las canciones que lo conformarán serán las diez composiciones originales más votadas por el público y el jurado del concurso paralelo de compositores. La producción del disco, que se realizará a través de Internet, será realizada conjuntamente entre Red Karaoke y Academia del Arte, y será dirigida por Igor Marcus, co-fundador y co-director de Academia del Arte.
Adicionalmente, los ganadores recibirán otros premios como micrófonos profesionales, reproductores de MP4 cortesía de la multinacional española Blusens, y otros premios conmemorativos. En total se repartirán más de 100 premios entre ganadores semanales y anuales por un valor aproximado de 60.000 euros.
Para consultar las bases del concurso, visita www.websingingawards.com.
Web Singing Awards, Red Karaoke, canto, música
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sábado, 29 de noviembre de 2008
Amina Alaoui
CaixaForum Madrid presenta, dentro del ciclo Las músicas de CaixaForum, a la cantante marroquí Amina Alaoui, que viene a mostrarnos las conexiones entre la música araboandalusí, el fado y el flamenco
Nacida en Fez (Marruecos), Amina Alaoui es una brillante intérprete de la lírica araboandalusí, que combina el canto con la composición y la investigación, a fin de profundizar al máximo en su arte. En el año 2000 recibió el premio Villa Médicis por su investigación musicológica de las relaciones entre la música araboandalusí, el fado y el flamenco. Fruto de este trabajo, ahora presenta unas composiciones inéditas y originales, que nos revelan los elementos comunes que compartían estas tres grandes tradiciones de la península Ibérica.
Músicos integrantes:
Amina Alaoui, percusión y voz
José Luis Montón, guitarra española
Eduardo Miranda, mandolina
Sofiane Negra, laúd
Jueves 4 de diciembre de 2008 a las 19:30 horas
CaixaForum Madrid - Paseo del Prado, 36
Amina Alaoui, CaixaForum, Madrid, conciierto
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miércoles, 19 de noviembre de 2008
As nosas palabras, os nosos mundos
As nosas palabras, os nosos mundos (Nuestras palabras, nuestros mundos) es una exposición itinerante sobre la diversidad lingüística y sobre la lengua gallega. Se presenta como un viaje al universo de las lenguas desde el conocimiento, las emociones, las sensaciones, el juego y la imaginación. Un recorrido abierto que sorprende al visitante gallego a través de distintos aspectos de su lengua y que permite también su descubrimento para los visitantes no gallegos.
La muestra llega hoy a Madrid y permanecerá del 19 al 25 de noviembre en el Círculo de Bellas Artes, después de haber visitado ciudades como Bilbao, Santiago, Vigo o Bruselas; posteriormente llegará a Barcelona o Buenos Aires, entre otras.
Nuestras palabras, nuestros mundos contribuye al conjunto de iniciativas realizadas en el marco del Año Internacional de las Lenguas, promovido por las Naciones Unidas, y del Año Europeo del Diálogo Intercultural, proclamado por el Parlamento Europeo también en 2008, a través de una exposición que fomenta la valoración positiva del plurilingüismo y que muestra aquellas buenas prácticas que se están llevando a cabo desde Europa, y especialmente desde Galicia.
La exposición va dirigida a un público amplio, no necesariamente especialista o conocedor en profundidad del mundo de las lenguas y de la lengua gallega en particular. Se trata de una exposición multimedia e interactiva que estimula todos los sentidos: tiene espacios para escuchar (diálogos, poesía o música en los diferentes idiomas), ver (escenas de series de TV o películas históricas en otras lenguas) y tocar (pantallas táctiles y otros objetos para interactuar).
El hilo conductor de la exposición es el idioma gallego, que tiene en la muestra una especial relevancia sobre los demás idiomas, tanto en tamaños como en jerarquías. Las lenguas oficiales de la exposición son el gallego, el castellano, el euskera, el catalán, el francés, el inglés y el neerlandés-flamenco. Además, se proponen sistemas de información alternativos para personas con discapacidad sensorial.
As nosas palabras, os nosos mundos
Círculo de Bellas Artes (Madrid)
Del 19 al 25 de noviembre de 2008
As nosas palabras, os nosos mundos, lengua gallega, exposición
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miércoles, 12 de noviembre de 2008
Barcelona Metròpolis
La revista Barcelona Metròpolis de pensamiento e información urbanos estrenó espacio on-line el pasado lunes 10 de noviembre: www.barcelonametropolis.cat.
Barcelona Metròpolis es una iniciativa promovida por el Ayuntamiento de Barcelona. Es un proyecto que se traduce en la publicación de una revista de información y pensamiento urbanos, del espacio web que ahora presentan y también en la organización de forma periódica de actividades presenciales en la ciudad. Es sobre todo un proyecto de debate sobre la ciudad y de quienes viven en ella y la disfrutan. El catedrático de filosofía Manuel Cruz es su director.
En los tres primeros números de la nueva etapa, Barcelona Metròpolis ha hablado de turismo y turistas, del mito de la sociedad civil catalana y de (mal)vivir en la ciudad. El sitio web ofrece en abierto estos contenidos para que los usuarios que se interesen por las cuestiones planteadas puedan dar su opinión, tanto en el blog de la publicación como al pie de los artículos publicados.
La revista se publica en tres idiomas (catalán, castellano e inglés), y está dividida en tres grandes apartados: Plaza Pública, con interesantes entrevistas y artículos de escritores y ensayistas; Cuaderno central, con reportajes y artículos de sociólogos, comisarios de exposiciones, realizadores de cine y expertos de otras materias; y Observatorio, donde son analizadas las últimas tendencias en cine, arte, música, así como recomendaciones y reseñas de libros y entrevistas a personajes relevantes.
La presentación de esta versión digital de la revista será mañana jueves 13 de noviembre a las 19 horas en la Fundació Sunyol (Pº de Gracia, 98) con un debate sobre la pregunta: "Vivo en Barcelona: sí, pero ¿cómo?".
Barcelona Metròpolis, revista, digital, pensamiento, información, urbano
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jueves, 6 de noviembre de 2008
Talento Brasil
“Soy brasileña y listo”, decía la renombrada escritora Clarice Lispector. Con libros publicados en varios países, como Alemania, España, Estados Unidos, Francia, Noruega y Rusia, así era como Clarice – hija de ucranianos –, respondía a quien intentaba entender una persona con una experiencia de tantas características y peculiaridades, tan brasileña.
A causa de su formación singular, histórica y social, Brasil está marcado por la permeabilidad cultural en todo su territorio. Influencias de países europeos, africanos, asiáticos y de los pueblos indígenas que ya habitaban la Terra Brasilis cuando fue descubierto, formaron la raíz de un pueblo que, actualmente, derrocha creatividad y versatilidad.
La referencia plural que Brasil lleva consigo se refleja en sus productos y servicios, principalmente en los proyectos de cultura y entretenimiento. Este país ofrece modelos de negocios diferenciados, basados en un intenso intercambio internacional, con empresas y profesionales que atienden a toda la cadena productiva de los sectores del cine, asuntos editoriales, asuntos para televisión, música y vídeos publicitarios.
Por todo ello, Apex-Brasil (Agencia Brasileña de Promoción de Exportaciones e Inversiones) ha creado el programa Talento Brasil, que divulga la creativa industria brasileña en el exterior.
Del 11 al 13 de noviembre de este año, Talento Brasil tendrá su primer gran evento, que acontece en el Círculo de Bellas Artes, en Madrid, España. Un show de música brasileña abrirá el evento y, el segundo día, habrá una actividad específica para el público infantil, además de una serie de seminarios con nombres brasileños de relevancia vinculados a los proyectos Brazilian TV Producers, Cinema do Brasil, FilmBrazil, Brazil Rights y Música do Brasil.
“Lanzaremos Talento Brasil en España por razones muy puntuales. Una de ellas es la afinidad del idioma, negocios e intereses en común. Además de eso, para los sectores de la industria del entretenimiento, Europa es un mercado con fuerte potencial de demanda y España, particularmente, vive un momento singular, con intensa actividad relacionada a la industria audiovisual”, explica el presidente de Apex-Brasil, Alessandro Teixeira.
Durante tres días se desarrollará una intensa programación, donde habrá actividades para niños, proyecciones de películas, debates con productores, coloquios con escritores, editores, músicos, expertos en publicidad... Una gran oportunidad para conocer de cerca y de primera mano la cultura más actual de Brasil, ese fascinante país nunca suficientemente conocido.
Talento Brasil
11, 12 y 13 de noviembre de 2008
Círculo de Bellas Artes - c/ Alcalá, 42 - 28014 Madrid
Talento Brasil, Madrid, Círculo de Bellas Artes
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jueves, 30 de octubre de 2008
FICOD 2008
Los días 25, 26 y 27 de noviembre de 2008 se celebrará en Madrid el II Foro Internacional de los Contenidos Digitales (FICOD 2008), cuyas actividades incluirán sesiones plenarias, mesas redondas, talleres, un área de exposición y otra de emprendedores.
Innovación y nuevas tendencias serán los grandes ejes de FICOD 2008, cuyo programa de actividades tiene un doble objetivo: tomar el pulso a la realidad más actual del mercado e identificar las tendencias que faciliten el desarrollo de una industria de contenidos digitales competitiva, eficiente y con futuro.
Con este objetivo, FICOD 2008 reunirá a los principales gurús del mercado, empresarios de éxito, directores de los distintos sectores de esta industria, tecnólogos, líderes de opinión, innovadores, disruptores y creadores que aportarán ideas y experiencias que permitirán identificar las oportunidades y desafíos de un mercado en permanente transformación.
El foro contempla la participación de ponentes de relevancia internacional, que abordarán las cuestiones más críticas de la industria de contenidos digitales en sesiones plenarias. Así, estas sesiones contarán con la presencia de personalidades como Chris Anderson, Jacqueline Hernández, Kevin Roberts, Adam Daum y Gerd Leonhard, entre otros.
Javier Celaya, de Dosdoce.com, y Nacho Fernández, de Literaturas.com, participarán en FICOD 2008 con un taller sobre Digitalización.
FICOD 2008
25, 26 y 27 de noviembre de 2008
Palacio Municipal de Congresos de Madrid
Avenida Capital de España Madrid, s/n.
Campo de las Naciones
28042 - Madrid
Más información en FICOD 2008 y red.es
FICOD 2008, digitalización, red.es, contenidos digitales
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miércoles, 22 de octubre de 2008
Apuesta digital de Imaginarium
La cadena de juguetes Imaginarium siempre ha basado su estrategia empresarial en una serie de valores que tanto les ha diferenciado del resto de competidores -calidad, seguridad, no sexismo, no belicismo-, pero sobre todo procurando y manteniendo dos claros e importantes objetivos: conseguir que los niños se diviertan más y mejor y fomentar su más completa formación y desarrollo.
El afán por iniciar a los niños en el mundo de la lectura siempre ha sido muy importante para Imaginarium. Su extensa colección de libros donde se abordan todos los temas y campos lo demuestran: la familia, el cole, la naturaleza, la ciencia, el mundo de la fantasía, la ecología, la amistad, la fábula, la poesía, la gastronomía,... Cualquier aspecto que rodea la vida de un niño está presente en estos libros mostrado siempre desde el prisma educativo y formativo.
Ahora Imaginarium ha ido más allá, y ha introducido las nuevas tecnologías para fomentar la lectura de los más pequeños, conscientes de que estos las utilizan y están familiarizados con ellas cada vez a más temprana edad.
Para ello han creado el Centro de descargas Imaginarium, un mundo educativo digital donde los pequeños encontrarán una completa selección de productos infantiles interactivos especialmente pensados para contribuir en su educación y donde se ofrecen más de 100 títulos entre Libros, Música y Juegos para poder descargar en el ordenador.
De esta manera, y a un precio inferior al de los mismos libros físicos que pueden comprarse en tienda o por Internet, los pequeños lectores podrán descargarse los libros que más les gusten y guardarlos en su ordenador. O si lo prefieren, pueden mantenerlos en su propia biblioteca virtual ubicada en la web de Imaginarium y a la que sólo ellos tendrán acceso. Así, podrán consultar sus libros, descargarlos cuantas veces quieran o ir completando su colección digital. Una idea que nos ha parecido realmente interesante y bonita, además de las ventajas de familiarizar a los niños con las tecnologías. El pago por las descargas puede realizarse mediante tarjeta de crédito (de los papás, eso sí) o también mediamte tarjetas de descarga de varios importes que pueden adquirirse en las tiendas Imaginarium y que además no caducan. De esta forma es el niño quien se compra sus propios libros.
Los peques pueden descargarse gratis su primer libro interactivo Biblos Koloro 1 y comenzar a disfrutar coloreando.
Desde aquí nuestra felicitación por tan interesante iniciativa.
Imaginarium, Descarga de libros, juegos educativos
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sábado, 18 de octubre de 2008
Fnac Triangle cumple 10 años
Sí, ya hace diez años que se instalaron en el Triangle, mirando a plaza Cataluña, en el mismo centro de Barcelona. Y una efeméride así hay que celebrarla como se merece: a través de la cultura, de manera gratuita y abierta a todos.
Desde 1998, Fnac se ha consolidado como uno de los agentes culturales más activos de la ciudad. Con más de 10.000 actos y 150 exposiciones, la Fnac se ha convertido en un lugar de encuentro y descubrimiento, de agitación e implicación cultural, gracias a la presencia de los más prestigiosos creadores de diferentes disciplinas.
Del 20 de octubre al 16 de noviembre se han organizado conciertos, exposiciones, encuentros con escritores, proyecciones, maratones, happenings, polipoesía, videojuegos y mucho más. Entre otros, ya se han apuntado a la fiesta Russian Red, John Giorno, Cristopher Paolini, Josep Pedrals, Edmond Baudoin, Ana Gavalda, etc.
FNAC, Triangle, Barcelona, aniversario
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viernes, 17 de octubre de 2008
Getafe Negro
El Ayuntamiento de Getafe presenta la primera edición de Getafe Negro. Festival de Novela Policiaca de Madrid, que se celebrará del 22 al 26 de octubre de 2008.
Este nuevo festival cultural tendrá carácter anual: tomará las calles, la Universidad, plazas y espacios culturales de Getafe, que se llenarán de escritores, músicos, artistas, actores y lectores en un intenso programa de actividades culturales.
Getafe Negro nace para centrarse en la divulgación de la lectura y de otros formatos relacionados con el género: libros, charlas, debates, seminarios, cómic y también música, teatro, cine y actividades destinadas a todos los públicos.
La iniciativa, dirigida y promovida por el Ayuntamiento de Getafe, está comisariada por el escritor getafeño Lorenzo Silva. Su realización corre a cargo de La Fábrica y tiene al periodista David Barba como director de programación.
En esta primera edición, Getafe Negro contará con tres ejes principales: Madrid como escenario literario, novela policiaca hecha en África y el análisis de los arquetipos más populares del género policiaco, como los comisarios y gánsteres: con ellos, Getafe Negro explorará las fronteras reales y literarias de ambos lados de la Ley.
Getafe Negro contará con debates abiertos a la participación del público, de la mano de escritores de la talla de Juan Madrid, José María Guelbenzu o Rafael Reig, además de primeras figuras españolas y extranjeras de la novela negra, policiaca, de misterio, fantasía, terror, ciencia-ficción y novela gráfica, en un festival literario polifacético y multigenérico.
Getafe Negro, novela policiaca, La Fábrica
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jueves, 18 de septiembre de 2008
El pop también se lee
A pesar de la transformación que está viviendo la industria musical, lo que queda, al final, es la música, son las canciones, y lo que uno haga con ellas. El pop también se lee quiere subrayar la especificidad de la canción pop, interpretándola de otra manera. Músicos, escritores y poetas recitarán sus letras favoritas en un acto conducido por el dúo de rapsodas Ediciones Vinoamargo. La sesión, que se celebrará hoy jueves a las 20 horas en el CCCB, estará introducida por dos Conferencias de Diez Minutos, dos tentativas sobre la canción pop impartidas por Manolo Martínez (Astrud) y Eloy Fernández-Porta, autor de Afterpop.
Con la participación de Antonio Luque (Sr. Chinarro), Manolo Martínez (Astrud), Miguel Ángel Blanca (Manos de Topo), Ajo, Roger Mas, Eloy Fernández Porta, Elena Medel, Ramón Faura (Le Petit Ramon), Julián Rodríguez, Fernando Márquez El Zurdo (Kaka de Luxe, La Mode), Félix Romeo, José Antonio Bejarano (Pantanito)...
Conduce: Álex Gil y José Rojano (Ediciones Vinoamargo)
Música (ma non troppo): Oriol Roca (batería), David Mengual (contrabajo), Dani Pérez (guitarra)
El pop también se lee / Jueves 18 de septiembre / 20:00h. / CCCB / Montalegre, 5 / 08001 Barcelona / 93 306 41 00 / www.cccb.org
El pop también se lee, CCCB, Barcelona
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martes, 16 de septiembre de 2008
Hay Festival - Segovia
Siete exposiciones, dos conciertos y cuatro filmes, junto a más de cuarenta debates, llenarán de color y música las noches de Segovia desde el día 25 y hasta el 28 de septiembre dentro de las actividades del Hay Festival Segovia.
La estrella de la escena folk británica, Seth Lakeman, que acaba de presentar su cuarto álbum en el Reino Unido, cantante, escritor, violinista y guitarrista, ofrecerá su primer concierto en España. Lakeman, habitual en Hyde Park, le debe tanto a Led Zeppelin como a la tradición folk. El periódico The Times le describió recientemente como “el hombre que ha puesto de moda el folk"; ha actuado en el festival de Glastonbury y ganó los premios al Mejor Cantante del Año y Mejor Álbum en los BBC Radio 2 Folk Music Awards.
Por su parte, descubierto por Peter Gabriel, el guineano N'Faly Kouyate y su grupo, habituales de los festivales WOMAD, proponen una excitante fusión de los ritmos africanos y occidentales. Mediante su música acercan la tradición mandinga al futuro.
La palabra nos la brindarán distintos creadores e intelectuales como Daniel Pennac, Germaine Greer, Paul Preston, Klaus Wagenbach, entre otros.
Daniel Pennac, escritor francés nacido en Marruecos (Casablanca, 1944). Proveniente de una familia militar, pasó su infancia en tierras africanas y del sudeste asiático y su juventud en Niza, donde se graduó en letras y se decantó por la enseñanza. Tras iniciar su actividad literaria con libros para niños, adquirió gran popularidad gracias a las novelas de la saga en torno a la familia Malaussène, aunque también ha escrito otras novelas, ensayos... De estos es célebre el titulado Como una novela, en el que enumera los derechos del lector.
Por otra parte, con motivo del Homenaje que el Hay Festival brinda a los protagonistas del Mayo del 68, la escritora australiana Germaine Greer y el hispanista británico Paul Preston estarán en Segovia la última semana de septiembre.
Germaine Greer (Australia, 1939), académica y escritora, es reconocida por ser una de las representantes feministas más importantes del siglo XX, autora de varios libros mundialmente aclamados. Greer hablará sobre su educación anarquista y la importancia que el ejemplo español tuvo para ella y sus camaradas.
La autora de La mujer eunuco (1970, traducida a más de 8 idiomas), charlará además con el periodista checo Tomás Vrba y con el español Juan Cruz a propósito de la repercusión del Mayo del 68 en sus respectivos países.
Por su parte, Paul Preston, famoso historiador británico, catedrático de la London School of Economics, especializado en historia contemporánea española y autor, entre otros libros, de las biografías de Francisco Franco y Juan Carlos I, compartirá con nosotros su interpretación de los sucesos de Mayo de 68 en España y la repercusión de estos a lo largo los años setenta en la apertura de España hacia la democracia.
El cine estará presente en el Hay Festival a través de la figura del director Nick Broomfield, ganador de la Concha de Plata del Festival de San Sebastián 2007 a la Mejor Dirección con La Batalla de Hadiza. Ha dirigido varios largometrajes y documentales, entre los cuales se encuentran Ghosts (2006) y Quién mató a Kurt Cobain (1998). Tras estudiar cine en el National Film and Television School, Broomfield se ha dedicado a la elaboración de películas y documentales definidos por una extensa labor de documentación y el intento de ofrecer una visión múltiple sobre los hechos narrados. Ghosts y La Batalla de Hadiza se proyectarán en el Hay Festival el sábado 27 y el domingo 28 de septiembre y serán presentadas por su autor dentro del programa del Festival.
Las artes plásticas llegan de la mano de la Fundación MAPFRE, la Fundación Delfina, la AECID y la Junta de Castilla y León a través del MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de León -; todas ofrecen una completa y heterogénea visión del arte de nuestros días.
Venta de entradas en:
Internet: www.hayfestival.com/segovia o en el tlf: 915 779 506 (de 11 a 19 horas).
Desde el 24 hasta el 28 de septiembre en la oficina de Turismo, junto al Acueducto. Tlf: 648 092 787
Hay Festival, Segovia, literatura, música
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jueves, 4 de septiembre de 2008
Curso de comunicación musical y crítica de Doce Notas
Se ha convocado el I Curso de Comunicación musical, crítica y cambio cultural, organizado por la revista on-line de música y danza Doce Notas en colaboración con el Instituto Goethe de Madrid y la UNED. La directora del curso es Elena Angulo, Directora de la Academia de Estudios Orquestales de la Fundación Barenboim-Said. Entre los ponentes de las sesiones destacan Peter Overbeck, profesor de Historia de la radiofonía y Dramaturgia musical (clásica), y Klaus Leymann, profesor de crítica musical, ambos del Instituto Lernradio de la Hochschule de Karlsruhe. También intervendrán, entre otros, los críticos Juan Manuel Viana, Luis Gago y Stefano Russomanno, y el compositor Jorge Fernández Guerra.
Este curso se desarrollará entre el 27 y el 31 de octubre de 2008 y está dirigido, principalmente, a estudiantes de música, musicólogos y músicos interesados en la comunicación musical. Las solicitudes de inscripción deberán realizarse antes del 15 de octubre. El plazo límite de inscripción finaliza el 20 de octubre.
Como actividad paralela, Doce Notas ha organizado la exposición "El instante decisivo: En torno a los encuentros de Pamplona 72" con fotografías inéditas de Eduardo Momeñe y los carteles de unos encuentros que fueron el punto de partida del Arte Conceptual en España, la principal corriente artística que proponía la propia crítica del arte como práctica artística. Luis de Pablo, al frente del grupo madrileño Alea, de experimentación musical, y el pintor-escultor José Luis Alexanco, fueron los encargados de programar este singular evento que congregó en la ciudad de Pamplona a 350 artistas de vanguardia procedentes de cuatro continentes entre el 26 de junio y 3 de julio de 1972.
Más información en: docenotas.com
Foto: Ólobo
comunicación musical, crítica musical, cambio cultural, formación, Doce Notas, Encuentros de Pamplona 1972
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jueves, 26 de junio de 2008
Euskadi Innovación 2008
El diario Deia entrega con el periódico de hoy EUSKADI INNOVACIÓN 2008, una revista de 136 páginas donde se podrá descubrir un Top 100 de la innovación, el ránking de las cien personas vivas más rompedoras del momento. Adentrándose en las claves de Internet, la cultura, el deporte y la ciencia nos ofrecen un abanico de entrevistas y reportajes a fondo, contándonos la historia de empresas revolucionarias, de insólitos inventos y rindiendo homenaje a las mentes más brillantes de Euskadi, desde cocineros y músicos a emprendedores y cibergurús.
Joaquín Achúcarro, Bernardo Atxaga, Iñaki Gabilondo, Elías Querejeta, Miguel Zugaza, Iratxe Larrea, Karlos Arguiñano, Ainhoa Arteta o Javier Celaya son algunos de los nombres que figuran, cada uno en su terreno, dentro de este Top 100 de la innovación en el País Vasco.
Es un honor para nosotros formar parte de esta relación, no sólo por el hecho de compartirla con quienes lo hacemos, sino por lo que representa encontrarse dentro de un grupo de personas que destaca por su espíritu innovador, algo que siempre hemos defendido y por lo que seguiremos trabajando.
Euskadi Innovación 2008, Deia, Innovación, Top 100
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sábado, 21 de junio de 2008
Día Mundial de la Música
El 21 de junio tiene lugar el solsticio de verano, una fecha señalada sobre todo para los países del Norte de Europa, impregnada de un carácter mágico. Es el día en el que el Sol se deja ver durante más tiempo y, por ello, a lo largo de la historia se han realizado una serie de rituales relacionados sobre todo con la fertilidad y con el sentido de pedir deseos cumplidos. Aprovechando este día, se instauró en Francia en 1982 la Fiesta de la Música, pasando posteriormente a ser, a nivel mundial, el Día Internacional de la Música, fecha en la que cada año la música sale a la calle para ser escuchada en todos los lugares del mundo.
Desde el campo editorial, en Ediciones Siruela han querido sumarse a este evento ofreciéndonos los siguientes títulos relacionades con el mundo de la música:
Historia de la Música para niños
de Monika Heumann y Hans-Günter Heumann
El maestro invita a un concierto
de Leonard Bernstein
Banda Sonora
de Jordi Sierra i Fabra
1791. El último año de Mozart
de H. C. Robbins Landon
Día Mundial de la Música, libros de música, editorial Siruela
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martes, 17 de junio de 2008
VISIBLE 08
Un año más, el Festival Internacional VISIBLE Madrid de cultura LGTB de COGAM quiere ser un encuentro para la reflexión desde la cultura y desde lo LGTB, una mirada acerca de los temas que interesan y preocupan, tanto en relación con las artes plásticas como con el teatro y la danza. Una mirada desde la cultura a la diversidad social, artística, de género y de orientación sexual de nuestra sociedad. Este año con dos temas relevantes: por un lado, la visibilidad lésbica, con varios espectáculos teatrales que tratan el tema; y por otro, destacar que este año se cumplen 25 años de VIH, 25 años de muerte, silencio y exclusión social. Una exposición nos recuerda que la enfermedad sigue ahí, que no hay que bajar la guardia y que es uno de los principales retos a los que el siglo XXI deberá hacer frente.
La 4ª edición de VISIBLE Madrid Festival Internacional de cultura LGTB de COGAM se desarrollará entre el 11 de junio y el 20 de julio en Madrid, San Fernando de Henares y Pozuelo. El Festival presentará 12 exposiciones y 19 montajes teatrales, un total de 31 convocatorias culturales en 18 diferentes espacios.
Visible 08, COGAM, gay, Madrid, festival
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miércoles, 4 de junio de 2008
Territorios Digitales
Con motivo del Festival Territorios Sevilla, por primera vez este año se celebra Territorios Digitales: un encuentro de las culturas digitales en las Reales Atarazanas de Sevilla que comienza hoy. Lugar donde se reunirán músicos, periodistas, profesionales del sector y todos aquellos interesados en la cultura digital directamente relacionada con el mundo audiovisual, el software y la tecnología.
Habrá conferencias, mesas redondas y talleres. Además un área lúdica, donde tendrán lugar showcases con sesiones y directos de los netlabels y las distribuidoras presentes, tanto nacionales como internacionales, y además una zona de descanso continuamente amenizada por diferentes DJs.
Por último, en el área de encuentro, que servirá como zona de contacto entre los profesionales y por supuesto entre esos profesionales y el público, habrá una serie de stands, entre los cuales figura el de CLONE magazine. Allí encontraréis revistas (edición actual y números atrasados), camisetas CLONE, chapitas, además de a dos artistas del graffiti cada día pintando un panel en el stand con motivo CLONE.
Lugar: Reales Atarazanas de Sevilla
Fechas: 4, 5 y 6 de junio de 2008
Territorios Digitales, Territorios Sevilla, CLONE, culturas digitales
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jueves, 29 de mayo de 2008
La Buena Vida - Café del Libro
Os presentamos un nuevo concepto de librería, café, lugar de encuentro, web colaborativa,... En pleno Madrid de los Austrias, junto al Teatro Real y el Palacio Real, La Buena Vida - Café del Libro es un espacio donde estar, conversar, tomar un café o una copa y encontrarte rodeado de libros, y donde además puedes opinar y aconsejar tus lecturas favoritas a otros lectores.
La Buena Vida dispone de secciones muy diferenciadas en cuanto a libros se refiere: Novedades, propuestas, Historia, Biografía, memorias y correspondencias, Filosofía y pensamiento, Crítica y ensayo literario y sobre el proceso creativo, Política, Sociología, Periodismo, Poesía, Novela gráfica, Infantil/Juvenil, Cine, Teatro y Música, y una estupenda iniciativa para apoyar la autoedición.
Destaca también una cuidada selección de DVDs yCDs, así como de libros de bolsillo, Gastronomía y Viajes. Y en un acogedor entorno, con buena música, proyecciones y tu consumición favorita. ¿Quién da más?
C/ Vergara, 10 - 28013 Madrid
Todos los días de 12:00 a 00:00 horas
La Buena Vida, Café del Libro, Madrid
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viernes, 9 de mayo de 2008
Apertura de CUE Madrid
CUE es un espacio para la expresión espontánea y la improvisación interdisciplinar; un espacio de creación y exposición de libre participación sin filtro de comisariado. El espacio, que abre hoy sus puertas, lo hará en adelante el primer viernes de cada mes en las naves de Intermediæ.
CUE cuenta con un espacio equipado con medios técnicos a disposición de los participantes (400 m2, amplificación, vídeo proyectores, cámaras de vídeo, canales de audio, reproductores de DVD y alguna que otra sorpresa). Cada participante está invitado a traer los dispositivos que considere: instrumentos musicales, camáras, grabadoras, pinceles, vestuario, objetos, etc. Cada mes distintos colaboradores crearán una escenografía diferente.
CUE será todo lo que suceda en ese espacio y en ese tiempo. Los participantes se sumergirán en un proceso de creación plural y simultánea en el que diferentes disciplinas, como danza, música, teatro, videoarte, escenografía o juego, dialogarán durante su proceso de producción desde la premisa de la improvisación.
La finalidad de CUE no es comunicar un resultado o un producto, sino crear las condiciones de posibilidad para que el participante viva y goce su tiempo, en un juego colectivo donde se busca una comunicación siempre nueva e inmediata bajo las claves de interacción, proceso y movimiento.
CUE se desarrolla en el contexto del programa de Ayudas a la Creación Contemporánea.
1ª Edición: 9 de mayo, desde las 20.00 horas
Lugar: Intermediæ, Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14. Entrada libre
CUE, Madrid, Matadero
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lunes, 5 de mayo de 2008
Cuatro formas de decir adiós
Cuando cuatro músicos llevan casi un cuarto de siglo tocando juntos y uno de ellos desaparece, no resulta tan fácil continuar. Le ha ocurrido al Cuarteto Alban Berg después de que uno de sus componentes, el viola Thomas Kakuska, falleciera en julio de 2005 tras una larga enfermedad. La incorporación, en su lugar, de su alumna Isabel Charisius no ha desmerecido en ningún momento la impronta dejada por su maestro. Antes al contrario, ha servido para descubrir a una intérprete extraordinaria. Pero Günther Pichler, Gerhard Schulz (violines) y Valentin Erben (violonchelo) venían notando una sensación rara, de que algo faltaba, como lo reconocían en febrero pasado al diario londinense The Times: “Fue extraño cuando Thomas murió. Queríamos continuar y él quería que continuásemos. Pero algo se rompió en nuestros corazones”.
El Cuarteto Alban Berg deja de tocar para siempre el próximo mes de julio. Antes han querido hacer una gira de despedida, que les ha llevado primero por Estados Unidos, continúa ahora por Europa y concluye en verano tras recorrer Iberoamérica y Asia. Esta semana se despiden de su fiel y devoto público español en los conciertos de Zaragoza (día 5) y Madrid (días 6 y 8). No hay que ser adivino para presumir que estas actuaciones estarán marcadas por la emoción de una cita trascendental. Calla para siempre el sonido hondo y añejo de la cuerda estos cuatro músicos; la perfección técnica de sus ejecuciones, el empaste de sus instrumentos, la intensa expresión de sus interpretaciones. Ya nos será imposible volver a oírlos en directo. Sólo quedarán los discos y el recuerdo.
De Joseph Haydn abordarán L’ Introduzione (de Las siete últimas palabras de nuestro Salvador en la Cruz, op. 51) y el Cuarteto nº 1 en sol mayor, op. 77, que fue de los últimos que compuso el músico austriaco. Una de estas piezas abrirá cada concierto, como una manera de instaurar un punto de partido en el recorrido estético y musical que propone en esta gira el cuarteto vienés. De hecho, con Haydn se produce una evolución en la forma, al incorporarse un mayor desarrollo de las partes de viola y segundo violín hasta conseguir que los instrumentos entablen un auténtico diálogo musical. La siguiente etapa se cubrirá con el Cuarteto nº 15 en sol mayor, D. 887, de Franz Schubert, y uno de los últimos cuartetos compuestos por Ludwig van Beethoven, el nº 15 en la menor, op. 132, fechado en 1825 y que pasa por ser el más accesible de todos ellos. Tiene un movimiento lento de un lirismo extraordinario que el músico de Bonn subtituló “Canción de agradecimiento de un convaleciente ofrecida a la divinidad”.
La última parte, como no podía ser de otro modo, la configuran las obras del compositor vienés Alban Berg. Se tratan del Cuarteto op. 3, que tiene pasajes donde tendremos ocasión de oír el lucimiento de la viola de Isabel Charisius; y de la inmortal Suite Lírica, una auténtica joya compuesta en 1926. Berg dijo de ella que era “una expresión de amor lírico”. En realidad, la partitura recreaba su amor furtivo y clandestino por Hanna Fuchs, hermana del poeta Franz Werfel y, por tanto, cuñada de su admirada amiga Alma Mahler. Por ello esta obra recuerda vagamente al tema de amor del Tristán wagneriano. Seis movimientos cortos donde utiliza una clave musical con sus iniciales y las de su amada, y que subtitula algunos de ellos como “Andante amoroso”, “Presto delirando-tenebroso” o el final “Largo desolato”, inspirado en el poema De profundis clamavi de Baudelaire.
Estas serán las últimas obras que tocarán juntos. Luego, cada uno se irá por su lado. Günter Pichler quiere dedicarse a dirigir, cosa que empezó a hacer en 1989 con la Orquesta de Cámara de Viena. Gerhard Schulz e Isabel Charisius se integran en una nueva formación, el Waldstein Ensemble, donde también toca la esposa de Gerhard. Atrás quedará toda una vida unida por el recuerdo de Thomas Kakuska, sin el que ya no tenía sentido continuar. Como en ese poema de Baudelaire en el que se inspiró Berg:
“Porque no hay en el mundo horror que sobrepase/ La fría crueldad de ese sol congelado/ Y de esa inmensa noche semejante al viejo Caos”
Cuarteto Alban Berg. Obras de Haydn, Berg, Schubert y Beethoven. XVI Liceo de Cámara. Fundación Caja Madrid. Auditorio Nacional. Días 6 y 8 de mayo.
Texto: Felipe Santos
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lunes, 28 de abril de 2008
Espacios de Creación
La Fundación Fausto Orbegozo Eizaguirre ha editado una revista cultural llamada “Espacios de Creación” con la intención de acercar la cultura a la calle y dar a conocer a nuevos creadores.
Con carácter trimestral y bajo una amplia diversidad de contenidos que incluyen arte, cine, teatro, música, danza, arquitectura, ciencia, diseño, gastronomía y viajes, “Espacios de creación” nace con la idea de dar voz a todos aquellos creadores, noveles o consolidados, de toda la geografía nacional.
La revista, que cuenta con un formato muy cómodo para su lectura, está dirigida por José Antonio Ibáñez de Garayo, proyectada hacía los sectores profesionales y concebida como un apoyo hacia la obra de los nuevos creadores.
Damos la bienvenida a esta nueva revista que, bajo esta filosofía impulsadora del arte, aparecerá en escena con periodicidad trimestral al precio de 6€.
Espacios de Creación, revista, cultural
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miércoles, 23 de abril de 2008
Libros y música
Son muchas, afortunadamente, las conexiones entre dos de las más bellas entre las Bellas Artes: la literatura y la música. Hoy, que se celebra el día del Libro, y que muy bien te verás obligado a regalar uno, o comprarlo para ti, ahí va una breve selección desde este rincón dedicado a la Música de Comunicación Cultural. Hay muchos más, que podrás encontrar en la sección de reseñas de libros de Dosdoce.com:
Poética musical, de Igor Stravinsky (Acantilado, 2006). El gran compositor ruso Igor Stravinsky (1882-1971) aborda en estas seis lecciones, dictadas en la Universidad de Harvard a finales de los años treinta, una reflexión profunda sobre el fenómeno musical. Habla del orden y la disciplina, como característica propia de lo musical: “El arte es constructivo por esencia. La revolución implica una ruptura de equilibrio. Quien dice revolución dice caos provisional. Y el arte es lo contrario del caos”. Habla del fenómeno musical como especulación sobre el sonido y el tiempo, del estilo, de la biografía de la música. Y por último, de los problemas que genera la propia interpretación musical. Poética musical permite dos lecturas: una más superficial, de un tirón, porque el libro tiene pocas páginas y está muy bien escrito, y otra mucha más reflexiva, donde podemos detenernos en esos momentos del texto donde el compositor es capaz de concentrar en una frase las tesis fundamentales de sus conferencias. Sin erudiciones innecesarias, con una sencillez que llega a asombrar. La edición de Acantilado se completa con una introducción del escritor y premio Nobel de Literatura de 1963, Iorgos Seferis, fechada en mayo de 1969. (Reseña en Dosdoce.com)
El canto de las sirenas, de Eugenio Trías (Galaxia Gutenberg, Círculo de Lectores, 2007). Uno de los grandes acontecimientos editoriales del año, en lo que se refiere a libros que hablan sobre música. En él, el filósofo EugenioTrías urde una “trama de reflexiones” sobre los grandes compositores de la música culta occidental, desde Claudio Monteverde hasta Iannis Xenakis. El propio autor reconoce en sus páginas que faltan algunos, pero que por razones de espacio ha decidido posponerlos para otra ocasión. No en vano el volumen editado sobrepasa las mil páginas. Así que a lo mejor este ensayo de ensayos verá una segunda parte donde encontraríamos a los Verdi, Liszt o Shostakóvich que no aparecen en éste.
La música como forma de conocimiento, como materia de reflexión para iluminar los rincones desconocidos del hombre. “La música —ya desde sus orígenes— ejerce una forma civilizadora, como lo testimonia el relato de Orfeo y su descenso a los infiernos”. Esta es la tesis fundamental, el hilo conductor que une cada reflexión a lo largo del libro, precisamente a partir de la figura de Monteverdi y su Orfeo, que abriría el camino a una nueva forma musical: la ópera. Por esta razón puede leerse en el orden que aparecen en el libro o bien fragmentariamente, ya que cada capítulo está dedicado a un compositor en particular, a una visión distinta de la música y, por ende, como nos recuerda Trías, del hombre.
Historia de la Música para niños, de Monika y Hans-Günter Heumann (Siruela, 2007). Traducido por el crítico español Luis Gago y con ilustraciones de Andreas Schürmann, este vibrante libro de Siruela es una entretenida historia de la música para niños. Utiliza la estructura de un cuento, donde sus protagonistas, Clara y Federico, viajan mágicamente por el tiempo para encontrarse con la música y sus protagonistas. Abarca desde la prehistoria hasta la música del siglo XX. Cada periodo por el que viajan está sintetizado en cuadros sinópticos, divertidas anécdotas de los músicos, y juegos de preguntas y respuestas, que lo convierten en un libro óptimo para ser utilizado también en el aula. El tamaño de la letra lo hace óptimo para niños a partir de los 8-10 años.
Miles Davis. La biografía definitiva, de Ian Carr (Rba bolsillo, 2007). “Fui a dar con una trompeta, estudié y toqué”. Así se abre esta extensa y completa biografía, casi un remedo del romano “vini, vidi, vinci”, que evoca la trascendencia de vidas como la de Miles Davis a través de una formulación escueta y desprovista de adjetivos. Aunque en este tipo de vidas el adjetivo es el propio verbo; la propia acción del personaje, lo que la inspiró e impulsó hasta ser visto con el paso de los años como el gran renovador del jazz moderno. El trompetista escocés Ian Carr abordó la empresa de contar la vida de Davis a principios de los ochenta a través de los testimonios del propio protagonista y de un amplio abanico de quienes rodearon y fueron testigos de sus actuaciones y del característico sonido de su trompeta. La edición que viene hasta nosotros fue revisada con posterioridad por el autor tras la muerte del músico. Está escrita cronológicamente y en su lectura se advierte las lógicas controversias que aportaban artistas de la talla de Davis; siempre en continua evolución, en la búsqueda de un nuevo concepto y un nuevo sonido. Les ha ocurrido a todos. Y en esa manía tan contemporánea por clasificar lo inclasificable se pretendían encasillar las notas que emitía la trompeta de Miles: que si es be-bop, que si no, que no es jazz, o sí… Hoy casi nadie discute su influencia en una visión caledoscópica del ramillete de sonidos que emergieron tras la década de los sesenta en lo que se vino a llamar música moderna. “Yo no relleno formularios”, le espetó a la recepcionista de aquel hospital días antes de morir. Renunció a las etiquetas hasta el día de su muerte. Hoy descansa en el cementerio del Bronx neoyorquino, muy cerca de Duke Ellington y de una de sus inseparables trompetas.
Feliz día del Libro.
Texto: Felipe Santos
Música, Libros, Stravinski, Trías, Niños, Davis, jazz
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lunes, 21 de abril de 2008
Nocilla Experience en concierto
El próximo miércoles 23 de abril, Día del Libro, Alfaguara y Radio 3 de RNE celebrarán la presentación de Nocilla Experience de Agustín Fernández Mallo con un concierto que retransmitirá en directo Radio 3. El autor icono de una nueva generación de escritores hablará de su personal manera de entender el mundo y el arte narrativo acompañado por las bandas de Sr Chinarro y La Costa Brava.
El concierto Nocilla Experience es una expresión más de su concepción de la literatura como un caleidoscopio que integra y absorbe lenguajes artísticos y referentes culturales de toda condición. Una fusión de todas las influencias que le inspiran: cine, música, ciencia, arte, televisión, Internet, poesía… El concierto tendrá lugar en La Casa Encendida (Ronda de Valencia 2), a las 20:30 horas, y forma parte del programa de actividades de La Noche de los Libros.
Nocilla Experience es la segunda novela del "Proyecto Nocilla", tras la sorprendente renovación que supuso Nocilla Dream (considerada por la crítica una de las mejores novelas escritas en castellano del año 2006 y 2007), y que tendrá su colofón con Nocilla Lab. Desde Nueva York a Rusia, de Saigón a Los Angeles, de Basora a Armenia, cada página de Nocilla Experience es una ráfaga de luz cargada de referencias, 112 paratextos convertidos en fragmentos novelísticos, capítulos ambientales, links y windows que conducen a nuevas realidades.
El concierto Nocilla Experiece supone una nueva forma de acercarse al público y a los lectores, una vía transversal de unir distintas disciplinas y distintos soportes gracias a la colaboración de Radio 3. Una innovadora fórmula de difundir un libro y, con él, de expresar una manera de entender y estar en el mundo.
Nocilla Experience, Fernández Mallo, Noche de los libros, Alfaguara
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domingo, 13 de abril de 2008
Una novena para un centenario
"Delante tenía ese papel. Se alzaba entre mí y un poder ilimitado, con un presupuesto para la orquesta, tantos conciertos y giras como quisiera. Dije: '¡Al diablo!'. Y firmé. Tenía una secretaria, una oficina. Era el paraíso a cambio de, quizás, dar un concierto para ellos de vez en cuando". Con aquella firma, quizá sin darse cuenta, Herbert von Karajan (1908-1989) incorporó a su biografía un hecho que condicionaría el juicio sobre su figura y toda su posterior e ingente obra. De alguna forma, siguió los pasos de Fausto en el drama de Goethe, con un Mefistófeles convertido en un régimen nazi que lo jaleó como una de sus grandes enseñas. El orondo Hermann Göring lo acogió como su director favorito, en gran parte para demostrarle así al presuntuoso de Goebbels que su inestable y taciturno Fürtwangler no era más que un director pasado de moda. La nueva Alemania necesitaba nuevos directores, después de la desbandada de los Kleiber, Walter y Klemperer. Karajan —así se lo confesaría años más tarde al biógrafo Roger Vaughan— no dudó en echarse a los brazos del enviado del maligno con el fin de hacer todo lo que envidiaría y desearía un director de orquesta que se hallaba en sus primeros años de trayectoria artística. En juego estaba su ingreso en la Ópera de Aquisgrán y un futuro en las mejores orquestas. “Dos almas ¡ay de mí!, imperan en mi pecho y cada una de la otra anhela desprenderse. Una, con apasionado amor que nunca se fatiga, como con garras de acero a lo terreno se aferra; la otra a trascender las nieblas terrestres aspira, buscando reinos afines y de más alta estirpe”.
Aquella decisión marcaría, para bien o para mal, toda su carrera como director. Un “sí, pero…” que ha llegado hasta nuestros días, cuando se celebra el centenario de su nacimiento. Partidarios y detractores han vuelto a salir a la arena para enjuiciar a quien fuera calificado por la crítica del Berlín nazi como “Das Wunder Karajan”. Lo paradógico es que, en realidad, a Hitler no le acabó de gustar nunca, sobre todo después de que se confundiera en una parte del Meistersinger wagneriano y le hiciera prometer a Winifred Wagner que aquel enjuto directorcillo no pondría sus pies en la sagrada Bayreuth mientras él viviera.
Con el fin de la guerra, Karajan comenzó a pagar parte del tributo por aquella firma. Fue desnazificado y se le prohibió dirigir en Alemania. Pero para entonces ya era el gran director que sin duda llegó a ser. Y ese hecho no pasó desapercibido para un Walter Legge que le ofreció viajar con él a Londres y poner en sus manos las huestes de la recién nacida Orquesta Philarmonia y comenzar a grabar el gran repertorio para la discográfica Emi. Bajo su batuta, la centuria londinense consiguió evolucionar hasta erigirse como una de las mejores orquestas del mundo. Mefistófeles le daba un respiro a Fausto, quien cada mañana debía hacer frente a unos atriles tras los que tocaban músicos que, no hacía demasiado tiempo, empuñaron fusiles para terminar con el régimen que lo encumbró. “Tú eres, al fin y al cabo…lo que eres. Ponte pelucas de millones de rizos; calza tus pies con coturnos de una vera de alto, y a pesar de todo, seguirás siendo siempre lo que eres.”
Lo que ocurrió después ya conocido. A la muerte de Fürtwangler en 1954, se hizo con el podio de la Orquesta Filarmónica de Berlín y desde allí reinó hasta su muerte en 1989 con casi mil grabaciones en su haber. Aquella relación estrecha y tormentosa a la vez con los músicos berlineses sólo se torció con la llegada de la clarinetista Sabine Meyer a la orquesta por exclusivo empeño del director. La formación no estaba preparada todavía —estamos en 1982— para admitir a la primera solista femenina de su larga historia y aquel frustrado intento marcó la distancia que le acercaría más en sus últimos años hasta la aristocrática Filarmónica de Viena, con quien se encontraba de forma habitual en el foso de Staatsoper y del Festival de Salzburgo. Afortunadamente, aquello cambió, sobre todo con quien heredaría el podio berlinés, Claudio Abbado, y hoy podemos ver a las mejores orquestas del mundo con generosas dotaciones de instrumentistas femeninas excelentes.
“¡Yo retroceder delante de ti, hijo del fuego! Yo soy Fausto, yo soy inmortal como tú…”. Casi no hay partitura conocida, si excluimos las escritas por la generación posterior a la Segunda Escuela de Viena, que no llevara al disco. Aquella obsesión le labró un considerable patrimonio y lo hizo omnipresente en las baldas de las tiendas de disco. Pero la contrapartida vino en forma de agotamiento progresivo, de saturación auditiva de parte del público que ya sólo veía en sus creaciones remedos efectistas de sus primeros registros. No había consenso. Así era Karajan, tan absoluto como su estilo de dirección: o lo amas o lo odias.
Para terciar o atizar aún más, quién sabe, la pugna entre filias y fobias, ha aparecido recientemente, gracias a EuroArts, una Novena de Beethoven en soporte DVD, grabada en directo en el concierto de la Nochevieja de 1977 en la Philarmonie en Berlín. El registro, dirigido por Humphrey Burton, nos acerca al maestro salzburgués en una de sus indiscutibles grandes noches. Somos testigos, durante setenta minutos, de su particular forma de construir el discurso sonoro, que llega a nuestros oídos contundente, nítido, bello, de gran intensidad dramática. De un primer movimiento que va in crescendo, apoyado en la poderosa cuerda berlinesa, jugando con los equilibrios y desequilibrios de la magistral partitura beethoveniana, pasamos al ostinato inicial del segundo, el control de las reverberaciones, hasta el lirismo y la delicadeza del eterno tercer movimiento. En el último, asistimos a la apoteosis coral de esta obra eterna, con un Van Dam pletórico en el fraseo y el conmovedor sonido que surge del empaste de estas cuatro voces excepcionales, que nos evoca la voz que ese otro coro místico que deja oír aquella frase del Fausto de Goethe: “Todo lo perecedero no es más que figura. Aquí lo Inaccesible se convierte en hecho; aquí se realiza lo Inefable. Lo eterno femenino nos atrae hacia lo alto”.
BEETHOVEN: Sinfonía num. 9 en re menor “Coral”. Anna Tomowa-Sintow (sop.), Agnes Baltsa (cont.), René Kollo (ten.), José Van Dam (baj.). Coro de la Deutsche Oper de Berlín. Orquesta Filarmónica de Berlín. Herbert von Barajan (dir.) Grabación en directo, 31.12.1977. 70 min. Subtítulos en español. EUROARTS – Unitel. Distribuido por Ferysa.
Texto: Felipe Santos
Karajan, Beethoven, Orquesta Filarmónica de Berlín, Orquesta Filarmónica de Viena, Sinfonía 9,
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viernes, 4 de abril de 2008
Un paseo accidentado
Hacía lo que se dice una buena tarde. El adelanto de la hora permitía que, antes de las ocho, el sol calentara la fachada del Teatro Real como suele hacerlo cuando el verano se aproxima. El clima también era propicio en el interior del recinto, donde se esperaba con expectación a la orquesta francesa Les Musiciens du Louvre, con su director Mark Minkowski al frente, y a la mezzo sueca Anne Sofie von Otter.
El itinerario que proponía el director francés hubo que modificarse un poco al principio, donde se nos anunció que nuestro paseo por las campiñas francesas de Auvernia se dejaba para el cierre de la primera parte y el comienzo de la segunda, y que los fragmentos orquestales de la Carmen de Bizet concluirían el concierto. La apertura, con la Sinfonía nº 2 de Saint-Saens, nos desvelaría las principales virtudes que aúna esta formación: un sonido nítido, carnoso y con cuerpo, procedente de instrumentos acordes con la época: flautas de madera, violines que habían recuperado la mentonera que aportara Spohr pero que mantenían sus cuerdas de tripa. La orquesta tocó con detalles de gran calidad en las dinámicas, como el diminuendo con que nos obsequió al cierre del segundo movimiento. La Odelette para flauta y orquesta es una obra menor que la anterior, que subraya el carácter grácil, sutil y a veces cartesiano del estilo de composición sinfónica del autor francés, donde hubo ocasión para el lucimiento de varios de los solistas de la orquesta.
Y en esto llegó uno de los momentos más esperados de la noche. Le tocaba el turno a las sugerentes Chants d’Auvergne, de Canteloube, interpretadas por la admirada Anne Sofie von Otter. Una verdadera excursión bucólica por los verdes prados y los horizontes montañosos de esta zona del Macizo Central francés, donde pastores y aldeanas entremezclan requiebros, divertimentos y nostalgias. Sin embargo, el paseo dejó de ser lo apacible que prometía. La voz de la mezzo sueca no tuvo una buena noche. Convaleciente, voz cansada o el efecto inexorable del paso del tiempo. Tan solo dejó asomar su clase deslumbrante en la deliciosa La delaïssádo (La abandonada), que devino en espejismo al irse apagando con cada canción. Ni el descanso sirvió para que los negros nubarrones que irrumpieron en nuestra partida de campo terminaran por desaparecer. “Ay! Souï delaissádo!/ Que n’aï pas vist lou mio galant;/ crésio que m’aïmábo,/ è ton l’aïme ieu! (¡Ay, me han abandonado!/ No veo a mi amor,/ !yo creí que me quería/ tanto como le quiero yo!)”.
Tras la fallida excursión, Minkowski se resolvió a arreglarlo con el Bizet que cerraba el concierto. Sonaron los primeros compases del Preludio de la ópera Carmen, y el sol volvió a brillar sobre los atriles de la orquesta francesa. El director abordó esa primera parte con un ímpetu que parecía en ocasiones algo descontrolado, como el pura sangre que inicia su primera carrera tras un largo periodo encerrado en el establo. La serenidad volvió con las siguientes partes que concluyeron con una coda final que nos devolvía a la diversión y mordiente mostradas al principio. Concluyó el concierto con dos bises, el adagietto y la farandole de L’Arlesienne, que resultaron a la postre dos joyitas que permitieron al público, que tosió con la intensidad acostumbrada, irse con un buen sabor de boca.
Les Musiciens du Louvre. Obras de Saint-Saëns, Canteloube y Bizet. Anne Sofie von Otter (mez.), Mark Minkowski (dir.). Teatro Real. 2.4.08.
Texto: Felipe Santos
Fotos: Muriel Vega y Mats Bäcker / DG
Teatro Real, Bizet, Saint-Saens, Minkowski, Von Otter, Les Musiciens du Louvre
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lunes, 31 de marzo de 2008
Von Otter y Minkowski, en el Teatro Real
El próximo miércoles 2 de abril, el Teatro Real se prepara para una de sus grandes noches. Sube a su escenario por primera vez la mezzo sueca Anne Sofie von Otter en compañía de un ya asiduo del coliseo madrileño, el director francés Mark Minkowski y su Les Musiciens du Louvre.
Poco cabe decir de los intérpretes, bien conocidos por el público melómano. Para los neófitos, diremos que este miércoles tienen una buena oportunidad de ver cantar a una de las mejores cantantes de su generación junto a una orquesta que cuenta ya con una dilatada experiencia de originalidad y renovación en sus propuestas artísticas. Juntos ya ofrecieron un concierto homenaje a Offenbach en el Chatelet parisino, que puede encontrarse en DVD y que constituye un auténtico monumento al buen gusto y a la excelencia en la interpretación.
La música fluye renovada de los instrumentos de estos profesores de Grenoble. “Corazón y cabeza son lo más importante de un instrumentista”, decía esta mañana de sus músicos Mark Minkowski, que anda siempre en busca de una experiencia sonora nueva, cimentada en el estudio concienzudo y en la lealtad al espíritu, más que en la fidelidad acrítica, de las partituras de los compositores que dirige.
El miércoles, Minkowski abordará música de dos siglos diferentes: el XIX y el XX, en una muestra de esa versatilidad que atesora esta formación, que se forjó su fama con el repertorio barroco (Rameau, Haendel). Esa noche podrán oírse obras de Camille Saint-Saens, con su Sinfonía nº 2 en La menor y la Odelette en Re mayor para flauta y orquesta; George Bizet, con el preludio y tres entreactos a su ópera Carmen (fragmentos incluidos en un reciente disco de su estrenada colaboración con el sello Naive) y los Chants d’Auvergne, compuestos en torno a 1920 por Joseph Canteloube y a los que prestará el singular registro de su voz esa artista excepcional que es Anne Sofie von Otter.
Texto: Felipe Santos
Von Otter, Minkowski, Bizet, Saint-Saens, Canteloube, Teatro Real
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miércoles, 23 de enero de 2008
Zemos98 - Regreso al futuro
Tomando el número 10 como centro del juego, ZEMOS98 propone 10 talleres de 10 temáticas diferentes y que estén formados por 10 participantes cada uno. Todos los talleres convivirán bajo el título de Encuentros Regreso al futuro y se desarrollarán en el centro de las artes de Sevilla (caS, en Torneo, 18).
Los talleres, que conforman la parte más importante de la programación de ZEMOS98 10a edición, son los siguientes:
1/ “Preferiría Hacerlo” (un taller de artes plásticas pensado para trabajar en colectivo) impartido por Federico Guzmán
2/ “Cartografías de la Escucha. Audiovisiones y Geocaching Sonoro en Sevilla” (un taller sobre antropología del sonido) impartido por Chiu Longina
3/ “Otros eclipses. Relaciones entre tiempo cinematográfico y tiempo” (un taller sobre la performance, el tiempo fílmico y la remezcla) impartido por Blanca Calvo
4/ “Mediabiografía y Narrativas insurgentes. Tecnologías de la memoria para un relato colectivo” (un taller sobre la memoria, el relato y la tecnología) impartido por Virginia Villaplana
5/ "Retromod the game" (un taller sobre videojuegos, pasado, presente y futuro) impartido por Flavio Escribano
6/ “Serialización e hipertextualidad: otra narrativa posible como proyecto sostenible en internet” (un taller que apoya la Sexta Declaración de La Selva Lacandona, sobre narrative media, autogestión y sostenibilidad en la red) impartido por Fran ilich
7/ “Ni rastro de carmín” (un taller sobre activismo, mitología y vanguardia) impartido por Ptqk (María Pérez)
8/ “GRAB & REMIX” (un taller sobre plagiarismo y cultura libre) impartido por David Casacuberta y Marco Bellonzi
9/ "Flamenco, acción y cintas MiniDV" (un taller sobre flamenco y videovigilancia) impartido por Santi Barber y Curro Aix
10/ "¿Alguien dijo contenidos?" (un taller sobre el compromiso narrativo y la importancia de los contenidos en internet) impartido por Joan Carles Martorell
Para más información: ZEMOS98
Zemos, Regreso al futuro
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viernes, 16 de noviembre de 2007
De oro mínimo
Levantó el telón de esta temporada el Teatro Real con una ópera de concepto eminentemente psicológico y simbólico, donde la escena sugiere más que muestra. No es una ópera fácil la de Modest Mussorgsky (1839-1881). Escrita sobre el drama de Pushkin, Boris Godunov fue compuesta en 1831, pero fue censurada hasta 1870. La versión que pudimos ver en el Real es una fusión de las de 1869 y 1872, revisada por Pavel Lamm en 1928, que conserva buena parte de la orquestación originaria, ésa que luego Rimski-Korsakov consideraría incompleta y pobre para acabar haciendo su propia revisión de la obra.
En Boris Godunov todo es demasiado premonitorio: el protagonista está abocado a la autodestrucción. Este presagio ominoso recorre toda la obra, todas las palabras que pronuncia el gran zar ruso. En una metáfora que aún todavía adquiere pleno sentido, lo tiene todo menos sosiego en su espíritu. En momentos en que nos recuerda al Ricardo III de Shakespeare o al desgarrado Felipe II de Verdi en Don Carlos, llega a decir: "En el esplendor de mi poder ilimitado he implorado el consuelo con lágrimas".
Klaus Michael Grüber, sobre una escenografía del pintor Eduardo Arroyo, plantea una escena netamente conceptual, minimalista en todas sus líneas. Suelos ajedrezados, tronos poliédricos. En el primer acto, nos presenta un gran muro de hormigón que simboliza a una monarquía, la zarista, que era invisible al pueblo. Entre turquesas y dorados, dos colores muy presentes en las cúpulas de las iglesias rusas, discurre la obra, con un zar bañado en oro, que recuerda a los iconos y a aquel rey Midas que convertía en oro todo lo que tocaba. En el apartado menos conseguido quedan aspectos como el vestuario del coro, que la obra pretende presentar en contraste con la corte, como si fueran pordioseros, pero que hoy día pasarían por un grupo cualquiera de turistas. También el cuadro del convento, que Grüber lo centra en un mini escenario de apenas dos metros cuadrados: se cuentan demasiadas cosas muy importantes para seguir bien la trama sin el apoyo de movimientos escénicos que adviertan al espectador de la relevancia de la historia que cuenta el viejo monje.
Samuel Ramey dibujó un Boris Godunov convincente, trabajado desde la experiencia que atesora el gran bajo norteamericano. Su voz, lógicamente, acusa el paso del tiempo, pero sigue teniendo gran parte de las facultades que le han hecho famoso. Muy bien el Varlaam de Vladimir Matorin y, particularmente, dejó una gran impresión Stephan Rügamer, con un Príncipe Chuiski al que prestó un timbre muy bello y personal. Excelente la dirección musical de Jesús López Cobos, que contó con una orquesta flexible en todas las partes de la partitura, en especial la sobrecogedora escena de la muerte final. El coro, al mando de Jordi Casas, cumplió con las expectativas.
Texto: Felipe Santos
Foto: Javier del Real
Teatro Real, Boris Godunov, Mussorgsky
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lunes, 1 de octubre de 2007
Ven a la marcha
En la tarde del próximo 12 de octubre Madrid se convertirá en la capital iberoamericana con la celebración de La Marcha, un encuentro musical que llenará de ritmos tropicales las calles del centro de Madrid.
La Marcha será un gran acontecimiento festivo, que por primera vez se celebra en España, y que conmemora esta fecha como patrimonio común de los pueblos iberoamericanos. Un espectáculo con cuatro grandes carrozas que transportarán los ritmos tropicales, la música urbana, la samba brasileña y los sones del Caribe por las calles más céntricas.
Grandes artistas del continente americano serán los encargados de poner la música desde las cuatro carrozas que recorrerán La Marcha: el colombiano CARLOS VIVES, los cubanos VAN VAN, los Niños de Candeal, colectivo formado por la escuela de música de Lactomia, fundada por Carlinhos Brown en Salvador de Bahía, y Sonido Urbano.
Todos ellos, más una amplia representación de músicas y danzas de muchos países iberoamericanos, gracias a la colaboración de sus respectivas Embajadas y asociaciones con sede en Madrid, harán bailar a las miles de personas que se congregarán en pleno corazón de la capital, en esta fiesta abierta a todos que reflejará el espíritu de integración de una urbe en la que ya residen medio millón de latinoamericanos.
La Marcha, Casa América, 12 de octubre
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jueves, 6 de septiembre de 2007
Pavarotti, in memoriam
Se nos ha ido el gran Luciano, sin duda una de las mejores voces del siglo XX ya extinto. Operado de cáncer de páncreas el año pasado, su salud se ha ido deteriorando a lo largo de los últimos meses, en los que apenas ha podido dar unas clases a unos cuantos alumnos y echar unas partidas de cartas con sus amigos de la infancia. Ha fallecido esta madrugada rodeado de su familia en su casa de Módena (Italia).
La experiencia de escuchar a Pavarotti siempre ha sido la de dejarse abrazar por su voz: amplia, nítida, con una cierta cavernosidad que envuelve nuestro sentido en un estremecedor conjunto. Hijo de un panadero amante de la ópera, debutó el 29 de abril de 1961 en el Teatro de Reggio Emilia con el papel de Rodolfo de la ópera La Boheme, de Puccini. Para el recuerdo queda este fragmento documental donde le vemos cantar con su padre (¡cómo cantaba su padre!) y en un instante de aquella noche histórica cantando la famosa aria Che gelida manina en compañía de su inseparable Mirella Freni.
Tras aquella representación comenzó una carrera que se ha extendido hasta los últimos años del siglo. En el camino quedan muchos hitos en la interpretación operística y, por suerte, nos han quedado muestras de su gran talento a través del disco, como el extraordinario registro que hizo junto a Mirella Freni y Herbert von Karajan de La Boheme de Puccini en 1972 (Decca). Si no lo tienen, háganse con él. No se arrepentirán. Hoy, junto a Alex Ross, de The New Yorker, le rendimos homenaje con una de sus actuaciones en la Scala de Milán junto a Ileana Cotrubas en 1979.
Obituarios de los críticos Anthony Tommasini en The New York Times y Andrew Clark en Financial Times.
Texto: Felipe Santos
Opera, Pavarotti, Boheme
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miércoles, 15 de agosto de 2007
Un Mahler incompleto en El Escorial
Escuchar una sinfonía como la Tercera de Mahler rodeado del paisaje único de San Lorenzo de El Escorial debería ser un acontecimiento único, un auténtico placer para los sentidos por su poder de evocación. Muchos de los que se sentaron el pasado 7 de agosto en las butacas del auditorio escurialense se mostraban dispuestos a contemplar la imagen sonora del estallido del verano, los colores de las flores del campo y el correteo de los animales del bosque tras haber matado la espera habiéndose dejado embriagar por la agradable canícula del paisaje que puede divisarse desde el balcón principal.
Los ingredientes jugaban a favor. Nada menos que el hiperactivo y sugerente director ruso Valery Gergiev, al frente de la Orquesta del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, del que es director general y artístico. Con este concierto se presentaba esta compañía operística en el Festival Lírico Internacional que organiza cada año el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, esta vez con sus nuevos gestores tras el concurso fallado el año pasado. La participación de esta formación rusa se completaría en días sucesivos con Tosca, de Puccini, Il Viaggio a Reims, de Rossini, y un nuevo concierto que clausuraría el festival con La consagración de la primavera en atriles, de Stravinski, entre otras obras.
Sin embargo, no fue ninguna noche especial, si dejamos aparte la interpretación del último movimiento. Todo, desde el comienzo, tenía un intenso aroma a algo improvisado, a un aquí-te-pillo-aquí-te-mato deslavazado, incompleto, algo cojo. Primero, la disposición de la orquesta en el minúsculo escenario que dejaba la producción operística que se iba a ver al día siguiente y que obligó a interpretar esta sinfonía con un telón de fondo, sin una concha escénica que diera forma al sonido, de desde el comienzo sonó plano y sin relieve. Luego, los excesivamente sobrios programas entregados por la organización, que quedaban huérfanos de una breve introducción a la obra, por no decir una traducción de las partes cantadas. Y durante la interpretación, el juego de luces que se trajeron los operarios de sala, que invitaba a imaginar una divertida discusión entre bastidores sobre qué luces deberían estar encendidas o apagadas. Por lo que se ve, la discusión debió durar hasta el último movimiento. Quizás sea la falta de costumbre.
Pero lo que pareció improvisado de principio a fin fue la propia interpretación de la sinfonía. Por lo menos en lo que se refiere a su sección de trompas y trompetas, que rivalizaron en ataques imprecisos durante toda la ejecución. Con estos mimbres, la sinfonía evolucionó incompleta, mutilada en su sentido musical por unas trompas destempladas y dubitativas, comportamiento se extendió hasta la trompeta que suena oculta en el proscenio durante el tercer movimiento. En el cuarto, la voz oscura y profunda de Zlata Bulycheva apenas lograba encaramarse por encima de unos metales que sonaban inusualmente altos. En el siguiente, el coro de mujeres y niños, colocados donde por donde podían, cantaron bien, aunque su retirada del estrado se hiciera con el movimiento todavía sin terminar y con los ruidos lógicos que no dejaron brillar el conjunto. Improvisación, una vez más.
Pero en esto llegó el sexto movimiento, aquél que Mahler tituló “lo que me cuenta el amor”, que en el fondo no es más que la búsqueda de las razones últimas, la que da orden y sentido a todas las cosas, reflejadas en cada uno de los movimientos anteriores. Cobró protagonismo la excepcional cuerda de la orquesta rusa, que surgió modelada por las manos de ese orfebre del sonido que es Valery Gergiev. Emergieron líneas melódicas muy sobrias, con esa claridad que concede la especial orquestación de las composiciones mahlerianas. Un verdadero monumento al equilibrio, con acentos, detalles, pausas, accelerandi y ritardandi plenos de expresión y colorido orquestal. Curiosamente, trompas y trompetas no la pifiaron al final, como contagiados por la excelencia de sus colegas, y la sinfonía se saldó con una salva muy generosa de aplausos. Alguno, en el delirio, llegó a gritar un bravo, obviando en su memoria la insatisfacción de los movimientos anteriores. Gergiev optó por levantar al trombón solista en un sinfonía apta para que los solistas de todas las secciones de metal reciban en persona la ovación del público. No era el caso esa noche. Junto a la mezzo, la trompeta oculta salió a saludar con cara de sorpresa. No era para menos. Otra vez será. Malas noches las tienen todos. Y buenas también. Afortunadamente.
Texto: Felipe Santos
Mahler, Gergiev, Mariinsky, El Escorial
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lunes, 14 de mayo de 2007
Yo, Farinelli, el capón
La figura del castrato y su importancia e influencia en el Barroco europeo son hechos poco conocidos y valorados en la cultura actual. Pero lo cierto es que no sólo ejercieron su poder sobre el mundo de la música como verdaderos personajes mediáticos que eran (algo así como nuestros mayores ídolos del pop o las más grandes estrellas de Hollywood), sino que tuvieron mucho que ver con el desarrollo de otras artes, con el conocimiento y difusión de otras culturas y otros idiomas (a través de sus viajes por las cortes más importantes de la Europa del XVIII) y su consecuente peso en la política de la época a través de las estrechas y personalísimas relaciones que mantuvieron con los reyes y las reinas de entonces.
De entre todos los castrati, Carlo Broschi, Farinelli (1705-1782) es considerado el más grande de todos los tiempos. Y pocos saben que, además de triunfar en Italia, Austria e Inglaterra, también lo hizo en España, donde permaneció durante 22 años. Fue Isabel de Farnesio, italiana como él, quien lo mandó traer a la corte como último recurso para intentar curar con su voz prodigiosa la depresión de su esposo, el rey Felipe V. Y así, Farinelli no sólo vivió en España durante este reinado, sino también durante el de Fernando VI, hasta que fue expulsado de la corte por Carlos III a causa del profundo odio por la música por parte del monarca y sobre todo obligado por una despechada Isabel de Farnesio que no perdonaría al castrato verse relegada a un segundo plano al acceder al trono Fernando VI.
Para ser un personaje tan importante no es mucha la información que existe sobre Farinelli. Quizá su carácter retraído, discreto, alejado de los escándalos y caprichos de otros divos de la época, hizo que se escribiese poco sobre él y, por tanto, que poco haya llegado hasta nosotros. En un intento de reconocimiento, Jesús Ruiz Mantilla ha querido con “Yo, Farinelli, el capón”(Editorial Aguilar) saldar en parte la deuda que España tenía con el músico y, a través de muchas lecturas, investigaciones y buceos en documentos históricos (en su mayor parte pertenecientes a los archivos de la ciudad de Madrid), nace esta obra donde se repasa la vida del artista.
Como el título indica, se trata de una novela narrada en primera persona por un imaginado Farinelli, con dos partes bien diferenciadas: la primera, Europa, donde nos cuenta desde sus primeros pasos en el mundo de la música, su castración, su evolución artística, el apoyo e influencia de su familia y sus maestros, sus primeros éxitos, sus primeros amores, y cómo Italia, Austria, Inglaterra, se ponían a sus pies. También su relación con los diferentes monarcas, con músicos y compositores, sus duelos con otros castrati, las conversaciones con su amigo Casanova, sus viajes, sus experiencias, sus inquietudes.
La segunda parte de la novela, España, recorre los 22 años de su estancia en nuestro país. Farinelli se encontraría a su llegada con una corte subdesarrollada a todos los niveles con respecto a las que él conocía, pero de la que pronto se enamoraría y donde llegaría a pasar los mejores años de su vida. Felipe V e Isabel de Farnesio, Fernando VI y Bárbara de Braganza, reinados donde Farinelli acumularía respeto, confidencias y riquezas, y donde dispondría de carta blanca para modernizar la España de la época a través de su conocimiento de otras cortes, trayendo a los mejores músicos y convirtiendo a España en el centro de la ópera europea, creando y organizando eventos artísticos y espectáculos para el pueblo,…
“Yo, Farinelli, el capón”, un estupendo retrato de la Europa y la España del siglo XVIII a través del relato de un hombre con una maravillosa voz de mujer que llevaría su arte por los más importantes escenarios pero que dejaría su corazón y lo mejor de sí entre nosotros, y su influencia en la posterior evolución de la música en nuestro país.
Jesús Ruiz Mantilla (Santander, 1965) es escritor y periodista. Ganador con Gordo del premio Sent Sovi de literatura gastronómica, es también autor de Los ojos no ven y Preludio. Actualmente es redactor y columnista del diario El País y colaborador del programa La ventana, de la Cadena Ser.
Texto: Ignacio Saldaña
Yo, Farinelli, el capón, Jesús Ruiz Mantilla
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lunes, 12 de marzo de 2007
LA MÚSICA Y EL III REICH
En 1933, con la llegada al poder de Adolf Hitler, se inicia una cruzada para intentar erradicar de las artes todo lo ajeno al alma germánica, introduciendo el elemento racial en la política cultural, que comportará también un movimiento de depuración dirigido contra la modernidad artística. El expresionismo, el dadaísmo, la Nueva Objetividad, la Bauhaus… todas las innovaciones estéticas contradecían el ideal de belleza propagado por el régimen nazi y eran consideradas corruptoras de la moral y la estética del pueblo alemán.
Se confiscaron de los museos más de 16.500 obras de arte moderno (algunas de las cuales fueron destruidas y otras vendidas), profesores y directores de museos fueron destituidos, muchos artistas fueron perseguidos y se organizaron exposiciones para ridiculizar el arte moderno… Este proceso culminó en el año 1937 con la gran exposición de Munich titulada “Arte degenerado” (Entartete Kunst), en que se presentaron obras de artistas como Kokoschka, entre otros.
Bajo el Tercer Reich, Wagner fue proclamado “fundador espiritual” de la Alemania nacionalsocialista y la política nazi encontró un modelo a seguir en las obras del maestro de Bayreuth. Estas fueron objeto de tendenciosas interpretaciones que pretendían justificar y legitimar las acciones del régimen.
Más allá de la pasión wagneriana de su líder, el III Reich presenta un panorama musical muy complejo, donde se entrecruzan las trayectorias, no siempre rectilíneas, de personalidades más o menos comprometidas con el régimen, las relecturas a veces conflictivas del pasado musical, las vacilaciones de la ideología oficial entre la ortodoxia y el pragmatismo, los episodios de represión y exilio protagonizados por tantos creadores de primera fila difamados, así como la presencia chocante de música en los campos de concentración y exterminio.
La exposición“La música y el III Reich. De Bayreuth a Terezin” quiere contribuir a la comprensión de esta complejidad a través de la revisión de los diferentes intentos del régimen por definir unos criterios e imponer una música en sintonía con el ideal nacionalsocialista.
LA MÚSICA Y EL III REICH: De Bayreuth a Terezin
Sala de exposiciones de la Fundació Caixa Catalunya
La Pedrera. Passeig de Gràcia, 92. Barcelona.
Del 27 de febrero al 27 de mayo de 2007
LA MÚSICA Y EL III REICH, Caixa Catalunya, Arte, Música, Barcelona
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jueves, 8 de marzo de 2007
Festival Internacional de Música Avanzada en León
Tras la buena acogida del FIMA en 2006, el MUSAC vuelve a poner en marcha el Festival Internacional de Música Avanzada, demostrando una vez más su interés en difundir y participar en multitud de manifestaciones artísticas contemporáneas que se generan en formatos de muy diversa índole.
Este viernes 9 contarán con las actuaciones de Matthew Herbert, Motor (Live), John Tejada (Live), Digital 21 y Fernanda Díaz. El sábado 10 estará protagonizado por FRONT 242, AUDIO BULLYS, Black Strobe, FANGORIA y Terence Fixmer & McCarthy.
FIMA, Música Avanzada, MUSAC, León
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miércoles, 28 de febrero de 2007
Ridi, pagliaccio
Nada más aparecer en escena, se barruntaba que algo único estaba a punto de ocurrir. Cuando la voz ancha y cavernosa de Vladimir Galouzine atacó los primeros compases de su Canio, el papel que representa en el Pagliacci de Ruggiero Leoncavallo, un sentimiento de excepcionalidad recorrió el patio de butacas. Estábamos en la segunda parte de lo qe iba a ser, sin ninguna duda, una extraordinaria noche de ópera.
Antes, en la primera parte, tuvimos el placer de disftrutar de la voz de Violeta Urmana en su papel de Santuzza, en Cavalleria Rusticana. Voz de un registro medio amplio, que atacó sin miramientos y con suficiencia los agudos de la partitura de Pietro Mascagni. Vicenzo La Scola alcanzó un notable nivel como Turiddu, y Marco Di Felice cantó muy bien su Alfio. Jesús López Cobos, al mando de la orquesta y el coro, puso los acentos dramáticos que necesitaba la obra, y nos brindó un escalofriante intermezzo, pleno de intensidad y color orquestal.
La ocasión era perfecta. Dos títulos conocidos para el gran público. Dos óperas veristas que ofrecen enormes dificultades, pese a que su música ofrezca una impresión un tanto simple, buscando el efecto fácil. Sin embargo, la fuerza y el libreto son de un enorme dramatismo que obliga a sus cantantes a darlo todo encima del escenario. Teatral y musicalmente. No fue menos con esta propuesta escénica de Giancarlo del Mónaco, que decidió dedicar estas funciones a la memoria de su padre, el tenor Mario del Mónaco.
El director de escena planteó una Cavalleria un tanto estática, situando la acción en una cantera de mármol sobre cuya blancura contrastaba con la negrura de los ropajes de los actores. La atmósfera recordaba un tanto a Strómboli, de Roberto Rossellini; una tensión opresiva en el marco de una jornada festiva, como es el Domingo de Pascua. Sin embargo, Del Mónaco renunció a este contraste y decidió introducir una procesión más propia del Viernes Santo, aumentando así el presagio de tragedia que planea sobre toda la obra.
En Pagliacci dominan la escena tres enormes murales con la imagen del célebre baño de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi en la película de Federico Fellini, La dolce vita. Una guiño cinematográfico que puede buscar un cierto paralelismo con el personaje de Nedda, mujer de Canio, cuyos encantos son correspondidos por un campesino y despiertan el irrefrenable deseo de Tonio y los celos de su marido. Del Mónaco plantea con gran solvencia la comedia que ha de representar dentro de la ópera, con detalles luminotécnicos y de color que impulsan la trama. Pasamos de la realidad sombría y sórdida de los payasos cuando son meros mortales al colorido y alegría propios de una comedia, justo cuando ellos dejan de ser personas para ser sólo payasos.
Por eso Canio canta en su Vesti la giubba una frase desgarradora; la desoladora paradoja del payaso: La gente paga e rider vuole qua / e se Arlecchin t'invola Colombina, / ridi, Pagliaccio, e ognun applaudirà! (La gente paga y quiere reírse aquí / y, si Arlequín te levanta a Colombina, / ¡ríe, Payaso, y todos aplaudirán!). En ese momento culminante, uno de los más conocidos para el público, Vladimir Galouzine no defraudó. Cantó con enorme sentido dramático un aria realmente difícil para los cantantes de su cuerda. A partir de aquel momento, la representación fue todavía a más y concluyó con un gran éxito.
En buena medida contribuyó a ello la soprano navarra María Bayo. Su papel merece una mención aparte. Lo cantaba por primera vez, en lo que suponía su estreno en el repertorio verista. Calidad vocal no le faltaba, pero ¿iba a poder cristalizar la Nedda que la partitura y la regia de Del Mónaco le pedían? A fe de que lo consiguió. Cantó muy bien el aria de los pájaros y se convirtió en una consumada actriz en la comedia que interpretan los payasos. El resultado escondía el titánico esfuerzo que supone para los intérpretes defender sus personajes. Solo ellos conocen la dificultad de ese camino. Por todo ello, María Bayo estuvo sobresaliente. Buscó y encontró. Y si algo es la ópera, precisamente, es eso: una singular e inefable búsqueda.
Texto: Felipe Santos
Fotos: Javier del Real
Teatro Real, Opera, Cavalleria Rusticana, Pagliacci, Galouzine, Bayo
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lunes, 1 de enero de 2007
La sobriedad optimista
Hay algo en los Conciertos de Año Nuevo que, por mucho que repitan año tras año un repertorio casi idéntico, los hacen tan nuevos como los años que inauguran. Por mucho que oigamos piezas como Moulinet-Polka, Künsterleben, la entrada fallida del Danubio Azul, con el consiguiente Prosit Neujahr! de la orquesta, y las palmas finales acompañando la Marcha Radezty, siempre hay algo que despierta nuestra atención.
En principio, los valses y polkas de la familia Strauss son un tipo de música que, de forma apresurada, podríamos catalogar como easy listening, música ligera de fácil consumo. Sin embargo, maestros como Zubin Mehta, el encargado de comandar la centuria vienesa este año, nos obligan a aguzar el oído y escuchar atentamente cada una de las piezas. Él mismo, cuando estudiaba en la Academia de Música de Viena, acudía cada año a los ensayos de este concierto, y "la música de los Strauss me cautivó desde entonces (...) no es música ligera, ni meramente jovial. Tampoco es una tragedia, pero uno debe interpretarla con seriedad y con una visión optimista y positiva" (Entrevista en El País, 31.12.06).
Y eso es lo que ocurrió en la Goldensaal de la Musikverein de Viena. La dirección del maestro hindú y el talento descomunal que atesoran los profesores de la Filarmónica vienesa nos regalaron un concierto muy notable, con unos ralentandi nada forzados y llenos de sentido musical. Destacaron especialmente las interpretaciones de Dynamiden, de Josef Strauss, donde los melómanos a buen seguro adviritieron varios compases que Richard Strauss tomaría prestados para los valses del barón Ochs en Der Rosenkavalier; el estreno de una pieza del más joven de los Strauss, Eduard, que lleva por título Sin freno; la sensual y bucólica Donde los limoneros florecen, de Josef Strauss; y la divertida, aunque el nombre así no lo indique, Elogio de la seriedad, de Johan Strauss, padre. En esta última, la más celebrada si cabe por el auditorio que presenciaba el concierto, profesores y maestro compusieron un cuadro en el combinaron el virtuosismo interpretativo de la orquesta con el optimismo y la jovialidad que brindaba la ocasión.
Antes, en el descanso del concierto, quienes seguían la retransmisión por televisión, pudieron contemplar un bello documental ambientado en el Parque Nacional, con excelentes interpretaciones de instrumentos de metal a cargo de Vienna Horns y The art of brass. Especialmente memorable fue su ejecución del Scherzo de la 3ª sinfonía de Anton Bruckner. Desde luego, fue de lo mejorcito de la mañana.
En las propinas, Mehta quiso conmemorar el centenario de Josef Helmesberger con otra pieza suya, además de Danzas de los elfos, interpretada al comienzo del concierto. En su felicitación, el maestro hindú dio la bienvenida a Bulgaria y Rumanía a la Unión Europea, justo antes de abordar el Danubio Azul, río que también cruza estos dos países. En la retransmisión, pudimos ver bailar este archiconocido vals a la española Lucía Lacarra, pima ballerina del ballet de la Ópera de Munich. Al final, como de costumbre, la Marcha Radeztky, esta vez con combinación estereofónica de las palmas, que hizo las delicias del público.
Y así, hasta el año que viene. Es difícil no concluir este concierto con una sonrisa en la boca y con la sensación de haber asistido a un concierto de una enorme calidad, musicalmente hablando. Quizá por ello, es el más visto de todo el mundo, en una especie de ritual del optimismo, de cara al nuevo año que comienza. Eso era precisamente lo que se buscaba cuando se institucionalizó este concierto, allá por 1939.
Texto: Felipe Santos
Foto: AP
Concierto Año Nuevo, Viena, Zubin Mehta
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viernes, 29 de diciembre de 2006
El Met se va al cine
Mañana es el día. La sesión matinal de Die Zauberflöte, de Mozart, que se representa estos días en el Metropolitan Opera House de Nueva York, se podrá ver, en alta definición y en transimisión vía satélite, en salas de cine de 6 países: Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Noruega, Dinamarca y Japón. ¿No está España? No, no está España. ¿Y por qué?
Este acontecimiento no es sino otra nuestra más de la miopía de nuestros programadores musicales y culturales. Somos la envidia de Europa por la cantidad y calidad de nuestros auditorios: los más nuevos, los mejores. Cada parroquia grande tiene el suyo. Y debe ser un motivo de orgullo. Pero tras los fastos de la inauguración viene el encefalograma plano. Unas veces por dinero y otras, por la falta de compromiso e imaginación de los gestores de turno, normalmente políticos. Ahí está el maravilloso Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, muerto de risa, y tantos otros, en los que la música se ha dejado a un lado y el que era auditorio se ha convertido en lugar para congresos, banquetes y saraos, que, dicen, dan más dinero.
Sin embargo, a nadie se le ha ocurrido explorar la posibilidad de hacerse con la tecnología para que espectáculos como el que ofrece el Met, puedan verse también en cualquier rincón de España. ¿Que la tecnología es cara? En el país del pelotazo inmobiliario y con el mayor número de billetes de 500 euros en circulación, decir esto suena a sarcasmo, pero seamos serios: creo que puede ser accesible con una buena política de patrocinio.
Retransmisiones como las que va a realizar el Met son la mejor forma de ver lo que hacen otros teatros y, también, de mostrar lo que hacemos en España. Por eso es una tecnología nada desdeñable para teatros que aspiran a ser un referente en la producción operística internacional. Otro tanto podríamos hablar de los conciertos. Así que, a ver si hay suerte, y a alguien se le ocurre contactar con el Met, meterse en el circuito y ofrecer un producto que, no tengo ninguna duda, tiene demanda. No es igual que ir al teatro, pero tiene más calidad que verlo en el DVD de casa.
El Teatro Real tiene esta tecnología y la ha utilizado para reponer algunas de sus producciones, como La Traviata o La Boheme. El problema puede ser de fechas, pero ¿por qué no hermanarse con el Met, poder ver sus producciones aquí y que vean las nuestras allá?
Hasta seis títulos tiene previsto transmitir en directo el Met, en horario matinal, para que el cambio horario permita su recepción en Europa y Asia. Después de la que se emite mañana, se podrán ver I Puritani, con Anna Netrebko; El primer emperador, la nueva ópera del compositor chino Tan Dun, con Plácido Domingo y dirección de escena de Zhang Yimou; Eugene Oneguin, con Reneé Fleming y Dmitri Hvorostovsky; Il Barbiere di Siviglia, con Juan Diego Flórez; e Il Trittico, con dirección de escena de un asiduo de Broadway, Jack O'Brien.
Doce cámaras estarán pendientes de las evoluciones de los personajes en el teatro, que llegarán por satélite en formato alta definitición y sonido digital a todas las salas. Las entradas cuestan algo más que el cine convencional y menos que una entrada a la ópera: 15 dólares (unos 12 euros al cambio) en Estados Unidos y 12 libras (unos 18 euros) en el Reino Unido. Ojalá pronto podamos verlas por aquí.
Texto: Felipe Santos
Metropolitan, Nueva York, Opera
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jueves, 14 de diciembre de 2006
Todo Mozart ... a un "click"
Cuando el aniversario mozartiano ya va expirando, la Fundación Internacional Mozart se ha guardado una sorpresa de última hora. Desde ayer ya se puede acceder a todas las partituras de la gigantesca y fecunda obra del salzburgués a través de internet: NMA Online.
El proyecto ha sido abordado por la Fundación Internacional Mozart y el Packard Humanities Institute, para el que han recabado los derechos de la edición impresa a Bärenreiter-Verlag. La Neue Mozart Ausgabe Online contiene la totalidad de la obra mozartiana, tal y como ha ido compilándose por distintos musicólogos a lo largo de los últimos cincuenta años. 24.000 páginas de música, complementadas con 8.000 de comentarios críticos sobre el estado de las fuentes y las variaciones encontradas. En las primeras doce horas se registraron 400.000 visitas, lo que generó problemas al servidor para poder atender tanta demanda.
La iniciativa no acaba aquí, porque sus reponsables pretenden ampliar esta base de datos con nuevos elementos, como por ejemplo las propias cartas del compositor, previstas para el próximo verano. Con todo ello, tendremos una verdadera enciclopedia on-line sobre Mozart y su obra, que hará las delicias de músicos y aficionados de todo el mundo.
El director de orquesta Carlo Maria Giulini, en su última visita a España antes de su fallecimiento, comentaba a un grupo de periodistas que, con los achaques y las limitaciones físicas que le imponían su edad y sus dolencias, apenas tenía fuerza para ir a conciertos o para interpretar nada. Tan sólo, confesaba, leía música, mucha música; ésa que le acompañó hasta sus últimas horas resonando entre los recovecos de su memoria.
Tener a disposición toda la obra de Mozart en internet supone una suerte definitiva para quienes saben de verdad leer música, como el viejo maestro Giulini. una dimensión completamente distinta a escucharla en un disco o en un concierto. Ni mejor ni peor, distinta. La que obliga al que lee a componer la obra en su mente, en sus recuerdos sonoros y hacer suya la obra maestra de un compositor genial. Por eso debería ser obligatorio en nuestro sistema educativo que todo el mundo, al menos, supiera leer una partitura. Noticias como esta nos llenarían doblemente de alegría.
Texto: Felipe Santos
Foto: Thomas Lidy, Rudolf Mayer (Vienna University of Technology)
Mozart, Internet
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lunes, 30 de octubre de 2006
Nuevos gestores para el Auditorio de El Escorial
Lo publicaba El País la semana pasada. El concurso convocado por la Comunidad de Madrid para la gestión del Auditorio de El Escorial se encuentra prácticamente resuelto. Muchos rumores habían circulado sobre la identidad de los nuevos gestores, pero la información firmada por Jesús Ruiz Mantilla nos desvela que los destinos del espacio escénico escurialense estarán a cargo de una especie de UTE compuesta por Cornejo, bien conocido en ámbitos teatrales por sus figurines y diseños de producción; Cantoblanco, el popular restaurador "Arturo"; Gerardo Díaz Ferrán, presidente de la CEIM, y la promotora de conciertos Ibercámera. Su principal rival en la adjudicación, el empresario teatral y productor audiovisual José Luis Moreno, ha sido descartado por "defectos de forma" en la presentación de la propuesta.
Parece ser que la presentación de el nuevo "equipo" se realizará en las próximas semanas. Será entonces cuando podamos evaluar el alcance de la propuesta presentada. El listón estaba puesto muy alto. El Festival realizado en el verano atrajo a figuras internacionales de primera fila y resultó ser una presentación que acreditaba una ambiciosa declaración de intenciones. Sin embargo, de todos los integrantes de la nueva gestión, tan sólo Ibercámera tiene una experiencia y conocimiento en la programación musical.
El gran reto del Auditorio de El Escorial es encontrar su hueco dentro de la abundante oferta musical de la ciudad de Madrid. Una oportunidad la puede constituir la renovación del equipo gestor del Auditorio Nacional, que presentaba desde hacía tiempo índices de sobreocupación preocupantes, sobre todo para alojar los ensayos necesarios de las orquestas e intérpretes que actuaban.
Encontrar una seña de identidad propia a la hora de programar constituye el gran desafío de los espacios culturales de hoy día. Dentro de unos meses ocurrirá lo mismo con el Teatro del Canal: una joya arquitectónica abordada por Navarro Baldeweg en pleno centro de Madrid. La Comunidad quiere optar también por la vía del concurso para encomendar su gestión. Bien haría alguien en el gobierno regional sobre cómo van a controlar que los contenidos de ambos espacios se encuentren dentro de unos estándares que estén a la altura del dinero invertido por los contribuyentes en su construcción y del lugar en el mundo que queremos que Madrid ocupe. Desde luego, algunas ideas previas vendrían muy bien a los futuros nuevos gestores.
Texto: Felipe Santos
Auditorio de El Escorial, Madrid
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sábado, 28 de octubre de 2006
Vanexxa
El programa ENTIENDAS O NO ENTIENDAS se emite en RNE 5 la noche de los sábados, entre las 00'15 y la 1 de la madrugada. Este programa, que ya va por su tercera edición, está dirigido y presentado por Leopoldo Alas.
“Entiendas o no entiendas” es el primer programa radiofónico de la emisora pública que aborda la cultura gay desde una perspectiva inédita: no sólo se dirige a un público específico de gays y lesbianas, sino que busca llegar a una audiencia mayoritaria.
Este fin de semana entrevistarán a Vanexxa, que se encuentra en plena campaña de lanzamiento de su nuevo disco “Se rompe o se raja” (Subterfuge Records).
Si no conoces a esta artista puedes ver y escuchar el video de la canción “La desheredada”. Las dos XX de su nombre nos indican que algo inquietante y misterioso está detrás de Vanexxa. Sólo para adultos. Pero no porque su estilo o sus letras tengan carga sexual, sino porque las emociones que sus canciones despiertan te pueden llegar a hacer sangrar. Letras de desamor, de reivindicación del perdedor en una relación amorosa, del que se rebela dentro de su desgracia , del que toca fondo, de relaciones complicadas, de ambigüedad sexual .... Melodías contenidas llenas de fuerza nostálgica.
Vanexxa, Entiendas o no entiendas, RNE 5
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viernes, 27 de octubre de 2006
Una Ariadne auf Naxos de altura
La temporada de ópera del Teatro Real ha tenido un buen comienzo. Aunque sorprenda el hecho de que el coliseo elija esta obra de Richard Strauss para abrir su programación, lo cierto es que la producción ha alcanzado un nivel muy notable. Era una apuesta arriesgada.
Lo mejor ha sido sin duda el aspecto vocal y musical. Extraordinarias Diana Damrau (Zerbinetta), Joyce DiDonato (El compositor) y Anne Schwanewilms (Primadonna-Ariadne). La primera (en la foto) viene de triunfar en Salzburgo este verano como la Reina de la Noche en la producción de Die Zauberflöte, dirigida por Muti. Cantante de carácter, dotada de una extraordinaria capacidad teatral y una voz arrolladora, se ha metido al público madrileño en el bolsillo con un papel de gran dificultad. Esperemos de nuevo verla por aquí. Seguro que los responsables del estupendo Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela ya la tienen en su agenda.
Joyce DiDonato, que ya cantó en este mismo teatro La Cenerentola, de Rossini, protagonizó una excelente primera parte y Anne Schwanewilms estuvo convincente en su Ariadne. El nivel vocal se complementó con un buen trabajo de la orquesta, muy atenta a los detalles, como acostumbra Jesús López Cobos.
La dirección de escena de Christof Loy, procedente de una producción del Covent Garden de 2002, fue lo más desigual. Se entendía bien lo que quería conseguir. Una muy teatral y conseguida primera parte, con un escenario dividido en dos que simultaneaba la acción. Y una segunda parte destinada a trasladar un Naxos sombrío, situado en una habitación de hotel vacía con unas cuantas velas por toda iluminación. En el centro, Ariadne y su soledad. El problema llegó con los visitantes. Personajes de la mitología fueron sustituidos por un punki, un motero y un yuppie. Quizá aquí la traducción contemporánea de Loy del mito de Ariadna no siguió la lógica que nos presentaba. Al final, las notas escalofriantes de Zerbinetta y el buen hacer de los cantantes y la orquesta aupó la función hasta un éxito notable.
Texto: Felipe Santos
Ariadne auf Naxos, Richard Strauss, Teatro Real, Diana Damrau, Joyce DiDonato, Anne Schwanewilms
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viernes, 6 de octubre de 2006
La orquesta del Palau de Valencia se estrena
Ya está. Por fin vamos a ver cómo suena esta nueva orquesta, después de tantos rumores y comentarios entre bambalinas sobre su calidad. Será el próximo domingo, 8 de octubre, con motivo del concierto en honor del Día de la Comunidad Valenciana, y a su frente estará el director Zubin Mehta.
La selección de los músicos y sus primeros pasos han estado al cargo del otro pilar fundamental del proyecto artístico del Palau, el director de orquesta Lorin Maazel, lo que en principio se revela como una garantía. Pero en la música y su interpretación convergen multitud de factores y matices que convierten el estreno de cualquier orquesta en un acontecimiento. Es como descorchar un vino largamente cuidado, desde su selección hasta su conservación, y probar su contenido con una mezcla de emoción y curiosidad.
La nueva orquesta también estrena denominación, puesto que ha pasado a denominarse, desde mediados de septiembre, Orquesta de la Comunitat Valenciana. Los responsables del gobierno autonómico no han sido ajenos a los comentarios sobre las posibilidades de la orquesta y han preferido que, por si acaso, la formación musical lleve el nombre de la comunidad que ha hecho posible su creación.
La creación de esta nueva orquesta no ha estado exenta de críticas, ya que la ciudad cuenta con la Orquesta de Valencia, que ya lleva un rodaje y que los que así opinaban veían que no tenía sentido que el Palau de les Arts tuviera su propia orquesta. Lo cierto es que la Orquesta de Valencia tiene una temporada muy consolidada, una de las mejores de toda la oferta nacional. Es una orquesta eminentemente sinfónica, con un repertorio muy trabajado y exigente. Conferirle la responsabilidad del foso del Palau habría limitado las posibilidades de programación del nuevo coliseo.
La convivencia de varias orquestas en la misma ciudad no debe ser un problema. No lo es en otras ciudades europeas. Cada una tiene su repertorio y su proyecto artístico. Lo cual no quiere decir que una no sepa hacer bien lo que hace la otra. La Orquesta de la Comunitat ha programado conciertos sinfónicos y la Orquesta de Valencia ha incluido fragmentos operísticos en su programación. Esta última abordará el 16 de febrero de 2007, por ejemplo, el arriesgado e impresionante acto II de Tristán e Isolda, nada menos que con Waltraud Meier, y con dirección de su titular, Yaron Traub. Atentos a este director, que en su primera temporada ya se ha ganado a los aficionados de la capital del Turia. Será sin duda uno de los momentos de mayor expectación y las comparaciones no se van a poder evitar.
Los responsables se han puesto la venda antes que la herida y, así, para evitar malentendidos, tocarán las dos orquestas en el concierto del Dïa de la Comunidad Valenciana. Abrirá el concierto la "toricantana", con obras de Martín y Soler (obertura de L'Isola del piacere) y Rimski-Kórsakov (Capricho español). Después le cederá el escenario a la Orquesta de Valencia y a su director, Yaron Traub, para interpretar un estreno absoluto de Andrés Valero (Rapsodia sobre temes valencians) y la suite El pájaro de fuego de Igor Stravinski. La segunda parte, el escenario agrupará a ambas orquestas (158 músicos en total) para abordar juntos la Sinfonía Fantastica de Hector Berlioz, al mando de Zubin Mehta. Una orquesta monumental para una partitura monumental, que será el colofón a una jornada, esperemos, de excelente música.
Texto: Felipe Santos
Palau Arts, Valencia, Zubin Mehta, Yaron Traub
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martes, 3 de octubre de 2006
Experimentaclub
A partir de mañana y hasta el 8 de octubre, Madrid acoge la sexta edición de Experimentaclub, el festival que cada año presenta en La Casa Encendida a los artistas internacionales más relevantes en el campo de la música experimental. Una cita consolidada año tras año hasta convertirse en referencia obligada, no sólo a nivel nacional sino también internacional, del panorama de las músicas transgresoras, definitivamente marcadas por el riesgo y el inconformismo.
De este modo Experimentaclub, incidiendo en su carácter ecléctico y libre, en su idea de promover un punto de encuentro entre artistas, público y medios, marcado siempre por la capacidad para la sorpresa, recorre en la programación de este año los caminos menos transitados y más extremos de la electrónica, el ruidismo, la improvisación, el minimalismo, el pop no convencional...; creaciones y artistas al filo en la búsqueda de otros códigos sonoros y visuales.
Además de los Dj’s y Vj’s que cada día llenarán el Patio de La Casa Encendida de sonidos e imágenes nada convencionales, entre los que destacan William Bennett (Whitehouse) o los portugueses Tra$h Converters (responsables del sello Variz), Experimentaclub'06 vuelve en esta edición a abrir la puerta al intercambio de ideas y opiniones entre artistas, periodistas y público con “Ideas – charlas sobre alternativas musicales” y consolida el Festival Minúsculo, ya presentado en 2005, como una de las propuestas más destacables de la programación de Experimentaclub, incorporando en 2006 a este espacio dedicado a los pequeños formatos, la utilización del vídeo como un elemento más a partir del cuál la improvisación sonora y la intimidad compartida entre músico y público se convierten en elementos protagonistas
Experimentaclub, madrid, Casa Encendida
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viernes, 15 de septiembre de 2006
Le Nozze di Figaro de Salzburgo, en Radio Clásica
Terminó el Festival de Salzburgo y, para los que no pudieron/pudimos estar allí, nuestra Radio Clásica ha decidido acercarnos los títulos fundamentales de esta edición en su programa de la tarde-noche de los sábados El fantasma de la ópera. Están de enhorabuena los amantes de la ópera y la música en general que quieran descubrir por si mismos las excelencias vocales y musicales que se pudieron disfrutar este verano en la ciudad del Salzach.
La dirección del festival afrontaba un gran reto: programar las 22 óperas de Mozart en el aniversario de su nacimiento. Propuestas de nuevo cuño, reposiciones y adaptaciones han convertido esta edición en un verdadero maratón, además de otras propuestas, igualmente interesantes, como el estreno mundial de la nueva ópera de Hans Werner Henze Gogo No Eiko.
Mañana sábado, a partir de las 19.30 horas, Radio Clásica emite en diferido Le nozze di Figaro, con un reparto de auténtico lujo: Ildebrando D'Arcangelo (Fígaro), Anna Netrebko (Susanna), Dorothea Röschmann (Condesa Almaviva), Bo Skovhus (Conde Almaviva), Marie McLaughlin (Marcellina), Christine Schäfer (Cherubino) y Franz Joseph Selig (Bartolo). Y al frente del Coro de la Asociación de Conciertos de la Staatsoper de Viena y de la Orquesta Filarmónica de Viena, el maestro berlinés Nikolaus Harnoncourt. La crítica internacional destacó el nivel vocal y musical que alcanzó esta producción al mando de este director tan personalísimo, con Schäfer (en la foto, tendida, junto a Anna Netrebko), Skovhus y Röschmann como los cantantes más aplaudidos (El País, The Guardian).
Desde este blog, les iremos avisando de las futuras reposiciones, que seguirán en octubre. Por delante esperan las aclamadas La Clemenza di Tito, Idomeneo y Mitridate, Re di Ponto, además de otros títulos más conocidos y rarezas del compositor salzburgués. Un auténtico esfuerzo en el festival mozartiano por antonomasia, y un acierto enorme el de nuestra Radio Clásica, al acercarnos lo que ha constituido uno de los hitos musicales del año. Felicidades.
Texto: Felipe Santos
Foto: Monika Rittershaus
Salzburg, Mozart, Radio Clásica
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lunes, 7 de agosto de 2006
Piano a cuatro manos
El próximo miércoles 9 de agosto, y dentro de la programación cultural de los Cursos de Verano 2006 de la Universidad Complutense de Madrid, tendrá lugar un Concierto de Piano a cuatro manos a cargo de Julia Díaz Yanes e Iñaki Saldaña. Ambos, profesores del Conservatorio de Madrid, interpretarán a Mozart (Sonata para piano a cuatro manos KV 521), Gershwin (Tres preludios), Debussy (Petite Suite) y Ravel (Bolero).
El concierto se celebrará a las 23 horas en la Sala Príncipe de Asturias del Euroforum Felipe II de San Lorenzo de El Escorial.
Piano cuatro manos, El Escorial, Cursos de Verano, Saldaña, Díaz Yanes
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sábado, 5 de agosto de 2006
Adiós a Elisabeth Schwarzkopf
Llevaba tres años viviendo en Schruns, en plenos alpes suizos. Allí celebró su último cumpleaños el pasado 9 de diciembre y allí falleció en las primeras horas del pasado jueves, 3 de agosto. La casualidad, posiblemente, ha hecho que Elisabeth Schwarzkopf cumpliera noventa años a las puertas del aniversario, uno más, del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart, y que lo hiciera, además, rodeada del paisaje alpino y nevado que también acompañó en sus últimos días a Richard Strauss en su casa de Garmisch (Alemania). Ambos han sido, sin duda, los compositores más importantes de su carrera como cantante.
Nacida en Jarocin, hoy en territorio polaco, pero que entonces formaba parte de Alemania, estudió en Berlín y Leicester. Inició su trayectoria profesional en la Staatsoper de Berlín para luego cantar en la Staatsoper de Viena, la Royal Opera House de Londres y La Scala de Milán. En la capital alemana pasó la época de la guerra. El fantasma del nazismo también persiguió a la Schwarzkopf, como también sucedió con Karajan o Fürtwangler. La propia cantante admitió, tras su retirada en 1971, que pidió el ingreso en el partido nazi con 24 años, pero que en aquellos momentos, era una obligación para todo aquel que quería conservar su trabajo en la Ópera de Berlín. Aquello le deparó una buena polémica, hasta el punto de que The New York Times la calificó como la "diva nazi".
Sin embargo, se le concedería la ciudadanía británica en 1992 y sería condecorada por la reina Isabel II como reconocimiento a su carrera, que estuvo unida a Londres desde que en 1951 se casara con el productor Walter Legge, insigne director artístico de la discográfica EMI. Su marido fue el responsable de que los caminos de Karajan y Schwarzkopf confluyeran y de que aquella maravilla que fue la Philarmonia Orchestra consiguieran dejarnos en disco una colección de referencias absolutas de todo el repertorio clásico. Elisabeth Schwarzkopf protagonizaría muchas de ellas, como las páginas straussianas de Der Rosenkavalier, con Karajan, o Vier Letze Lieder, con George Szell. Pero también sin olvidarnos de su extraordinaria faceta liederística, con compositories como Schubert o Wolf.
En la memoria de muchos aficionados permanecen sus personajes, a los que confería un carácter y una forma de cantar distintos. "El oído es tu instrumento más importante cuando haces música", decía, y por ello has de estar pendiente del sonido: "el cantante tiene que incorporar la persona correcta a ese sonido; no tu persona sino la que Mozart quería oír". Así llegó a cantar, de manera irrepetible, papeles que quedarán para la historia como la Marschallin, de Der Rosenkavalier ("Todo lo que necesitas saber sobre la vida está en esta ópera", decía), Fiordiligi, de Cosí fan Tutte, la Contessa, de Le Nozze di Figaro, o Donna Elvira, de Don Giovanni.
Elisabeth Schwarzkopf poseía una voz dotada de un timbre único, rico en matices, que se caracterizaba por una extrema delicadeza en los portamenti . Aficionados de todo el mundo siguen deleitándose con ella gracias a los discos. Ellos son su gran legado inmortal.
Lecturas complementarias:
Obituario en The New York Times
Opera News, la revista del Metropolitan Opera House de Nueva York, le visita el pasado enero con motivo de su 90 cumpleaños. Posiblemente sus últimas palabras a un medio de comunicación.
Texto: Felipe Santos
Fotos: EMI
Schwarzkopf, Strauss, Mozart
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viernes, 4 de agosto de 2006
Y Thielemann accedió al Walhalla
Concluyó el esperado Anillo en Bayreuth con la destacada y prácticamente unánime alabanza al trabajo desarrollado en el foso por el director de orquesta Christian Thielemann. El director berlinés accede, de esta manera, al "Walhalla" particular de esos insignes directores de orquesta que el buen aficionado wagneriano retiene indelebles en su recuerdo. Los menos porque estaban presentes en la sala y los más porque lo han escuchado través del disco. Clemens Krauss, Wilhem Fürtwangler, Hans Knappertsbusch, Josep Keilberth son algunos de los nombres que habitan ese Olimpo musical.
Hacía tiempo que la dirección musical del Anillo del Nibelungo no cosechaba aplausos tan unánimes, ópera a ópera, en la sala del Festpielhaus. Comenzó deslumbrante el Oro del Rhin, fue de menos a más en La Walkyria, cosechó un impresionante Sigfrido y culminó, portentoso, la siempre difícil y arriesgada El Ocaso de los Dioses. Thielemann reveló un Anillo musicalmente equilibrado, con especial atención a las proporciones y atento a los detalles. Su dirección no suena apelmazada, y aunque se permite alguna que otra licencia efectista en determinados pasajes, su lectura es claramente sólida y coherente. En la memoria de muchos permanecerá, por ejemplo, la subyugante pausa, que él convierte en un largo y sobrecogedor silencio, antes de acometer los últimos compases de El Ocaso de los Dioses.
Seguro que el debate en el universo wagneriano permanecerá durante largo tiempo sobre la pertinencia de esta nueva dirección musical de un clásico como el Anillo. En futuras ediciones del festival tendremos ocasión de ver la evolución de esta lectura tan personal, que el propio Thielemann ha asumido a conciencia y que seguro nos deparará nuevos motivos para el análisis y el comentario.
Lo que no está en debate es la dificultad, presente desde hace algunos años, de encontrar un elenco vocal satisfactorio para esta producción. En este año se sigue constantando una carencia de voces, y más para una producción que supone cantar dos días seguidos o cuatro veces en cinco días. Buena prueba de ello es que, este año, los parabienes se los han llevado papeles de un solo día, como Shore (Alberich), Pieczonka (Sieglinde) y König (Hagen). Sin embargo, los cantantes que debían cantar en más de una ópera se resintieron y culminaron actuaciones irregulares, combinando buenos momentos con otros por debajo de lo esperado. Fueron los casos de Struckmann (Wotan), Watson (Brünnhilde) o Gould (Siegfried).
Al final, quien no pasó la prueba fue la dirección de escena del veterano Tankred Dorst. Se la jugaba el octogenario regista alemán, al aceptar, casi a un año vista, la "patata caliente" rechazada por Lars von Trier, al admitir que no se veía capaz de enfrentar el proyecto. A tenor de la opinión de los críticos en la prensa y del público el último día, el resultado no ha podido ser más controvertido. Una producción que, sorprendentemente, ha resultado ser una serie de cuatro diferentes, con pocos elementos de conexión entre una y otra, y eso que el equipo escénico decidió someterse al veredicto del público al final de las cuatro óperas, como queriendo dar una unidad a su proyecto que, al parecer, no existió sobre el escenario. Dorst es un director teatral de mucho éxito, pero puede que a este Anillo le falten muchas horas de trabajo aún. Un verdadero "work-in-progress" a tenor de la crítica internacional. Veremos su evolución en las reposiciones posteriores del ciclo.
Y concluido el estreno de esta edición, ya tenemos novedades para los festivales que vienen. Se ha anunciado un nuevo Parsifal para 2008 y un Lohengrin para 2010. No conocemos más detalles de los equipos artísticos responsables de ambas producciones, aunque en 2007 se va a producir un acontecimiento que nos puede dar una pista: el estreno de una nueva producción de Los Maestros Cantores de Nüremberg con dirección escénica de... ¡tatachán! Katharina Wagner, descendiente directa del compositor e hija del actual director del festival, Wolfgang Wagner. Será el debut en Bayreuth de un nuevo miembro de los Wagner metido a poner en escena las obras de su antepasado. Toda una primicia. Katharina ya ha hecho sus pinitos en otros teatros alemanes. Fue asistente de Harry Kupfer, ha dirigido un Holandés Errante, y su última creación fue Il Tritico, de Puccini, en la Deutsche Oper de Berlín, que no fue bien acogida por el público. Veremos qué pasa en esta ocasión.
Texto: Felipe Santos
Foto: Jurgen Hasenkopf, AP, DPA.
Bayreuth, Thielemann, Wagner, Dorst
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viernes, 28 de julio de 2006
Exitoso comienzo del Anillo en Bayreuth
Alrededor de las diez de la noche de ayer, en el Festpielhaus de Bayreuth, concluía La Walkyria, segunda de las óperas que componen El Anillo del Nibelungo, de Richard Wagner. Como sucediera el día anterior con El Oro del Rhin, la función se cerró con prolongados y entusiastas aplausos de los espectadores, que celebraron, por encima de todo, la excepcional dirección musical de Christian Thielemann.
Este éxito no hace más que aumentar el interés y la expectación sobre cómo se van a desarrollar las dos óperas que quedan para completar el ciclo: Sigfrido, mañana sábado 29, y El Ocaso de los Dioses, el lunes 31. Como avisamos en nuestro anterior post, ambas, así como el resto de las óperas del festival, se podrán seguir, en directo, a partir de las cuatro de la tarde, a través de Radio Clásica, de RNE.
Se nos antoja, pues, que este va a ser un Anillo marcado por la personalidad de su director musical. Pero quizás lo sea por lo contrario de lo que se le atribuye, como que es el continuador de la tradición alemana en la dirección de la obra. Esto es cierto porque Christian es alemán, pero a lo mejor sólo por eso. Ayer y el día anterior no escuchamos traducciones compactas sino llenas de matices, de transparencia en los sonidos, de riqueza arrebatadora en los colores de una orquesta especial, surgidos de un foso especial. Una concepción personal, que bebe de muchas de las ilustres tradiciones anteriores, pero que es el trabajo de un músico ante lo que él mismo ha entendido como la cumbre de sus sueños profesionales.
El director de escena, Tankred Dorst, y su equipo han preferido esperar a la última ópera de la tetralogía para saludar sobre el escenario y someterse al veredicto del público; señal de que su concepción es de conjunto. Hasta ahora lo que hemos podido ver en fotos, como la que ilustra estas líneas procedente del primer cuadro del El Oro del Rhin, tiene más que ver con lo mítico y lo onírico, llevado incluso a la ciencia ficción, que propuestas anteriores con elementos más contemporáneos y cotidianos.
Los cantantes también han alcanzado un nivel notable, aunque con algunos matices. A un gran nivel estuvieron Adrianne Pieczonka (Sieglinde), Falk Struckmann (Wotan), Kwangchul Youn (Hunding) y, en el siguiente escalón, algo irregular, Linda Watson (Brünnhilde), aunque cantó muy bien en los momentos clave de la partitura.
Ahora queda ver cómo concluyen las dos óperas que restan. Hasta ahora está resultando muy satisfactoria. Espero que a alguien de la dirección de la colina se le haya ocurrido grabarlo de DVD.
Texto: Felipe Santos
Fotos: AP, Münchner Philharmoniker
Bayreuth, Thielemann, Wagner
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jueves, 27 de julio de 2006
Veladas musicales en Segovia
Por decimosegundo año, el Patio de árboles del Torreón de Lozoya volverá a ser el escenario de las Veladas Musicales en el Torreón, organizadas por la Obra Social y Cultural de Caja Segovia.
Este ciclo nació en el año 1995, con el objetivo de cubrir el “vacío cultural” que se producía en nuestra ciudad durante el mes de agosto, ofreciendo conciertos de muy variado signo y con carácter nocturno. En este sentido, “Las Veladas” han acogido recitales que van desde el Jazz a la Música Clásica, pasando por el Tango, la Zarzuela, la Música Popular, la Ópera, el Teatro, el Gospel, el Flamenco, el Blues, el Rock, el Bolero, etc.
Para este año, la Obra Social y Cultural de Caja Segovia ha programado tres citas muy especiales, que se desarrollarán los días 4, 11 y 18 de agosto, a las diez de la noche.
La primera actuación, el viernes día 4, nos conducirá como en ocasiones anteriores al mundo del Flamenco de la mano de Esperanza Fernández, actualmente una de las principales voces del cante del flamenco, quien sorprende por su profundo conocimiento del flamenco tradicional, a la vez que ha demostrado que no le tiembla la voz ni las ganas de enfrentarse a nuevos retos en otras experiencias cercanas a la fusión, al mestizaje musical y al mundo clásico.
La segunda Velada, el viernes día 11, contará con la presencia de Concha Buika, arreglista y compositora autodidacta, cantante que maneja todos los estilos musicales (jazz, boleros, copla, flamenco, funk, etc.). Nos presentará su nuevo disco “Mi niña Lola”, donde todas las canciones traspasan las formas y donde combinan todos los estilos, que junto a lo sorprendente de sus letras y la sensualidad de su voz, hace de Concha Buika una artista única.
El viernes día 18, el ciclo finalizará con otra cita obligada dentro de las Veladas: El Jazz, en esta ocasión una fusión de funk/soul y jazz a cargo del saxofonista Arturo Soriano, músico que ha trabajado durante años acompañando y produciendo discos a destacadas estrellas del pop español y que acaba de editar su primer disco en solitario “45 R.P.M.”, donde conviven ambientes Jazzy, Funky, Soul y Electrónica fusionados con respeto, sensibilidad y sabiduría, dando especial importancia a las melodías, a las formas y a las rítmica.
Veladas musicales, Caja Segovia
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martes, 25 de julio de 2006
Bayreuth abre sus puertas
La casualidad ha querido que el primer post de esta nueva sección coincida con la jornada inaugural de una nueva edición del Festival de Bayreuth. Esperado cada año por wagnerianos y aficionados de todo el mundo, este acontecimiento tiene la particularidad de no programar otra cosa que óperas de Richard Wagner, pero lo hace en un teatro que abrió sus puertas en 1876 y cuyos planos fueron supervisados por el propio compositor. Desde entonces, muchos magnos acontecimientos han acontecido dentro de sus muros. Gestionado de generación en generación por la familia Wagner, el Festival aborda anualmente el desafío de encontrar la traducción óptima de las óperas de su fundador.
La edición de este año es especial porque Bayreuth afronta la décimotercera puesta en escena de El Anillo del Nibelungo, la magna obra del compositor, que consta de tres partes y un prólogo, y que, en este teatro situado en lo alto de una colina, se ofrece consecutivamente durante cuatro días. Dirige en el foso Christian Thielemann, responsable de Parsifal y Tahnhauser en ediciones anteriores, y en la escena el debutante en la ópera, a sus ochenta años, Tankred Dorst, dramaturgo y cineasta alemán. Existe una gran expectación por ver el trabajo de ambos. El de Thielemann, porque será la versión del considerado por muchos continuador de la tradición alemana en la dirección de orquesta, después de que en Bayreuth el Anillo fuera dirigido, en las tres producciones anteriores, por Sinopoli, Baremboim y Boulez. El de Dorst, porque es consecuencia del trabajo de tan sólo dos años, después de que, paradójicamente, el director de escena anunciado, el cineasta Lars von Trier, dedidiera dejar el proyecto porque lo consideraba inabarcable.
El reto no es pequeño, máxime después de una temporada donde han proliferado distintos anillos con los que será inevitable la comparación: el del Chatelet parisino, dirigido por Christoph Eschenbach y Bob Wilson; y del de Aix-en-Provence, de Simon Rattle y Stephane Braunschweig, con la Filarmónica de Berlín en el foso. Para la próxima temporada, nuestro Palau de les Arts valenciano tiene prevista una nueva producción dirigido en lo musical por Zubin Mehta y en lo escénico por la Fura dels Baus.
Para el debut de la nueva producción del Anillo habrá que esperar a mañana miércoles. Hoy, las puertas del Festival se abren con El Holandés Errante, dirigida por Marc Albrecht, en la puesta en escena de Claus Guth, estrenada hace varias ediciones, y a la que vuelve John Tomlinson en el papel principal, de baja por enfermedad en la reposición anterior.
Para los aficionados y los no tanto, pero quieran comprobar cómo suena una ópera de Wagner en el teatro diseñado por él, hay una buena noticia. Como todos los años, todas las óperas del Festival podrán ser seguidas a través de Radio Clásica, de RNE. El plan de restransmisiones es el siguiente:
El Holandés Errante, 25 de julio, 17.57 horas
El oro del Rhin, 26 de julio, 17.57 horas
La Walkiria, 27 de julio, 15.57 horas
Sigfrido, 29 de julio, 15.57 horas
El ocaso de los dioses, 31 de julio, 15.57 horas
Tristán e Isolda, 1 de agosto, 15.57 horas
Parsifal, 2 de agosto, 15.57 horas
Los que puedan y quieran, que las disfruten.
Texto: Felipe Santos
Festival de Bayreuth, Música, Wagner
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Música en Comunicación Cultural
Inauguramos hoy una nueva sección dentro de Comunicación Cultural. Con el tiempo, hemos ido añadiendo nuevas pespectivas desde las que analizar y estudiar la interacción entre la comunicación, el arte y la literatura. Hoy damos un paso más en esa dirección incorporando la Música a esta gran conversación.
Al frente de esta nueva sección, como parte del equipo de Dosdoce, se incorpora Felipe Santos, que ha sido Director de Comunicación del Teatro Real y consultor durante más de once años en el campo de la asesoría estratégica de comunicación de empresas e instituciones.
Felipe Santos, Música, Comunicación Cultural, Teatro Real
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