lunes, 5 de abril de 2010

Del códice al libro electrónico

A partir de mañana 6 de abril y hasta el 3 de octubre de 2010 permanecerá en el Museo de la Biblioteca Nacional, en Madrid, la exposición “Del códice al libro electrónico”.

A lo que hoy día llamamos libro, libro tradicional, es a un objeto de forma rectangular compuesto de hojas de papel con contenido textual. Sin embargo, este libro tradicional está cediendo terreno a la edición electrónica que cada vez está más perfeccionada.

Esta exposición hace reflexionar sobre la historia material del libro, de analizar sus diferentes formatos y su evolución. Con ella, se intenta descubrir en la edición electrónica vestigios heredados de sus precursores en papiro, pergamino o papel.

Además de la exposición en si, también se desarrollarán diversas actividades y conferencias, como por ejemplo “Del rollo al códice. Libro y lectura en el mundo antiguo y medieval” por Antonio Castillo Gómez, de la Universidad de Alcalá o “Lectura en pantallas: del e-book al móvil” por Javier Celaya (Dosdoce.com) así como visitas guiadas y talleres escolares y familiares.

Si quieres obtener más información puedes acceder a la página del Museo de la Biblioteca Nacional.

MUSEO DE LA BIBLIOTECA NACIONAL
Sala de las Musas
Paseo de Recoletos 20, Madrid
Del 6 de abril al 3 de octubre de 2010
Horario exposición:
Martes a sábados de 10:00 a 21:00 h.
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Último pase 30 minutos antes del cierre

 Del códice al libro electrónico, Museo de la Biblioteca Nacional
 

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martes, 30 de marzo de 2010

XVIII Congreso Nacional de Amigos de los Museos

Con el lema “Museos, Amigos y turismo cultural sostenible” llega a Madrid del 23 al 25 de abril el XVIII Congreso Nacional de Amigos de los Museos.

En la última década, los museos, monumentos históricos, yacimientos arqueológicos y parques naturales, se han convertido en destinos turísticos de primer orden, lo que conlleva la necesidad de sensibilizar en pro de un turismo cultural que sea sostenible.

La Federación Española de Amigos de los Museos, agente activo en la “Declaración en pro de un turismo cultural sostenible”, dedica el congreso anual de 2010 al hecho de que tanto los museos como los Amigos, se comprometen a difundir la necesidad de gestionar el turismo cultural de forma sostenible y respetuosa con el entorno.

En este tema, de plena actualidad, aún queda bastante por hacer para sensibilizar tanto a la población como a las instituciones de manera que los recursos turísticos se aprovechen al máximo sin perder de vista la protección al patrimonio y el valor de la visita.

La FEAM ha preparado un intenso e interesante programa de visitas a museos tanto para los congresistas como para los acompañantes y como punto a favor la cuota de inscripción se ha reducido considerablemente respecto a la de otras ediciones.

Además de todo, Renfe ofrece descuentos en los billetes de tren (alta velocidad incluida) de hasta un 30 % para los asistentes al Congreso.

Para más información, consultar el programa y el boletín de suscripción.

 Amigos de los Museos, Congreso, FEAM
 

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miércoles, 24 de marzo de 2010

Optica Festival 2010

Un año más se reúnen más de 200 artistas y alrededor de 20 galerías de todo el mundo para participar cada año en Optica: el festival de videoarte.. Además de fiestas y otras actividades lúdicas, el Festival se estructura, fundamentalmente, a partir de las siguientes secciones:

Artistas independientes: el objetivo de Optica no sólo es disfrutar del valor de las obras en sí, sino también hacer lecturas cruzadas de los lenguajes que se dan en los distintos circuitos artísticos y grupos generacionales, además de facilitar la difusión de nuevos talentos.

Galerías: la participación de las galerías refuerza y enriquece la programación del Festival.
Sección informativa: Esta sección, no competitiva, nos aproxima a proyectos internacionales de difusión de la cultura audiovisual.

Encuentros con artistas: Algunos de los artistas participantes posibilitarán el diálogo con el público asistente a través de diversas actividades.

Performances: Directos audiovisuales de artistas internacionales que fusionan la imagen y el sonido dando lugar a obras de arte efímero ejecutadas en tiempo real.

Fiestas: Con este tipo de actividades se consigue romper el encorsetamiento que vive, por lo general, el mundo del arte, oxigenando y estableciendo un canal entre el creador y el entorno social que le rodea.

Por último, cabe destacar que todo aquel que esté dentro del mundo del videoarte (artista independiente, galerista, vj, institución, curador/a) se anime a participar en el Festival, pues tal y como subrayan los organizadores de Optica 2010 sería un placer poder contar con su participación. Por ello, invitan a realizar una propuesta para Optica 2010.

Si quieres obtener más datos sobre cómo participar puedes pinchar aquí o si tienes cualquier otra duda, puedes enviar un e-mail a enquiries@opticafestival.com

Las obras tendrán como plazo máximo de entrega el 18 de junio

 OpcticaFestival, Videoarte
 

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martes, 23 de marzo de 2010

Europa en papel

Coincidiendo con la presidencia española de la Unión Europea, La Biblioteca Nacional de España presenta a lo largo de este primer cuatrimestre de 2010, la exposición Europa en papel, organizada en colaboración con la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales a partir de la selección de algunos de los ejemplares más emblemáticos que se conservan en la Biblioteca Nacional de España.

Esta muestra reúne más de un centenar de piezas entre manuscritos, documentos, libros, periódicos, mapas, planos, dibujos, grabados, estampas, fotografías y archivos sonoros, que permiten reflexionar sobre el desarrollo de la historia y la idea de Europa.

En la exposición pueden contemplarse manuscritos de Leonardo da Vinci, incunables, como el Catholicon de Johannes Balbus o la Odisea de Homero entre otras cosas.

Grabados de Picasso; fotografías de la Primera y la Segunda Guerra Mundial, partituras de Mozart, mapas que muestran la evolución de Europa desde el siglo XVII hasta la actualidad y periódicos que recogen acontecimientos destacados de la historia reciente del continente, completan el conjunto de obras que forman parte de esta exposición que podrá visitarse en la Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España hasta el 6 de junio de 2010.

Europa en papel
Hasta el 6 de junio de 2010. Martes a sábado de 10:00 a 21:00 h., domingos de 10:00 a 14:00 h. Entrada libre (último pase 30 minutos antes del cierre)
Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España
Pº de Recoletos 20-22 Madrid

 Europa en papel, Biblioteca Nacional de España
 

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miércoles, 17 de marzo de 2010

Música de la arquitectura: Varèse-Xenakis-Dusapin

A partir de hoy, 17 de marzo y hasta el domingo 21 tendrá lugar el Ciclo “Música de la arquitectura: Varése-Xenakis-Dusapin”. El ciclo en cuestión es un homenaje a los tres compositores del siglo XX que mezclaron el arte visual de la arquitectura con el arte sonoro de la música.

El programa incluye conferencias y conciertos cuya interpretación correrá a cargo de figuras de gran prestigio internacional como Ensemble Recherche, Nicolas Hodges, Drumming Grupo de Percussão, Miquel Bernat o Arditti String Quartet que ejecutarán las obras de estos compositores, algunas de ellas piezas clave de la música del siglo XX.

La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid es la responsable de este ciclo que une la arquitectura y la música en un nuevo conjunto de conciertos dirigido por Xavier Güell en homenaje a los compositores Edgard Varèse, Iannis Xenakis y Pascal Dusapin.

El programa “Música de la arquitectura: Varèse/Xenakis/Dusapin” se completa con material audiovisual que incluye gran parte de la discografía de los compositores, así como diversos documentales que estarán disponibles en la Entreplanta de La Casa Encendida, del 15 de marzo al 18 de abril.

Edgard Varèse (1883-1965), es sin duda el gran compositor de la modernidad y su influencia marcará un antes y un después en el transcurso del siglo XX. Por su parte, Iannis Xenakis (1922-2001) arquitecto, matemático y compositor, es la figura más importante de la música que tiene una dimensión matemático-espacial basada en sistemas de probabilidad y con ayuda del ordenador. Según Xenakis: "Querámoslo o no, hay un puente entre la arquitectura y la música basado en nuestras estructuras mentales que son las mismas tanto en la una como en la otra". Por último, Pascal Dusapin (1955) alumno de Iannis Xenakis, ha defendido el componente "artesanal" del oficio del compositor. Actualmente es uno de los compositores más importantes de su generación.

Si quieres saber algo más sobre el ciclo puedes consultar su programa.

Ciclo Música de la arquitectura: Varèse/Xenakis/Dusapin
La Casa Encendida
C/Ronda de Valencia 2, Madrid
Del 17 al 21 de marzo de 2010
Conferencias: 18.30 y 20.00h (miércoles y jueves);
Conciertos todos los días a las 22.00h
Precio Conferencias: gratuito hasta completar aforo
Conciertos: 3 €

 La Casa Encendida, Ciclo Música de la arquitectura,
 

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miércoles, 10 de marzo de 2010

Coque Malla y Benjamín Prado

Al igual que hicieron en Julio del año pasado, mañana jueves 11 de marzo de 2010 y por medio de la Fundación Canal, Benjamín Prado y Coque Malla, combinarán dentro del ciclo Desbordarte el sabor de la música y la poesía acompañados a la guitarra por Nico Nieto.

Nacido en 1961, en Madrid, Benjamín Prado a finales de la década de los 80 escribió la canción Cuando aprieta el frío con el cantautor Joaquín Sabina al igual que en el 2009 participó en la composición de su álbum Vinagre y rosas, a partir del cual escribió el libro Romper una canción. Es autor de varios libros, tanto novelas como de poesía, así como de ensayos y libros de relatos. Su obra ha sido traducida en numerosos países.

Coque Malla nace en Madrid en 1969. A los 15 años, junto con Ricardo Moreno, Luís García y Luís Martín forma el grupo de rock Los Ronaldos, del que será su voz, guitarra y líder. Con Los Ronaldos graba cinco discos. La fama les llevará a hacer giras por España, Chile e incluso Cuba. El grupo se disuelve en 1998. A partir de entonces se dedica a su carrera en solitario y a su faceta de actor.

Como hemos dicho, mañana 11 de marzo podremos disfrutar del talento de éstos; dos grandes de la música y la poesía.

Coque Malla y Benjamín Prado
11 marzo de 2010 a las 20:00h.
Auditorio de la Fundación Canal
C/Mateo Inurria 2, Madrid
Entrada gratuíta.

 Coque Malla, Benjamín Prado, Fundación Canal, Música y poesía
 

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martes, 9 de marzo de 2010

Actividades del Museo de Bellas Artes de Bilbao

A partir de mañana miércoles 10 de marzo, el Museo de Bellas Artes de Bilbao ha organizado una serie de actividades en torno a su exposición Schommer. Retrospectiva 1952-2009. Las actividades consisten en un taller de fotografía: Fotogramas y Calotipos (miércoles 10 y viernes 12 de marzo), impartido por Patxi Cobo, en el cual se realizarán prácticas de calotipos con cámara de gran formato así como fotogramas utilizando papel de ennegrecimiento directo con objetos translúcidos. Se abordarán también prácticas de iluminación y medición de luz para los retratos con la misma cámara. También se tratará el procesado del negativo en papel y posterior positivado, y la realización y procesado de fotogramas sobre papel de ennegrecimiento directo.

Por otro lado, el día 17 de marzo en el auditorio a las 19:30h también habrá un encuentro entre Alberto Schommer y Alejandro Castellote, comisario de la exposición. La entrada de esta actividad será gratuíta.

Por último, todos los domingos se organizarán visitas guiadas a la exposición en la que se hace un repaso a la persona y trayectoria de Alberto Schommer (Vitoria, 1928), uno de los fotógrafos más destacados del panorama creativo español de las últimas décadas.

Museo de Bellas Artes de Bilbao
Plaza del Museo, 2 - Bilbao
Taller de fotografía Fotogramas y Calotipos impartido por Patxi Cobo
Miércoles 10 y viernes 12 de marzo, de 18 a 20.00 horas
Precio taller: 115€
Encuentro entre Alberto Schommer y Alejandro Castellote, comisario de la exposición
Miércoles 17 de marzo, Auditorio, 19.30 horas
Actividad gratuita. Entrada libre hasta completar aforo.
Visitas guiadas a la exposición Schommer. Retrospectiva 1952-2009
Todos los domingos hasta el 16 de mayo, a las 12.00 horas
Precio general entrada al Museo: 6€
Precio visita guiada: 5€

 Museo de Bellas Artes, Bilbao, Schommer
 

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lunes, 8 de marzo de 2010

Martes musicales

Debido a la presidencia consecutiva de la Unión Europea por parte de España y Bélgica y gracias a la colaboración de la Fundación Carlos de Amberes con la institución musical más prestigiosa de Bélgica, la Capilla Reina Elisabeth, podremos empezar a disfrutar a partir de mañana martes 9 de marzo de 4 jornadas musicales.

Las jornadas, distribuidas a lo largo del 9 y 23 de marzo y los días 6 y 20 de abril, consisten en una serie de conciertos interpretados por sus mayores virtuosos. Estos martes musicales tendrán como escenario la capilla de la Fundación y el público podrá disfrutar de las actuaciones de estos jóvenes músicos que ya han iniciado su carrera y están convirtiéndose en artistas respetados y alabados a nivel internacional.

Estos grupos actuarán, como ya es habitual, en una doble sesión; a las 14:30h (con una duración de 45 minutos) y a las 20:00h (con una duración de 75 minutos)

La Fundación Carlos de Amberes es la materialización de un deseo expresado por un flamenco que en 1594 legó en Madrid toda su fortuna para crear esta institución, y que cuatrocientos años después sigue plenamente activa. Reforzada tras el replanteamiento de los objetivos originarios, coopera a través de todo tipo de iniciativas con países como Bélgica, Holanda, Luxemburgo y el norte de Francia- en la aventura de construir un gran espacio común: la Europa Unida.

La Capilla Reina Elisabeth, que también organiza uno de los concursos internacionales más reconocidos mundialmente, es una escuela que busca la excelencia a través de una educación individualizada de la más alta calidad y categoría internacional. De este modo garantizan el máximo nivel de cada uno de sus alumnos.

No os podéis perder esta ocasión única para disfrutar de la mejor música clásica de la mano de grandes promesas que ya se han hecho realidad. Para consultar el programa puedes pinchar aquí.

Capilla de la fundación Carlos de Amberes
Entrada gratuita hasta límite de aforo (160)
C/ Claudio Coello 99, Madrid

 Fundación Carlos de Amberes, Capilla Reina Elisabeth, Martes musicales
 

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viernes, 26 de febrero de 2010

Joan Hernández Pijuan

Hasta el 29 de mayo podemos ver la obra de Joan Hernández Pijuan; La medida del tiempo, el transcurso de la pintura. Presentada por la Fundació Suñol, ésta exposición monográfica repasa la trayectoria del artista con obras de diferentes períodos (algunas inéditas) a través de las cuales el visitante podrá saborear la tensión, densidad e intensidad aplicadas como base de las creaciones de Joan Hernández Pijuan(1931-2005).

La Colección Josep Suñol reúne más de treinta obras del artista realizadas entre finales de los sesenta y el 2005 que tratan de acercarnos a la manera en que Joan Hernández Pijuan entendía, practicaba y amaba el arte.
Las obras correspondientes al período de los sesenta destacan por la presencia de objetos como reglas, cartabones, copas, tijeras, manzanas, huevos…

Aunque ese momento puede entenderse como una etapa conceptual, Joan Hernández Pijuan es también un pintor objetual, ya que destaca en todo momento un aspecto más corpóreo, más físico. Esta aprehensión de la materia en su pintura será la vía de cambio hacia la naturaleza como única protagonista. A través de esta ausencia de personajes y de objetos, el artista nos hace llegar a la moraleja de que la naturaleza se mueve por sí sola, no depende del hombre y, por consiguiente, nosotros sólo evolucionamos sobre ella.

Fundació Suñol
Passeig de Grácia 98, Barcelona
De lunes a sábado de 16:00h a 20:00h
Domingos y festivos cerrado.
Hasta el 29 de mayo de 2010

 Joan Hernández Pijuan, Fundación Suñol
 

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miércoles, 17 de febrero de 2010

Kafka y la muñeca viajera

El próximo domingo 21 de febrero llega al Teatro Lara de Madrid la obra “Kafka y la muñeca viajera”. La representación teatral es una adaptación ,de la productora Come y Calla, de la galardonada novela del mismo nombre de Jordi Sierra i Fabra (publicada por Ediciones Siruela). Inspirada en un episodio real de la vida de Franz Kafka en que, paseando por el parque Steglitz, en Berlín, el autor de La metamorfosis encontró a una niña llorando desconsolada: había perdido su muñeca. Para calmar a la pequeña, se inventó una peculiar historia: la muñeca no se había perdido, se había ido de viaje, y él, convertido en cartero de muñecas, tenía una carta que le llevaría al día siguiente al parque.

Para que el público se involucre más en el espectáculo, al final del mismo se repartirá entre los niños un sobre y un papel para que ellos mismos puedan escribir un capítulo más de la muñeca viajera y enviarlo al teatro. Con ello se pretende crear un texto cambiante, en el que se añadirán las historias de los niños, sus principales protagonistas.

Jordi Sierra i Fabra (Barcelona, 1947) ha escrito casi 300 obras de todos los géneros. También ha creado la Fundación Jordi Sierra i Fabra en Barcelona y la Fundación Taller de Letras Jordi Sierra i Fabra para Latinoamérica en Medellín,Colombia, con las que está desarrollando una intensa labor social.

Teatro Lara de Madrid
C/ Corredera San Pablo 15
21 de febrero de 2010 12:00h.

 Kafka y la muñeca viajera, Jordi Sierra i Fabra, Ediciones Siruela, Come y Calla
 

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martes, 16 de febrero de 2010

Alberto Reguera en Just Madrid

Tras su éxito en París, el pintor Alberto Reguera llega a Madrid el 18 de febrero hasta el 21 con su obra “En torno al espacio matérico” dentro de la nueva feria expositiva Just Madrid. La pieza consiste en una instalación pictórica, un ensamblaje de lienzos que ofrece volumen de materia y color en el espacio del stand que ocupa. Este ensamblaje está formado por varias “pinturas-objeto” trabajadas por todos sus lados. Según palabras del propio Reguera, el título de la obra define bien su intención: que el visitante pueda pasear alrededor de la misma observando todos los lados de la pintura y las nuevas posibilidades que esta disciplina ofrece.

Just Madrid nace fruto de la experiencia de las distintas ferias de arte contemporáneo que tienen lugar por todo el mundo (Art Basel en Basilea y Miami, Frieze en Londres o The Armory Show en Nueva York), donde se observa la necesidad de completar las ferias oficiales con otras independientes (Liste y Pulse en Basilea, Zoo en Londres y Volta en Basilea y Nueva York). Estos eventos tienen lugar a la vez que las ferias mayoritarias y, en general, se dedican a galerías y artistas emergentes de calidad que podrían pasar desapercibidos en las ferias principales. Paralelamente a la feria ARCO, Just Madrid cubrirá ese lugar convocando a 30 galerías con propuestas novedosas.

Pensada para un público tanto conocedor como curioso del arte contemporáneo, Just Madrid se perfila como la feria ideal para el coleccionista sin complejos, pero su mayor incidencia estriba en que sea un lugar de encuentro internacional de profesionales del arte contemporáneo, donde las galerías puedan dar a conocer el trabajo de sus artistas a representantes de instituciones y museos españoles y extranjeros, tanto como a los comisarios independientes, y que entre todos ellos se definan nuevos proyectos expositivos.

Just Madrid – Feria de Arte Contemporáneo
Lonja y Nave de Terneras (Junta Municipal del Distrito de Arganzuela)
Paseo de la Chopera, 10 – Madrid
Del 18 al 21 de febrero de 2010

 Alberto Reguera, Just Madrid, Arte contemporáneo, Feria
 

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martes, 9 de febrero de 2010

Sueños de Silicio

Hoy martes 9 de febrero se inaugura la exposición “Sueños de Silicio: Arte, Ciencia y Tecnología en la Unión Europea”, que explora la convergencia entre estos tres campos desde el punto de vista de un grupo de artistas que, junto con científicos, investigadores y tecnólogos, nos ofrecen su particular visión sobre la unión de estos conocimientos.

La exposición, celebrada con motivo del Consejo Informal de Ministros de Competitividad bajo la Presidencia española del Consejo de la Unión Europea durante el primer semestre de 2010, tiene lugar en Tabakalera Donostia-San Sebastián entre los días 9 de febrero y 21 de marzo de 2010.

En “Sueños de Silicio” se presentan los trabajos de los siguientes artistas: Boris Debackere, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, Etoy, Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand, José Manuel Berenguer, Knowbotic Research, Marcelí Antúnez, Sachiko Kodama y Usman Haque.

“Sueños de Silicio: Arte, Ciencia y Tecnología en la Unión Europea”
Tabakalera
Duque de Mandas, 52 - Donostia-San Sebastián
Del 9 de febrero al 21 de marzo de 2010

 Sueños de Silicio, Arte, Ciencia, Tecnología, Tabakalera, San Sebastián
 

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martes, 2 de febrero de 2010

Fotografías de José Manuel Ballester

Hasta el 7 de marzo llega a Logroño José Manuel Ballester (Madrid, 1960) a la sala Amós Salvador con su exposición “La Gran Ciudad en la China actual”. El artista desarrolla desde finales de los años 80 un trabajo centrado en la fotografía. La realidad es atrapada por su cámara y posteriormente iluminada, manipulada y transformada, reflejando la poética de los espacios y los paisajes.

Ballester, nos presenta, a través de luces y sombras, una visión moderna de China.
La exposición reúne su serie de grandes edificios, en los que se refleja el trabajo de los más importantes arquitectos internacionales, como Herzog & de Meuron, Rem Koolhass, Paul Andreu o Arata Isozaki entre otros, así como el de destacados arquitectos chinos.

La muestra se detiene especialmente en el interior y en el proceso de construcción de edificios erigidos con motivo de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. De igual forma, se presentan una serie de destacadas construcciones. “China, es un gran laboratorio ideal para el desarrollo de la nueva arquitectura, allí se están aplicando nuevas formulas que responden al modelo de globalización que se ha ido imponiendo en el mundo en las últimas décadas” comenta el artista.

Sala Amós Salvador
C/ Once de junio s/n Logroño
Hasta el 7 de marzo de 2010
Martes a sábado de 11 a 13 y de 18 a 21h.
Domingos y festivos de 12 a 14 y de 18 a 21h
Lunes cerrado

 Cultural Rioja, José Manuel Ballester, China, Fotografía
 

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viernes, 29 de enero de 2010

Vª Edición de Art Madrid

Del 17 al 21 de febrero de 2010, la feria de arte moderno y contemporáneo Art Madrid, que es segunda de España tanto por el espacio ocupado como por el número de galerías, celebrará su V edición en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña, donde la organización espera recibir a más de 40.000 visitantes.

En esta quinta edición está prevista la participación de 64 galerías, que mostrarán obras de los principales artistas contemporáneos.

Art Madrid acogerá, por segundo año consecutivo, un espacio dedicado al arte emergente, integrado en el programa Young Art, que integra a las galerías y los artistas más jóvenes.

Por otro lado, la feria se encuadra dentro del Programa Oficial para la celebración de los Bicentenarios de las independencias de los países latinoamericanos. Por este motivo, contará con un espacio exclusivo dedicado a esta celebración, con apoyo de la Secretaría de Estado para Iberoamérica y las Embajadas de México, Colombia, Argentina y Chile, una exposición que mostrará la obra de artistas latinoamericanos residentes en España.

Otra novedad es la creación de la Colección Art Madrid de Obra Única sobre papel. El objeto de la colección será la obra sobre papel de artistas contemporáneos españoles, con el único requisito de que ha de ser obra original, no seriada. La colección, comprenderá obras creadas exclusivamente en los últimos 40 años.

Si quieres ver más información, vete a la web de Art Madrid.

 Art Madrid, Arte moderno
 

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martes, 26 de enero de 2010

Libro "Ballets Olaeta"

La editorial Bassarai acaba de publicar el libro "Ballets Olaeta: ochenta años de ballet vasco", escrito por Alberto López Echevarrieta con prólogo de Kosme de Barañano y portada de Néstor Basterretxea.

Si el ballet es la representación expresiva de lo humano por medio de la danza, en ningún conjunto como en los Ballets Olaeta brotó con más impulso la vena popular en toda su plenitud. Pero para conseguirlo fueron necesarios una dedicación absoluta y un trabajo infatigable. Y es que los Ballets Olaeta no formaron un simple conjunto folklórico, sino una compañía de baile sometida a las enormes dificultades que requiere siempre la transformación de lo popular en el lenguaje universal de la danza.

La publicación de este libro coincide con la exposición sobre los ballets Olaeta, que consta de carteles, originales artísticos de coreografías, trajes, partituras, manuscritos, grabaciones sonoras, instrumentos musicales, elementos de Attrezzo y un largo etcétera de elementos que convierten esta exposición en una fuente de estudio y conocimiento de la danza vasca; un legado que enriquece el patrimonio de la sociedad vasca y su difusión y plasmación en nuevos soportes culturales.

 Ballets Olaeta, Alberto López Echevarrieta, Bassarai
 

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lunes, 25 de enero de 2010

Bodegas 2.0

El próximo martes 2 de febrero de 2010 a las 18:00h se celebrará en Madrid una mesa redonda sobre las Bodegas 2.0 seguida de la presentación del libro “Cómo dirigir una bodega” . El evento está dirigido a la gente interesada en el mundo de las bodegas y a su vez el de su aplicación en la web social.

A lo largo de los últimos años hemos detectado en nuestros estudios relacionados con tendencias 2.0 que la mayoría de las entidades, incluidas las bodegas, siguen desaprovechando las ventajas que ofrecen la utilización de las nuevas tecnologías sociales para promocionar en la Red sus productos y servicios.

La conferencia de apertura tratará de explicar cómo atraer visitas y clientes por internet. Para ello contaremos con la presencia de expertos en el tema: Julio Palomino, director de la tienda LAVINIA la 5ª mejor web de venta de vinos del mundo, Nico Bour director de UVINUM, web internacional de recomendaciones sociales de vinos, Eduardo Benito, director de Vinus TV la televisión digital del vino, Lasse Rouhiainen, director de Promocionweb20.com, experto en redes sociales y marketing digital, todo ello moderado por Ana Nieto Churruca, directora de Marketing de Global Marketing y autora del libro "La web internacional".

Tras ello, tendrá lugar a las 19:30h la presentación del libro “Cómo dirigir una bodega”, llevada a cabo por Rafael del Rey, Carlos Falcó, Enrique Valero y Olegario Llamazares.

Todos los interesados en asistir a este evento tendrán como requisito insdispensable a confirmar su asistencia a Global Marketing Strategies a través de un correo electrónico a marketing@globalmarketing.es o a través del teléfono 91-5782667.

Aula Magna, Instituto de Empresa
C/ María de Molina 11. Madrid
Martes 2 de febrero de 2010

 Bodegas 2.0, Cómo dirigir una bodega
 

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jueves, 21 de enero de 2010

X Bienal Martínez Guerricabeitia

Con el lema “Contra Natura” abrirá sus puertas a partir del próximo 26 de enero la décima Bienal Martínez Guerricabeitia.
Este certamen que tiene como objetivo incentivar la creatividad de jóvenes artistas españoles y aumentar a su vez el patrimonio artístico de la Universitat de València, hace todavía mayores concesiones a los artistas dejándoles mayor libertad para que aporten ideas sobre cuestiones que consideran “contra natura”.
Este certamen bienal de arte contemporáneo, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Valencia y del Instituto Valenciano de Cinematografía (IVAC)-La Filmoteca, y del patrocinio el Banco Santander y de la Fundación Cruzcampo, podrá contemplarse hasta el 20 de marzo.

“El Patronato Martínez Guerricabeitia, fiel a su idiosincrasia de denunciar la injusticia, de la falta de libertad y de la opresión, ha querido dar cabida a muchas propuestas que se engloban en torno a un lema muy amplio que está relacionado con la ecología, la defensa de la naturaleza, el desarrollo sostenible, el cambio en el modelo de producción, la crisis del sistema económico o la sociedad contemporánea”, señala el director de actividades del PMG, Vicent Sanz. En definitiva, una Bienal comprometida, que relaciona arte y realidad “para conocer nuevos creadores y también para encarar estos problemas sociales y políticos tan presentes en la actualidad informativa a través del arte”.

Los artistas seleccionados para la décima Bienal proceden de diversos puntos de la geografía española y cuentan con un "reconocido prestigio" en la escena del arte contemporáneo, con obras que abarcan principalmente la pintura y la fotografía y las acciones.

Los artistas seleccionados son: Ángeles Agrela, Alexander Apóstol, Ibon Aranberri, Fernando Bayona, Mira Bernabéu, Jordi Bernadó, Daniel Canogar, Democracia, Jordi Fulla, Carmela García, Dionisio González, Juan del Junco, Marina Núñez, Santiago Mayo, José Medina Galeote, Itziar Okariz, Jordi Ribes, Rómulo Royo, Rafa Tormo i Cuenca y Enrique Zabala.

X Bienal Martínez Guerricabeitia
Del 26 de enero al 20 de marzo.
Martes-sábado de 10:00 a 14:00h y de 16 a 20:30h.
Domingos 10:00 a 15:00
Museo de la Ciudad. Plaza del arzobispo,3 Valencia

 Arte, Bienal, Valencia, Contra natura
 

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martes, 19 de enero de 2010

"ForeignAffairs" de Juan Francisco Casas

Con tan sólo un bolígrafo Bic Cristal azul y un rotulador negro llega Juan Francisco Casas por tercera vez a Madrid a la galería Fernando Pradilla. Su exposición “ForeignAffairs”, cargada de frescura y vitalidad, recrea un retrato generacional, pero no uno cualquiera sino el autobiográfico. Primero fotografiados y luego pintados, los protagonistas de la muestra no son personajes anónimos sino amigos o conocidos que forman parte de la vida personal, profesional o íntima del artista. Por lo general, mujeres alegres y desenfadadas son las que dan vida a la obra de Juan Francisco, que con tan poco material es capaz de transmitir un fragmento, una fotografía de lo que se adivina una anécdota en la vida de esta joven promesa de lo moderno.

Juan Francisco Casas es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia. En 2002 finalizó el Doctorado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada. Fue el ganador del Premio de Pintura ABC en la edición 2004 y seleccionado para la Muestra de Arte INJUVE 2002 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Galería Fernando Pradilla
C/ Claudio Coello 20, Madrid
Hasta el 20 de febrero de 2010

 Juan Francisco Casas, ForeignAffairs, Exposición, Fernando Pradilla
 

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jueves, 14 de enero de 2010

Buscando 40 Ryan McGinness: Casting online

La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid convoca un casting on-line para buscar Ryan McGinness. Se trata de un casting online con el fin de encontrar 40 dobles de McGinness (1972, Virginia, EE.UU.) que quieran conocer de primera mano el trabajo de este importante artista norteamericano. Dicho casting se realizará hasta el 20 de enero de 2010 a través de www.sebuscanryanmcginness.com y de Facebook con fotografías y cartas de motivación. Cada uno de los 40 artistas seleccionados pasará cinco horas al día durante cinco días en el taller de McGinness en La Casa Encendida. A uno de los cinco candidatos más votados en Facebook, tras pasar la prueba del videochat con el propio artista, se le pagará el desplazamiento desde su lugar de residencia y su alojamiento los días que dure el taller.

Como resultado, surge la exposición “Estudio Franquicia” que contará con los trabajos de los alumnos y se completará con algunos de los últimos trabajos de McGinness. Esta exposición podrá verse desde los “cimientos” ya que al principio estará abierta al público mientras artista y alumnos trabajan en sus obras desde el 4 de febrero hasta el 4 de abril de 2010.

-Casting “Se buscan Ryan McGinness”
Del 17 de diciembre al 20 de enero en www.sebuscanryanmcginness.com
-Taller “Se buscan Ryan McGinness”
Del 8 de febrero al 5 de marzo de 2010, en turnos de cinco días
Horario: de 10h a 15h y de 17h a 22h
Inscripción gratuita
Dirigirse a www.sebuscanryanmcginness.com y rellenar formulario de inscripción
-Exposición: Studio Franchise / Estudio Franquicia
Artista: Ryan McGinness
Fechas: del 4 de febrero al 4 de abril de 2010

 Casting, Ryan McGinness, Exposición, La Casa Encendida
 

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martes, 12 de enero de 2010

Pierre Gonnord: "Terre de personne"

Pierre Gonnord (Cholet, 1963) ha recorrido diferentes países buscando seres anónimos y peculiares cuya forma de vida evoca una realidad fuera de lo establecido y con los cuales suele establecer una relación que trasciende el esquema de modelo/fotógrafo. En este caso, se centra en protagonistas españoles y portugueses cuyas profesiones y formas de vida han caído prácticamente en el saco del olvido. Hasta ahora, todos los colectivos retratados por el artista pertenecían a un entorno urbano: es la primera vez que “trabajo en un terreno que podríamos llamar rural o natural. Estos retratos están realizados al acabar la jornada laboral”.
El título de la exposición juega con la ambivalencia de la palabra “personne”, pues significa persona y nadie a la vez; tierra de personas, tierra de nadie.

Como novedad, Gonnord expone también por primera vez algunos paisajes, en lo que supone su apertura hacia un nuevo género fotográfico y otros territorios creativos.

Como complemento a su fotografía, en la sala de esta exposición el visitante podrá visionar una interesante entrevista realizada al autor de la obra donde explica de primera mano el origen y motivo de esta muestra que se puede ver hasta el 28 de febrero en la sala de exposiciones Alcalá 31 de Madrid.

Exposición Pierre Gonnord, “Terre de personne”
Alcalá 31, Madrid
Hasta el 28 de febrero de 2010.

 Pierre Gonnord, Terre de personne, Fotografía
 

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viernes, 18 de diciembre de 2009

Videojuegos independientes

Recientemente se inauguró el nuevo programa de videojuegos independientes para Estación Futuro. Se trata de “Espacio, tiempo y emoción”, una selección de seis videojuegos independientes que acerca al jugador sentimientos como el amor, la pérdida, la satisfacción, la traición y el engaño, mostrando que el mundo del videojuego no es sólo descarga de adrenalina.

Esta pequeña selección de juegos representa además una pequeña muestra de la amplia gama de recursos expresivos a disposición del moderno diseñador independiente de videojuegos, una independencia que es la clave de la creatividad mostrada en las pantallas de Estación Futuro.

Estación Futuro se inauguró el pasado abril como nuevo espacio en las naves de Intermediae en el que explorar el mundo del juego gracias a una serie de programas comisariados por el artista e investigador cultural Javier Candeira.

Javier Candeira, fundador y editor del blog de nuevas tecnologías, software libre y derechos digitales Barrapunto, ha trabajado como periodista para numerosos medios escritos y ha sido presentador de televisión. Como tal, es un observador privilegiado y uno de los mejores analistas que existen en España en el campo de las nuevas tecnologías. Candeira también es traductor, ensayista y un renombrado activista en favor del software libre.

 Videojuegos, Estación futuro, Espacio, tiempo y emoción, Intermediae, Javier Candeira
 

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miércoles, 16 de diciembre de 2009

Exposición "Ballets Olaeta: Coreografía de un sueño"

La Diputación Foral de Bizkaia reúne todo el patrimonio cultural de Ballets Olaeta en una exposición de título “Ballets Olaeta: Coreografía de un sueño”.

El fondo en cuestión consta de carteles, originales artísticos de coreografías, trajes, partituras, manuscritos, grabaciones sonoras, instrumentos musicales, elementos de Attrezzo y un largo etcétera de elementos que convierten esta exposición en una fuente de estudio y conocimiento de la danza vasca; un legado que enriquece el patrimonio de la sociedad vasca y su difusión y plasmación en nuevos soportes culturales.

La Diputación Foral de Bizkaia reabre para albergar esta exposición su antigua sala Ondare situada en la calle María Díaz de Haro, 11

La clasificación y tasación de este valioso fondo, realizado a lo largo de 2008, ha sido llevado a cabo por las hermanas Olaeta, Lourdes y Miren Tere, así como todo el equipo de profesionales expertos en la materia que la Diputación Foral de Bizkaia ha ido poniendo a disposición de la familia.

Exposición “Ballets Olaeta: Coreografía de un sueño”
Sala Ondare de la Diputación Foral de Bizkaia, María Diaz de Haro 11. Bilbao.
Hasta el 23 de marzo de 2010

 Ballets Olaeta, Ballets Olaeta, Coreografía de un sueño, Sala Ondare, Patrimonio cultural
 

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viernes, 11 de diciembre de 2009

ArtAids: "Mirando desde afuera"

‘Mirando desde afuera’ es una exposición colectiva con veinte artistas de Barcelona, o con una vinculación muy especial, en nueve espacios de Barcelona. Este proyecto está instaurado por ArtAids, una organización sin ánimo de lucro que utiliza el arte en la lucha contra el sida invitando a artistas reconocidos a crear piezas que traten sobre la enfermedad y cuestiones relacionadas. Estas obras de arte son utilizadas para aumentar la concienciación pública, para mejorar la actitud de la sociedad hacia las personas seropositivas y para obtener financiación destinada a proyectos enfocados a prevenir y combatir el sida.

ArtAids fue creada por el escritor y coleccionista de arte holandés Han Nefkens. El descubrimiento de Nefkens el año 1987 de que era seropositivo supuso un cambio radical en su vida. Han Nefkens ve la intensidad de esta experiencia reflejada en el mundo del arte y ha decidido utilizarlo para aumentar la concienciación social sobre el problema del sida y para mejorar la vida de aquellos que viven con el VIH.

El espíritu que mueve el proyecto es concienciar de la necesidad de la prevención, y reflexiona sobre las sensaciones que experimentan las personas que viven con el VIH. La mayoría de artistas que participan en dicho proyecto no habían trabajado previamente el tema del sida de una forma significativa, lo que permite que la exposición sea un acercamiento evitando planteamientos previsibles.

El concepto de exterior, el “fuera” del título, está asociado a la idea de intemperie. Es el punto de partida de esta exposición para acercarnos a la experiencia del enfermo y el concepto que estructura la exposición y el trabajo de los artistas.

Esta particular mirada de fuera hacia adentro, desde diversas generaciones de artistas y desde diferentes disciplinas como la instalación, la fotografía, la pintura o el vídeo, es el concepto que estructura las obras presentadas por los artistas. Cada uno de ellos ha dispuesto de un presupuesto en concepto de producción y honorarios para realizar su propia pieza, que después cederá a ArtAids. De esta manera, la implicación de los artistas es doble: cediendo la obra y realizando una pieza relacionada con el sida.

La presencia de ArtAids en Barcelona implica que sus actividades se desarrollarán de forma regular en la ciudad y en el país a partir de ahora. Los beneficiarios de los ingresos que la fundación obtenga con sus actividades será HIVACAT, Centro Catalán de Investigación y Desarrollo de Vacunas del SIDA.

‘Mirando desde Afuera’ es el primer proyecto que ArtAids realiza en Barcelona. Tras su presentación en la ciudad, la exposición viajará hasta Oviedo (Sede Central del Banco Herrero) de septiembre a noviembre de 2010 y posteriormente al MuVIM de Valencia del 16 de diciembre al 27 de febrero de 2011.

Artistas: Francesc Abad, Ignasi Aballí, Iñaki Álvarez, Roger Bernat, Jordi Canudas, Biel Capllonch, Pep Dardanyà, Alícia Framis, Núria Güell, Jean-Charles Hue, Cova Macías, Anna Marín, Josep-Maria Martín, Marina Núñez, Antonio Ortega, Santiago Ortiz, Javier Peñafiel, L. A. Raeven, Job Ramos, Erich Weiss. Comisario: Miquel Bardagil.

Espacios: Casa Àsia, Jardins Palau Robert, Nivell Zero Fundació Suñol, La Casa Elizalde, Museu d’Art Contemporani de Barcelona - MACBA, Palau de la Virreina, Arts Santa Mònica, Hospital del Mar, Espai Ubú.

De diciembre a enero de 2010

 ArtAids, Mirando desde afuera, Han Nefkens, VIH, Barcelona, Arte, HIVACAT
 

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miércoles, 9 de diciembre de 2009

Federico Granell: "En tránsito"

La sala de exposiciones de Valencia My name’s Lolita nos trae el arte del recientemente galardonado con el IX Premio de pintura “Junta general del principado” de Asturias, Federico Granell. La exposición consta de una decena de cuadros con temática aeroportuaria realizados entre 2007 y 2009 titulada En tránsito. Es la primera vez que se puede ver al pintor en esta galería acostumbrada a tener entre sus paredes cuadros de renombrados artistas actuales, cosa que él califica de “auténtico lujazo”.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en 1999 en la especialidad de Diseño y Audiovisuales, Federico tiene en su haber, pese a su juventud, un gran currículum que avala su obra, en el que destaca una beca del Ministerio de Asuntos Exteriores en la Accademia di Belle Arti, de Roma, la ampliación de sus estudios en Londres, beca Sócrates en la Nuova Accademia di Belle Arti de Milán, o su curso de graduado en Litografía. Contando además, que sus obras ya se han dejado ver por ciudades como París, Santo Domingo (República Dominicana), Roma, Madrid, México…

Pero sus ansias de acercar su obra a la gente no se limitan sólo al lienzo sino también, entre otras cosas, a la creación de un blog, en el cual tras un largo viaje de un mes a Hong Kong empezó a escribir el 29 de marzo de este mismo año. Pretende con él simplemente complementar la información que publica en su web con un día a día en el que, según el propio Granell, se habla un poco de todo: de viajes, de exposiciones, propias o ajenas, de música o cine, de lo que se le pasa por la cabeza, de dibujo y fotografía. También de los proyectos pasados y los que están por venir. Recomendamos su lectura para conocer mejor al artista, su obra y, cómo no, su persona.

Federico Granell: "En tránsito"
Galería My name's Lolita
C/ Avellanas 7, 46003 Valencia
Diciembre 2009 - Enero 2010

 Federico Granell, arte, My name's Lolita, pintura
 

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domingo, 6 de diciembre de 2009

Visitando el Jardín Botánico de Madrid

Dentro de la oferta cultural que Madrid nos propone os recomendamos, aprovechando la llegada del invierno, visitar el Real Jardín Botánico. Se han organizado de Noviembre a Marzo unas visitas guiadas gratuitas los fines de semana con el fin de acercar a todos los públicos el mundo de las plantas en las diferentes estaciones, su utilidad en la vida cotidiana, especies singulares y curiosidades varias. Paralelamente, se llevarán a cabo una serie de talleres infantiles para introducir a los más pequeños en el fascinante mundo de los jardines.

Sábados y domingos a las 12 horas.
Gratuitas previo pago de la entrada al jardín.

Es necesario hacer reserva.

Información y reservas: 91 4200438 (laborables de 9:00 a 14.00h)

 jardín botánico, Madrid, visitas guiadas, talleres
 

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viernes, 27 de noviembre de 2009

Nicolás Combarro: "Obra negra"

El MARCO presenta el cuarto proyecto de la serie ‘PUNTOS DE ENCUENTRO’, en esta ocasión con el artista Nicolás Combarro. En el contexto de este programa, los cinco artistas invitados -Pedro Barateiro, Manuel Eirís, Carlos Bunga, Nicolás Combarro y José Dávila- trabajan sobre el concepto de ciudad contemporánea como espacio heterogéneo, donde se establecen relaciones entrecruzadas. Todos ellos tienen en común un interés hacia el contexto social o arquitectónico, y plantean proyectos específicos para el Espazo Anexo del MARCO.

Nicolás Combarro nació en A Coruña en 1979, si bien su infancia transcurrió en la ciudad de Vigo. Su proyecto para el Espazo Anexo del MARCO gira en torno a los espacios y conceptos de construcción/deconstrucción en un contexto urbano. Como en las otras propuestas de la serie ‘PUNTOS DE ENCUENTRO’, en el trabajo de Combarro es fundamental la fase de investigación y documentación. Los tres elementos que conforman su proyecto reflejan, en diferentes tiempos, un proceso de acercamiento a la ciudad de Vigo. Seis series de imágenes, recogidas en tres
desplegables; un vídeo que muestra un recorrido por el casco viejo; y una construcción escultórica que ocupa el centro de la sala de exposición.

El título del proyecto de Nicolás Combarro es reflejo de los intereses del artista y de sus modos deproceder. ‘Obra negra’ es una expresión que se usa en México para nombrar espacios o estructuras en construcción. Es una fase, a priori transitoria, con una realidad y una estética propias que muchas veces acaba perpetuándose en un estado latente. El proceso de trabajo de Combarro parte de una reflexión sobre el espacio y la construcción. Es un camino de ida y vuelta entre la realidad, documentada generalmente a partir de fotografías, y la abstracción, por medio de intervenciones o nuevas construcciones realizadas por el artista en esos lugares o estructuras.

Los tres elementos que conforman su proyecto específico para el MARCO reflejan, en diferentes tiempos, un proceso de acercamiento a la ciudad de Vigo. Seis series de imágenes, recogidas en tres desplegables, trasladan la mirada del espectador hacia lugares denostados, residuos constructivos intervenidos por el artista o, simplemente, fotografiados por él, que se convierten, finalmente, en modelo. Esta labor de catalogación y agrupación le anima a abrir la investigación a la ciudad; una experiencia que nos transmite por medio de un vídeo, a través de un recorrido por el casco viejo, sumido en un estado de construcción/destrucción que parece prolongarse eternamente. El elemento principal, una construcción escultórica que ocupa el centro de la sala de exposición, funciona como símbolo, como metonimia de lo real. Es la conclusión a un proceso en el que la antigua Panificadora de Vigo se convierte en el centro de una discusión conceptual sobre la existencia y repercusión de
una construcción que acaba teniendo un valor icónico, reivindicativo.

Nicolás Combarro : Obra negra
MARCO - Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Hasta el 24 de enero de 2010

 Nicolás Combarro, Obra negra, MARCO, Vigo, arte contemporáneo
 

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viernes, 23 de octubre de 2009

YCAM en Estampa '09

ESTAMPA 09 presentará, dentro de su sección FRAME, una muestra de las actividades que lleva adelante el Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM). Este centro abrió sus puertas en noviembre de 2003 y está considerado como una de las instituciones de referencia por su modelo de funcionamiento y ámbito de experimentación, concretamente en el ámbito del media art.

Una de las características más sobresalientas del YCAM es su afán por presentar no sólo la obra de artistas reconocidos internacionalmente, sino también la producción de creadores residentes. Hasta la fecha, varios autores han producido obras en colaboración con INTERLAB YCAM, la sección de producción propia del centro.

El objetivo del YCAM es conectar la región de Yamaguchi con el mundo en torno a conceptos clave de "comprensión creativa", “métodos creativos " y " entornos creativos ", de tal manera que pueda erigirse en una plataforma para que las personas se reúnan, discutan y, finalmente, creen y comuniquen nuevas formas de difundir el arte.

Kazunao Abe, Comisario jefe del YCAM, recuerda el compromiso de la institución con el acto de "creación", y destaca los proyectos que están realizando y en los que se entrelazan “corporeidad” y “rendimiento”. Desde su punto de vista, “hay que romper con el concepto de producir algo sobre la base de la “representación” y del “significado”. Más que recrear objetos sociales o culturales simbólicos, hay que reconstruir el significado de las imágenes visuales y de los iconos, poniendo de relieve el carácter multi-capa de los medios.

YCAM presentará en ESTAMPA los proyectos de artistas como doubleNegatives Architecture, Sota Ichikawa, Tsuyoshi Shirai, Takao Kawagushi, Takayuki Fujimoto y Steve Paxton.

ESTAMPA 09
Feria de Madrid
Parque Ferial Juan Carlos I - Pabellón 10
Del 28 de octubre al 1 de noviembre de 2009

 Estampa, YCAM, arte contemporáneo
 

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viernes, 2 de octubre de 2009

USA Today

"USA Today" es una exposición-instalación cuyo fin es aproximarse al Arte Contemporáneo Norteamericano del siglo que acaba de comenzar.

Realizada por Contemporánea y dirigida por los hermanos Mario y Alejandro Martín Pareja, la muestra explora el reciente trabajo de medio centenar de artistas visuales surgidos en la cultura independiente de la década de los 90, en torno a las escenas del skate, surf, graffiti, punk y hip hop. Incluye piezas de obra gráfica, pintura, vídeo, literatura y música. Se complementa con una instalación, "Miscelánea", compuesta por objetos y productos que dichos creadores han diseñado para conocidas marcas de moda.

Lo que empezó siendo un movimiento juvenil ha desembocado en un fenómeno social y de ahí ha saltado a la esfera artística. Muchos de estos creadores ya son considerados valores seguros en el mercado y comienzan a ejercer influencias estilísticas en las nuevas generaciones.

Teniendo en cuenta esto, "USA Today" es una guía imprescindible de la que partir para adentrarse en el Arte Norteamericano que va a inundar el imaginario colectivo en las próximas décadas.

Para esta itinerancia se han introducido novedades como la suite "Drypoint on acid", de Barry McGee; la serie "Warm Regards", de Brian Donnelly (KAWS); la pieza "Doom Loop #10", de Tim Biskup; la escultura "YHWH", de Mark Ryden; y las últimas ediciones limitadas de ropa de David Choe (RVCA), Don Pendleton y Steven Harrington (Element).

Los artistas presentes en la exposición son: Ray Barbee, Tim Biskup, Todd Bratrud, Scott H. Bourne, Kelsey Brookes, Thomas Campbell, David Choe, Larry Clark, Richard Colman, Matt Costa, Brian Donnelly (KAWS), Cheryl Dunn, Fernando Elvira, Shepard Fairey (OBEY), Mark Gonzales, Matt Gordon, Tommy Guerrero, Steven Harrington, Evan Hecox, Ben Horton, Jim Houser, Andy Howell, Cody Hudson, Caroline Hwang, Jo Jackson, Rich Jacobs, Todd James (REAS), Andrew Jeffrey Wright, Andy Jenkins, Chris Johanson, Spike Jonze, Harmony Korine, Matt Leines, Thom Lessner, Chris Lindig, Ari Marcopoulos, Geoff McFetridge, Barry McGee, Ryan McGinness, Mike Mills, Andy Mueller, Neckface, Chris Pastras, Don Pendleton, Andrew Pommier, Steve Powers (ESPO), Clare E. Rojas, Mark Ryden, Andrew Shoultz, Jeff Soto y Ed Templeton.

USA Today - Hasta el 1 de noviembre de 2009
Centro de Historia de Zaragoza
Pza. San Agustín, 2
50002 Zaragoza

 USA Today, Contemporánea, Zaragoza
 

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viernes, 18 de septiembre de 2009

BLOG 2009. La condición atmosférica

Acaba de ser inaugurada en Madrid BLOG 09, una exposición que recoge el trabajo de final de carrera de los alumnos de Arte de la Universidad Europea de Madrid. Esta nueva edición de BLOG lleva por subtítulo La condición Atmosférica, concepto que, tal y como destacan sus organizadores, “hace referencia a la atmósfera cultural contemporánea, atravesada por el enrarecimiento de las condiciones de producción y distribución del arte bajo el estado generalizado de sospecha”. La exposición simboliza el contexto en el que los estudiantes desarrollarán su vida profesional futura y, como consecuencia, el fin de su etapa académica.

La muestra, comisariada por Pedro Morales Elipe y Daniel Villegas, está formada por nueve obras que resumen el trabajo los estudiantes de Arte de la Universidad Europea de Madrid: Javier Velarde Mauleón, el colectivo CREO (Jorge Benitez/Moyra Montoya), Borja G. Veiga, Miguel Martínez Mercant, el colectivo Lilitu & Lili (Leticia Izquierdo Díaz /Natalia Sanz-Pastor García), Cristina Barbero García, Isabel Marcos Solorzano, Tomás Piza y Susana Escudero.

BLOG 2009. La condición atmosférica
Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid
Avda. de América, 13
28002 Madrid
Hasta el 10 de octubre de 2009

 BLOG 2009, La condición atmosférica, uem, arte
 

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jueves, 17 de septiembre de 2009

Alberto Pina: "En la ciudad"

La Galería Utopia Parkway inaugura hoy, 17 de noviembre de 2009 a las 20 horas, la nueva exposición de Alberto Pina, titulada "En la ciudad".

"Desde la atalaya de su libertad Alberto Pina pinta la vida alrededor, tiene el talento y el oficio, la disciplina y la determinación; en suma, el don de convertir lo común, lo cotidiano, incluso lo anecdótico, en algo extraordinario: un cuadro, una ventana al mundo.

De nuevo la ciudad ocupa un lugar preeminente en esta última exposición en la que paisaje urbano y retrato muestran la madurez del pintor y la firmeza de un estilo fundado en la sobria composición, el elegante manejo del color y la impecable factura. Cañada Real, Barriada o En construcción asoman al espectador a una cierta sensación de Madrid, tan alejada de emblemas, tópico o estereotipos como próxima al aliento poético. En este sentido Octavio Paz ya apuntaba que el "realismo" no existe, es sólo un invento de la crítica, porque lo que se pinta no es una imagen sino una idea y la pintura o es poesía o no es nada". (Lola Crespo)

Alberto Pina: En la ciudad
Galería Utopia Parkway
C/ Reina, 11 - 28004 Madrid
Hasta el 6 de noviembre de 2009

 Alberto Pina, En la ciudad, Galeria Utopia Parkway, Madrid
 

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miércoles, 16 de septiembre de 2009

Museo de la Batalla de las Navas de Tolosa

Los visitantes que se acerquen al Museo de la Batalla de las Navas de Tolosa, construido en el municipio de Santa Elena, en el corazón del Parque Natural de Despeñaperros, podrán conocer este espacio expositivo de forma gratuita hasta el 1 de octubre.

El Museo de la Batalla de las Navas de Tolosa, que fue inaugurado el pasado 17 de julio coincidiendo con el 797 aniversario de esta contienda, está considerado como infraestructura clave de la Ruta de los Castillos y las Batallas por su ubicación geográfica.

El visitante podrá visualizar, de forma original y didáctica, los acontecimientos que se produjeron en la contienda ocurrida el 16 de julio de 1212 y en la que se enfrentaron las tropas cristianas lideradas por el rey Alfonso VIII de Castilla contra las huestes almohades del califa de Al-Andalus, al-Nasir, a través de modernos medios audiovisuales y numerosas escenografías de época mediante los que se pueden comprender todos los hechos y aspectos relacionados con el enfrentamiento: desde las caravanas de contingente hasta los campamentos de ambos ejércitos, pasando por la reproducción de armas e indumentarias.

El museo invita al visitante a profundizar en el debate de la multiculturalidad y el diálogo entre civilizaciones, desde una reflexión crítica sobre los conflictos que vivimos en la actualidad y como una pequeña aportación a la cultura de la paz.

Toda la información en la web del museo.

 Navas de Tolosa, Batalla, museo, Ruta de los Castillos
 

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lunes, 14 de septiembre de 2009

Estampa 09

ESTAMPA, la Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo, vuelve a Madrid para demostrar que, incluso en tiempos de crisis, el arte sigue siendo una de las mejores opciones para invertir o, al menos, generar estados de ánimo positivos para superar las dificultades. La XVII edición de la feria tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 1 de noviembre en IFEMA, y reunirá en torno a una oferta formada por más de 2.000 obras, entre piezas clásicas e innovadoras, a coleccionistas y amantes del arte múltiple contemporáneo.

ESTAMPA acoge este año a cerca de 60 galerías nacionales e internacionales, entre las que se cuentan las más importantes en el campo de la edición, como Benveniste, Cámara Oscura, Marisa Marimón, Rita Castellote, Galería Múltiple, Multiplicidad, Factoría Compostela (C5 colección), 3Punts o Photogallery 20, al lado de prestigiosas instituciones públicas y privadas que promueven el conocimiento del arte.

La Feria acogerá una exposición individual de Jesús Pastor (Santurce-Bilbao, 1954), el autor que ha realizado la imagen oficial de esta décimo séptima edición, y que está considerado como uno de los principales artistas españoles que han indagado sobre los límites de la imagen y la naturaleza y función del arte múltiple. Pastor está en posesión del Premio Nacional de Grabado 1997 de la Real Academia de Bellas Artes por su labor en la investigación del grabado.

Como principales novedades en la edición de 2009, ESTAMPA dedicará una especial relevancia a la fotografía y el vídeo, mediante la oferta presentada por las propias galerías, y a través de espacios y secciones encaminadas a la promoción de este canal de expresión artística. A este respecto, por primera vez se ha creado el Premio ESTAMPA de Fotografía, que contempla la compra de obra a las galerías del programa general, la producción de obra nueva y el montaje de una exposición individual para el ganador en la próxima edición.

Otro aliciente para galerías y autores es la celebración de la II edición del Premio ESTAMPA-Comunidad de Madrid, que contempla la adquisición de obra, dentro de cualquier técnica de arte múltiple, por parte de esta institución.

ESTAMPA incorpora por primera vez este año un espacio llamado book-IN, en el que se mostrarán los trabajos editoriales más personales y exclusivos de artistas, galerías especializadas, editoras y distribuidoras. Y mantendrá secciones que han demostrado en los últimos años una enorme aceptación por parte del sector profesional y artístico, como STAGE, dedicado a proyectos individuales de artistas que trabajan de forma específica el espacio; video.ES, donde el vídeo, el documental de autor y el cine experimental serán mostrados sin prejuicios; y TENTACIONES, sección convertida en plataforma de difusión de la creación emergente de España, que este año acogerá proyectos de artistas individuales y colectivos que aporten ideas desde el arte al debate público.

Finalmente, dentro de FRAME se podrán contemplar exposiciones fruto de las alianzas que mantiene ESTAMPA con institucionales españolas y extranjeras para la difusión de la creación contemporánea, dentro de un estrategia orientada a facilitar el desarrollo de proyectos, la formación especializada y la visibilidad de artistas, colectivos y asociaciones.

ESTAMPA 09
Del 28 de octubre al 1 de noviembre de 2009
Feria de Madrid
www.estampa.org

 Estampa, arte contemporáneo, IFEMA, Madrid
 

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viernes, 11 de septiembre de 2009

Donkijote.org

Érase esta vez un ingenioso burro con su armadura digital y sus andantes caballeros. Un cuento contemporáneo en vivo en LABoral Centro de Arte de Gijón a partir del 24 de septiembre y por los caminos de Asturias.

Donkijote.org es una combinación analógico/digital que, a través del recorrido de un burro por distintas localidades, recoge datos utilizando técnicas innovadoras. El proyecto tiene la finalidad de capturar una imagen real de las diferentes identidades y realidades que coexisten, marcando similitudes y diferencias en el tentativo de averiguar cuánto conocemos el uno del otro.

Utilizar el caminar como un instrumento cognitivo.Hay una enorme necesidad de re-plantear el mundo, de rescatar nuestra imaginación, de soñar sobre ello, de reconectar lugares y personas con lo que es real. El viaje que nos proponen nos permite recordar, recrear nuestra memoria, seguir la huella antropológica que ha cambiado nuestro continente para llegar al presente, y para ir más allá observando los signos de las pistas del pasado, del presente y del futuro.

El burro funcionará como un navegador viviente que, llevando un equipo de aparatos digitales como GPS, conexión móvil, ordenador, cámara y videocámara, intentará crear una memoria común, produciendo y recogiendo informaciones, re-planeando el territorio, geo-etiquetando conocimientos y lugares , haciendo preguntas, buscando respuestas y compartiendo estos contenidos tanto físicamente como digitalmente. Todo el equipaje funcionará con energía solar y hospitalidad eléctrica durante el camino.

Las pautas del viaje son marcadas por el ritmo natural del paso del burro que nos permite dar a todo lo que entra en nuestra percepción una medida de atención humana. Caminar con un burro es un medio muy antiguo de ida hacia un destino que permite llegar al corazón de las emociones de las personas, pasando a través de lugares e historias que pertenecen a todos.

El paso analógico estará en simbiosis con la transmisión digital de datos, para conectar virtualidad a realidad en una forma insoluble para una estructura multi-dimensional, empezando desde el sendero los contenidos serán transmitidos a través de diferentes canales y lugares, a partir de internet hasta los otros medios de comunicación.

Las personas que se cruzarán durante el recorrido se convertirán en coautores del proyecto mismo.
Invitándolas a unirse, a caminar y hablar con el burro se convertirán en guías y mentores, enseñándonos las particularidades del territorio, de su cultura y tradiciones, ayudándonos a recopilar una sensación completa y detallada de Asturias, contribuyendo a enriquecer su herencia audiovisual y antropologica de forma única.

Puede consultarse una descripción mas detallada del proyecto.

 donkijote.org, Laboral Centro de Arte, Gijón
 

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jueves, 10 de septiembre de 2009

Galería pazYcomedias

Hoy, jueves 10 de septiembre de 2009, tendrá lugar a las 20 horas la inauguración de la nueva exposición de la Galería pazYcomedias. Su nueva temporada se inicia con la muestra dedicada a las artistas Maite Velaz (Objetos no obstantes) y Lacueva-Elsland (Tam tam japan).

Galería pazYcomedias
C/ Comedias, 7 - 2ª planta
46003 Valencia

 Galería pazYcomedias, Maite Velaz, Lacueva-Elsland, Valencia, arte contemporáneo
 

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viernes, 4 de septiembre de 2009

Asia Geek

Geek (del inglés geek), se utiliza para referirse a la persona fascinada por la tecnología y la informática. Pero a medida que la tecnología tiene mayor presencia en nuestros gestos cotidianos, toda esta textura cristaliza en una serie de hábitos culturales y sociales que, incluso sin saberlo, hacen que todos seamos un poco geek.

Asia es en cierto modo un potente epicentro y catalizador de estas nuevas culturas urbanas. Países como Japón o Corea, y recientemente China, son considerados como una fuente inagotable de tendencias que tienen un inmediato calado en la sociedad.

Consciente de la creciente fascinación que la digitalización de la vida despierta entre los jóvenes, amantes de la Cibercultura y otros usuarios tecnológicamente avanzados; Casa Asia programa ‘Asia Geek’, un primer ciclo de encuentros que pretende consolidar un espacio en el que algunos de sus principales protagonistas expliquen, en primera persona y de primera mano, las tendencias de vanguardia y otras manifestaciones afines asociadas a la Vida Digital.

Durante cuatro lunes (7, 14, 21 y 28 de septiembre), Casa Asia acoge a estos expertos de referencia en Cibercultura y Asia como Kirai (Héctor García), Carolina Miyata, Simón Lee, Manel Ollé, Josep Coll o Kahlo (Marta Castro), entre otros.

Sede de Casa Asia
Av. Diagonal, 373
Barcelona
Entrada libre hasta completar el aforo.

Requiere inscripción previa a través de InfoAsia:
Correo eletrónico: casaasia@casaasia.es
Teléfono: 93 368 08 36 (indicar la sesión o ciclo completo)

 cibercultura, manga, gadgets, Japón, China, videojuegos
 

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miércoles, 29 de julio de 2009

Laboratorios 70

La Sala Rekalde acoge, hasta el próximo 6 de septiembre, la muestra colectiva Laboratorios 70. Poéticas/políticas y crisis de la modernidad en el contexto vasco de los setenta. La muestra de carácter documental, comisariada por Fernando Golvano, recoge las experiencias renovadoras de creadores de diversos ámbitos que, iniciadas en los años sesenta con los grupos vinculados a la Escuela Vasca y a los Encuentros de Pamplona, van a desembocar en el complejo entramado artístico y cultural de los útlimos años de la Dictadura franquista. Son iniciativas que colisionan entre la vanguardia y lo popular, entre el nacionalismo y el internacionalismo y que al mismo tiempo convergen en todo un fértil magma socio-cultural que se expresa en multitud de manifestaciones que van desde la creación de nuevos colectivos y manifiestos hasta los festivales de música, happenings, revistas, carteles, etc.

En los años setenta emergieron genuinas iniciativas artístico-culturales que constituían al mismo tiempo una formidable constelación de disidencias individuales y colectivas. Era todo un conglomerado social, creativo y contestatario a la dictadura franquista que favoreció múltiples intercambios. Además, a partir de 1976 y en el inédito contexto de la transición política a un régimen de libertades, se sumaron otras formas de acción artística y política. Esas nuevas poéticas se expresaron con programas lúdicos, satíricos, irónicos, experimentales o nihilistas mediante una diversidad de manifiestos, colectivos, revistas, festivales de música, encuentros y otros eventos que alentaron una experiencia transversal entre creadores de ámbitos diversos.

Así fue como Jorge Oteiza, Agustín Ibarrola, Eduardo Chillida, Néstor Basterretxea, Rafael R.Balerdi, Amable Arias y algunos más, que habían renovado la trama vanguardista del arte vasco en los años sesenta, convergieron con otras generaciones de artistas y de militantes antifranquistas para producir múltiples iniciativas sociales y populares. Surgían nuevas formas de agitación y propaganda, una diversidad de acciones artístico-culturales y en fin, un dispar ensamblaje de lo culto y lo popular que fueron configurando una suerte de laboratorios sociales críticos y efímeros que ampliaban los otros laboratorios específicos en los que cada creador experimentaba y renovaba los lenguajes artísticos.

Esta muestra recorre aquellos años, sus vestigios materiales, imaginarios e intelectuales de un momento de irrupción de la modernidad. Obras y documentos remiten a una memoria fragmentaria de aquella temporalidad acelerada y de sus tensiones críticas, moduladas también por su relación con otras aperturas del arte y la cultura en el contexto internacional. Los Encuentros de Pamplona (1972), la experimentación y renovación de los lenguajes poéticos, sonoros, visuales y fílmicos, las nuevas prácticas de agitación y propaganda, la edición de revistas culturales que eran catalizadores de renovadoras interacciones creadoras, las dinámicas de cooperación y las incipientes iniciativas institucionales. En resumen, toda una constelación dispar de poéticas / políticas que se imbricaron en aquel contexto singular. Se expone así una acción diferida sobre los setenta en el contexto vasco y se revisa una memoria que trata de indagar sin nostalgia y con una conciencia crítica aquel genuino clima temporal, algunos imaginarios disidentes y utópicos, y las ambivalencias de la creación artístico-cultural en su relación con la acción política.

Esta exposición de carácter prioritariamente documental se organiza en un doble eje unido por la figura de Oteiza, cuyo Odiseo (1975), en el umbral del recorrido, constituye un retrato del artista que se reconoce como creador de nuevas formas poéticas y de nuevas significaciones míticas y políticas.

Laboratorios 70. Poéticas/políticas y crisis de la modernidad en el contexto vasco de los setenta
Sala Rekalde. Alameda de Recalde, 30 - Bilbao
Hasta el 6 de septiembre de 2009

 Laboratorios 70, arte, cultura, País Vasco, Sala Rekalde
 

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jueves, 16 de julio de 2009

ARTESANTANDER 2009

En su XVIII edición, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARTESANTANDER abre sus puertas del 22 al 26 de julio en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander. Un año más, esta cita cántabra con el arte contemporáneo despierta el interés de nuevas galerías, un síntoma evidente de la proyección y consolidación que la Feria está adquiriendo en el circuito del arte a nivel global.

ARTESANTANDER, una Feria veterana dentro del panorama nacional y sin duda la más destacada del norte español, que pese a este reconocido prestigio no supone la pérdida de su esencia de y, de este modo, la Feria
continúa siendo de dimensiones abarcables y muy cómoda para el visitante. Es posible disfrutar de un recorrido relajado, optimizado por la estudiada distribución de los stands, y en el que es especialmente destacable la apacible
atmósfera que se respira durante su celebración muy alejada del ritmo frenético y confuso existente en otras citas.

La décimo octava edición de ARTESANTANDER quiere hacer especial hincapié en dos aspectos: por un lado dotar a la Feria de un mayor y mejor contenido cultural y por el otro, potenciar su internacionalización. La idea primordial es posicionarse, además de como feria comercial de prestigio, como evento cultural de marcado carácter internacional, con proyección y capaz de traspasar fronteras.

Con la limitación consciente a 32 galerías exclusivas, ARTESANTANDER satisface igualmente la demanda de un espacio que concite el conocimiento y la adquisición de las obras de arte con un espíritu lúdico de placer y relax.

Toda la información en la página web de ARTESANTANDER 09.

 ARTESANTANDER, Arte Contemporáneo, Feria de Arte
 

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lunes, 29 de junio de 2009

Javier Mariscal: "Drawing Life"

Desde el próximo 1 de julio y hasta el 1 de noviembre de 2009, la exposición Drawing Life en el Design Museum de Londres mostrará el trabajo que Javier Mariscal ha realizado en solitario o en el seno de Estudio Mariscal a lo largo de treinta años de trayectoria profesional.

Drawing Life no es una exposición retrospectiva, en el sentido de que la obra no se estructura cronológicamente, sino agrupada por conceptos y distribuida en seis espacios expositivos, algunos planteados como una instalación, que pueden recorrerse de forma aleatoria. Muros collage, cortinas gráficas, objetos, dibujos, bocetos, audiovisuales y teatritos sirven para mostrar las claves, la evolución y la metodología del lenguaje personal de Javier Mariscal. Se ha hecho una recopilación exhaustiva de su archivo físico y digital para seleccionar los más de 2.000 objetos e imágenes que se muestran.

Drawing Life se ha planteado como una reflexión sobre el trabajo hecho a lo largo de más de treinta años de trayectoria profesional de Javier Mariscal, de cómo han evolucionado su lenguaje y su iconografía, de cómo ha utilizado sus obsesiones y su actitud vital para dar forma y contenido a su obra artística y a todas las disciplinas del diseño en las que se ha implicado. También pretende explorar, utilizando la sintaxis de su propia obra, los límites del oficio.

El propio diseño de la exposición refleja la facilidad con que se cruzan las fronteras entre el arte y el diseño, de cómo la faceta artística alimenta las soluciones de diseño, sin que éste sea entendido como un arte, sino como un oficio. Y aporta claves sobre los procesos creativos, en los que todo empieza por un dibujo y donde nada se da como definitivo. En la forma en que se muestran los proyectos y en los contenidos que se han seleccionado se reivindica la alegría de vivir, la emoción del color, la sensualidad mediterránea y la simplicidad del dibujo y del paisaje. El objetivo y el deseo de todos los que han participado en esta exposición es que el visitante de Drawing Life pueda percibir a través de esta experiencia el impulso vital que genera la creatividad de Javier Mariscal.

Javier Mariscal: Drawing Life
Design Museum
Shad Thames - London SE1 2YD
Del 1 de julio al 1 de noviembre de 2009
Horario: de 10 a 17:45 horas todos los días
Teléfono de información al público: 020 7940 8790
Reservas: 020 7940 8783
ticketweb.co.uk

 Javier Mariscal, Drawing Life, Design Museum, Londres
 

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viernes, 12 de junio de 2009

"Noche Blanca" en Bilbao

Mañana, sábado 13 de junio, la Villa de Bilbao cumple 709 años y lo quiere festejar con una “NOCHE BLANCA”. La Fundación Bilbao 700, encargada de organizar año tras año el programa de actos conmemorativos del Aniversario, ha querido ampliar la dimensión del evento organizando una “noche blanca” en colaboración con el Ayuntamiento de Bilbao y de los principales agentes culturales de la ciudad.

Ésta será la primera vez que podrá disfrutarse de noche, y de forma simultánea por toda la ciudad, la más amplia muestra de artes escénicas, visuales, musicales y teatrales que ha acogido Bilbao en los últimos años. El objetivo de tan noctámbula cita es poner en valor nuestra ciudad y sus infraestructuras culturales (museos, teatros, iglesias, universidad…), para descubrirnos un Bilbao transformado por el arte y abrir las puertas de su patrimonio cultural. Una noche única y mágica en la que se espera contar con la implicación y participación en la calle de toda la ciudadanía, una noche que tendrá muchos más colores que el blanco.

Son más de treinta las actividades concebidas específicamente para la “Noche Blanca”: arte público, música, danza, literatura, teatro, diseño, videocreación y visitas extraordinarias a los principales museos y centros artísticos de la ciudad con carácter gratuito. El programa cuenta con figuras de renombre en el panorama nacional como la cantante Concha Buika o la actriz Rossy de Palma; e internacionales, como Valerio Festi, los colombianos Puerto Candelaria, el estadounidense Bboy Reveal o las holandesas Night Desire. Pero el acento lo ponen los artistas y creadores locales como el grupo Oreka Tx, que consigue sonidos contemporáneos con instrumentos tradicionales como la txalaparta, las compañías de Danza Kukai y La Intrusa, el artista Asier Zabaleta o el grupo bilbaino Galatea.

El conjunto de espectáculos conforman un recorrido de descubrimiento a lo largo de la ciudad que abarca la Plaza del Arriaga, la Biblioteca de Bidebarrieta, BilbaoArte, el pórtico de la Catedral de Santiago, el Kiosco del Arenal, la fachada del Ayuntamiento de Bilbao, y los museos Guggenheim, Bellas Artes, Museo Diocesano y el Museo Vasco.

Puede consultarse aquí la programación completa del evento.

 Bilbao, Noche Blanca, cultura
 

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miércoles, 3 de junio de 2009

El cómic en versión digital

Ave!Comics ha inventado una solución innovadora para adaptar el cómic a las pantallas de los teléfonos móviles y de los ordenadores. A medio camino entre el libro y la película de animación, Ave!Comics propone una lectura de cómics dinamizada por zooms, efectos de transición y otras animaciones. Esta nueva tecnología acaba de ser presentada en el 27° Salón Internacional del Cómic de Barcelona.

 Cómics, digitalización, teléfonos móviles, AveComics
 

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viernes, 29 de mayo de 2009

Un Madrid literario

El Museo de la Ciudad acoge, hasta el 20 de septiembre de 2009, la exposición Un Madrid literario, una estupenda forma de conocer la historia del Madrid de los últimos cinco siglos a través del mundo de las letras.

El escritor José Manuel Caballero Bonald y el fotógrafo José Manuel Navia se han unido en la aventura de abordar, desde ambos puntos de vista, la dimensión literaria de Madrid, recorriendo la historia de sus más célebres lugares y personajes, y buscando las huellas, incluso hoy en día, de algunos de los rincones más representativos de la ciudad debido a su relación con la literatura.

La muestra está compuesta por dos circuitos diferenciados. En primer lugar, un recorrido histórico que, a través de 68 fotografías seleccionadas del archivo fotográfico del Museo de Historia del Ayuntamiento de Madrid, y tomando como referencia el texto de Caballero Bonald Biografía literaria de Madrid, reconstruye el esplendor de una época de enorme brillo literario, deteniéndose especialmente en los escritores y sus obras, las calles y enclaves principales, las tertulias, los cafés y el mundillo de las letras.

Por otro lado, el reportaje gráfico de Navia recupera la actualidad de dichos lugares mostrando a su vez la evolución del tejido urbano: las estaciones como lugares de llegada y tránsito, las tabernas y casas de comidas, los bazares y hoteles, la arquitectura y el “corazón neoyorquino” de la Gran Vía, o los cafés y círculos de la vida bohemia de entonces, que en muchos casos hoy ya han desaparecido.

Exposición "Un Madrid literario"
Museo de la Ciudad
Príncipe de Vergara, 140 - 28002 Madrid
Hasta el 20 de septiembre se 2009

 Un Madrid literario, Museo de la Ciudad, Caballero Bonald, Navia, exposición
 

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lunes, 25 de mayo de 2009

Barcelona Art Gay

Hasta el próximo viernes 29 de mayo puede visitarse la exposición BAG'09 (BarcelonaArtGay), un acontecimiento cultural de temática gay, creado por Sergi Ortín, que nace este año 2009 pretendiendo una máxima difusión y su repetición anual. Todo gira en torno a una exposición de arte en el Espai Cultural Francolí que incluye pintura, fotografía, escultura, cómic y vídeo-instalaciones. La exposición está acompañada de interesantes actividades paralelas relacionadas.

Barcelona Art Gay
Espai Cultural Francolí
Francolí 13-15 principal - Barcelona
Hasta el 29 de mayo de 2009

 Barcelona Art Gay, Espai Cultural Francolí, arte
 

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martes, 19 de mayo de 2009

Comunicando el museo

Los próximos días 27, 28 y 29 de mayo tendrán lugar las jornadas de formación museológica "Comunicando el museo", organizadas por el Ministerio de Cultura.

La comunicación en el museo es uno de los aspectos clave que determina la visibilidad de estas instituciones culturales y su relación con la sociedad. Son muchas y muy diversas las herramientas que, en el ámbito de la comunicación, hay disponibles para reforzar la presencia del museo en la sociedad, afianzar su posicionamiento y, en última instancia, llegar hasta los distintos públicos.

El objetivo del curso es trazar un panorama general de algunos aspectos que configuran la comunicación en los museos y en otras instituciones culturales, poniendo de relieve la importancia creciente que la misma está alcanzando para cualquier organización, y los nuevos caminos que se están abriendo en los últimos años, adaptándose a las nuevas tecnologías o creando protocolos de actuación diferenciados según los públicos.

Tras las Jornadas de 2006, que abordaron el tema de la planificación museística desde un punto de vista general, y las de 2007 que se centraron en el Programa de Colecciones, este año se pone de relieve uno de los aspectos integrantes del Programa de Difusión y Comunicación. La planificación de las actuaciones en relación con la comunicación en el museo se convierte en una tarea prioritaria de cara a establecer vínculos efectivos con el público, para lo cual es necesario la definición de estrategias, objetivos, tácticas y herramientas a emplear, con el objeto de dotar a los museos de la proyección y visibilidad necesarias de cara a posicionarlos en el poblado panorama de la actual oferta mediático-cultural.

Temas como la Comunicación 2.0, los museos en la Web 2.0, el marketing cultural o los planes de comunicación de los centros de arte serán tratados en las jornadas, que contarán con especialistas en la materia como Virginia Garde, Javier Celaya, José Guirao, Yolanda Romero, Gail Durbin, entre otros.

Puede descargarse el programa completo en Comunicando el museo

Jonadas "Comunicando el museo"
Ministerio de Cultura - Salón de actos
C/ San Marcos, nº 40 - Madrid
27, 28 y 29 de mayo de 2009

 Comunicando el museo, formación, Ministerio de Cultura
 

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miércoles, 13 de mayo de 2009

"Chicas de plexiglás, negras flores"

Los años 80 suponen una importante renovación en la estética y el imaginario cultural de España. La generación joven de la época quiere ser moderna, celebra la experiencia urbana y, después de tantos años en los que la militancia política era el principal signo de la juventud opuesta a la dictadura, se entrega al disfrute y a la experiencia estética. Son los años de eclosión del pop español, de ascendencia punk, los años de la movida madrileña y del surgimiento de una generación marcada por la cultura audiovisual: música, cine, diseño, cómic, moda.

La exposición "Chicas de plexiglás, negras flores" pretende dar una panorámica de la variedad de las culturas juveniles de la década. El paisaje urbano se fue poblando de estéticas y actitudes que proclamaban la llegada de nuevos tiempos, y que Miguel Trillo muestra en esta selección de fotografías, volviendo su cámara hacia los públicos que llenaban los conciertos, los jóvenes que recorrían las calles en busca del último bar o los que simplemente pasaban por allí. Trillo ofrece una visión antropológica, la imagen de una ciudad cuyo mayor espectáculo son sus calles pobladas de gente, con su diversidad, su colorido, su actitud, sus ganas de demostrar que, como decía la canción, el futuro ya está aquí.

Nacido en Jimena de la Frontera, Cádiz, en1953, Miguel Trillo se enmarca dentro de la tradición de viajeros neorrealistas y la suya es una fotografía antropológica con forma de retratos. Desde los años 70 ha trabajado sobre el universo de los jóvenes en su entorno musical (conciertos de rock, fiestas o discotecas) y se convirtió en uno de los grandes documentalistas de los 80 y la Movida. A finales de los 80 buscó nuevas tipologías juveniles y realizó las series Nuevos Pijos o Madrid Hip Hop, entre otras.

Desde que en 1978 realizara su primera exposición individual en un pub de Madrid, ha expuesto en el Círculo de Bellas Artes, en la Galería Spectrum de Zaragoza, en la Red Itiner de la Comunidad de Madrid, en el Festival Mestizo de Murcia y Explorafoto de Salamanca. Actualmente se encuentra trabajando en una retrospectiva de su obra que organiza el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y que se presentará en abril de 2009.

Exposición "Chicas de plexiglás, negras flores"
Fotografías de Miguel Trillo
Fnac Triangle (Barcelona) hasta el 30 de mayo

 Chicas de plexiglás, negras flores, Miguel Trillo, fotografía, Fnac Triangle
 

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viernes, 8 de mayo de 2009

Showcase "Museos y Nuevas Tecnologías"

El Museo de Bellas Artes de Valencia acogerá el próximo 26 de mayo de 2009 el Showcase "Museos y Nuevas Tecnologías".

Los museos se enfrentan a un entorno cambiante debido a dinámicas diversas. En primer lugar se enfrenta a una demanda más formada y con mayor capacidad de informarse, por lo que exigen discursos museográficos adaptados a sus propias características personales y ponen en cuestión a las instituciones tradicionales como únicos elementos determinantes del canon artístico o histórico.

Por otra parte, esa misma demanda ubica a los museos en un amplio rango de ofertas que ofrecen conocimiento, formación, entretenimiento, espectáculo, cultura... por lo que los museos, si quieren mantener su competitividad social han de estar dispuestos a batirse en estos ámbitos. También los contenedores territoriales de los museos enseñan estos barrios, ciudades o pueblos rurales-exigen cada vez más una mayor corresponsabilidad de los museos en la transformación del territorio y los museos han de incorporarse a las dinámicas del impacto económico, el city marketing o el branding territorial y a promover las relaciones del museo con actividades económicas ligadas al turismo, la formación, la gestión cultural. Los museos ya no pueden ser autistas territoriales.

Por último, contando con la digitalización e Internet, es evidente, que nos encontramos en el ojo del huracán de una radical revolución tecnológica que está transformando de manera estructural e irreversible a las formas de crear, producir, distribuir y consumir cultura. Si a todo ello le sumamos nuestra actual situación de crisis, que acelera la pretensión de cambiar el modelo productivo, en el que los centros de producción cultural tienen que jugar un papel más protagónico que el que han jugado hasta ahora, parece claro que resulta el momento y el lugar oportuno para plantear o replantear cómo usar los recursos que aportan las nuevas tecnologÌas en las nuevas funcionalidades de las instituciones museísticas.

Los objetivos del Showcase son:

- Propiciar un espacio de encuentro y reflexión sobre el papel de las nuevas tecnologías en los museos.
- Favorecer el encuentro entre las empresas que ofertan bienes y servicios de elevado valor añadido tecnológico y los museos.
- Vislumbrar y detectar por dónde y hacia qué aspectos se orientan las nuevas tecnologías en los nuevos planteamientos museográficos y de gestión de los museos.

Las ponencias correrán a cargo de Dosdoce, dD-Multimedia, Canica, Futurelab y Tissat.

Javier Celaya (Observatorio Dosdoce.com, Autor del estudio “Tendencias Web 2.0 en Museos y Centros Culturales”) pronunciará la conferencia de clausura, que llevará como título "Los museos en la web" y que tendrá lugar a las 16 horas.

 Showcase, museos, nuevas tecnologías, Valencia
 

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jueves, 7 de mayo de 2009

Chema Peralta: "Útimos Paisajes"

La Galería de Arte Utopia Parkway presenta, hasta el próximo 5 de junio, la exposición "Útimos Paisajes", del artista Chema Peralta (Madrid, 1965).

En estos Últimos Paisajes, Chema Peralta ha buscado y ha encontrado la forma de bajar a contarnos lo que se ve desde arriba. Y a pesar del vértigo insoslayable, en estos cuadros no hay ratro alguno de la dificultad del descenso, tampoco del miedo al vacío, algo consustancial a la ambición de crear un territorio propio. En estas telas priman sobre todo el remanso de la belleza, la melodía del color y en general todo lo que está siempre ahí aunque a veces no podamos verlo (Lola Crespo).

Chema Peralta: "Últimos Paisajes"
Galeria de arte Utopia Parkway
Calle Reina, 11. 28004 - Madrid
Hasta el 5 de junio de 2009

 Chema Peralta, ültimos Paisajes, Utopia Parkway
 

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lunes, 4 de mayo de 2009

Tabakalera estrena nueva página web

Tras dos años de andadura, con numerosos avances en el proyecto, actividades y continuas actualizaciones, a la página web de Tabakalera le ha llegado la hora de transformarse. Desde mediados de marzo el espacio online de Tabakalera se muestra totalmente renovado, con un aspecto mucho más acorde con lo que en el futuro será el Centro Internacional de Cultura Contemporánea: un espacio abierto, dinámico y participativo, dedicado principalmente a la cultura visual.

La nueva página web ha sido diseñada siguiendo las tipografías y colores de la imagen corporativa de Tabakalera, creada por el estudio donostiarra Lanzagorta. Conseguir una página más dinámica, más flexible y más visual han sido las pautas por las que se ha guiado el centro a la hora de realizar la nueva web. Gracias al nuevo diseño, la gran cantidad de información generada por Tabakalera a lo largo de los últimos dos años se presenta de una manera mucho más clara y accesible para el usuario, ya que también se han tenido muy en cuenta su usabilidad y su navegabilidad.

Tabakalera puso en marcha su página web hace dos años. Desde entonces se han sucedido numerosas exposiciones, proyecciones, grabaciones, etc. que también han tenido su reflejo en el espacio online. Información sobre todo lo que ocurre en el centro, noticias relacionadas con el proyecto cultural y el proyecto arquitectónico, fotos, videos, microsites de las actividades desarrolladas en el centro… son algunas de las posibilidades que ofrece www.tabakalera.eu.

Sin embargo este cambio es sólo un paso más en el camino hacia la creación de una web mucho más participativa, donde los usuarios podrán interactuar con sus aportaciones, donde se podrán desarrollar proyectos creativos, foros de debate, etc.

 Tabakalera, página web, exposiciones, Donostia, San Sebastián
 

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viernes, 1 de mayo de 2009

Artes de calle

Ya que este es un fin de semana festivo, os proponemos una actividad propia de un día de fiesta, al aire libre y en familia. La Compañía Sergi Buka nos ofrece Magikissim dentro del programa Artes de calle organizado por Caixa Forum Madrid. Se trata de un espectáculo escénico dirigido a familias y niños que se enmarca dentro de un clima mágico creando una atmósfera misteriosa para el público. Tendrá lugar mañana sábado 2 de mayo a las 13 horas en Caixa Forum Madrid (Paseo del Prado, 36 - Madrid).

La actividad es gratuita y para todos los públicos.

 Artes de calle, CaixaForum, Madrid, Sergi Buka
 

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jueves, 30 de abril de 2009

"Contemporánea", tienda on-line de arte contemporáneo

Acaba de inaugurarse Contemporánea, la tienda on-line de arte contemporáneo. Ahora ya podemos comprar arte desde nuestra propia casa y con un solo click. Más de 150 productos de 50 artistas internacionales como Shepard Fairey (OBEY), Larry Clark, KAWS, Ryan McGuinness, Barry McGee, Terry Richardson, Raymond Pettibon, Fernando Elvira, Thomas Campbell, David Choe, Pepa Prieto, Masbedo, Ed Templeton, entre muchos otros.

En Contemporánea están representadas y disponibles todas las posibles manifestaciones artísticas: Plástica, Fotografía, Escultura, Ediciones limitadas de obra gráfica, Objetos, Diseño, Libros, Cd's, DVD's, Toys y mucho más. Como en cualquier otra tienda, disponen de sección de ofertas y mensualmente se incorporan novedades.

Toda la información en www.contemporanea.org.

 Contemporánea, arte contemporáneo, tienda online
 

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martes, 28 de abril de 2009

José Lourenço: "Urban Anamorphosis"

La Galería My Name’s Lolita Art Madrid (C/ Almadén, 12 - Madrid) ha inaugurado recientemente Urban Anamorphosis, la nueva exposición del artista José Lourenço.

Los nuevos escenarios conceptuales del mundo contemporáneo transforman los espacios en lugares artificiales, sintéticos, asépticos, construidos para acoger grandes concentraciones de personas y así decidir su distribución y ordenación, modulando e instrumentalizando los comportamientos.

En esta nueva serie de trabajos, José Lourenço (Lisboa, 1975) muestra vistas en perspectiva de interiores de espacios urbanos, desenvueltos en composiciones donde el carácter enigmático de la imagen duplicada como resultado del uso de espejos, implica una tensión visual. Esta imagen de “resonancia y semejanza”, utilizando la terminología de Walter Benjamin, conduce directamente a la diatriba entre la imagen original y su doble.

La dureza de las líneas, que dibujan unos interiores de ángulos cortantes y la utilización de una luz nítida, refuerzan la idea de masa abstracta de la obra, creando un efecto de perturbadora soledad y frialdad, acentuando el carácter aséptico y mecánico de estos espacios que automatizan los movimientos humanos.

El artista casi sustrae la tridimensionalidad propia de las estructuras arquitectónicas, convirtiéndolas en superficies planas, revelando así un artificio que provoca, a su vez, una cierta tensión abstracta en la pintura; expresada a través de notas cromáticas, planos convexos y por el dramatismo de las extensas líneas sinuosas de la naturaleza arquitectónica. Esta alteración en el campo formal de la obra de José Lourenço se debe al gusto por las soluciones arquitectónicas estructuradas complejamente y que se desdoblan en dinámicas geometrías de revolución, hiperbólicas y parabólicas.

Con la utilización de manchas planas de color, ritmos y efectos de superficie, José Lourenço reduce el paisaje urbano a lo esencial, recurriendo a la fotografía como método de conocimiento y análisis visual de la realidad.
José Lourenço muestra en sus pinturas espacios minimalistas, despojados de cualquier referencia, donde lo importante es el silencio y la reflexión sobre nuestro papel como habitantes de arquitecturas. Con una dilatada experiencia en exposiciones tanto en su Portugal natal como en España, la obra de Jose Lourenço se encuentra en colecciones de relevancia como la PMLJ de Lisboa o el Barclays Bank así como en museos como el MACUF y el Museo de Bellas Artes de Santander.

 José Lourenço, Urban Anamorphosis, My Name’s Lolita Art Madrid
 

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lunes, 27 de abril de 2009

Agitadoras

Ya está en la red el Nº 1 de la revista Agitadoras. Este mes su nómina de autores es la siguiente: Lalo Borja, Ángela Mallén, Mada Alderete, Jan Hamminga, Juana Cortés, Eva Pearson, Román Piña, Inma Luna, Juan Lloréns, Gilda Manso, Agustín Fernández Mallo, Eva San Martín, Rafael Reig, Julia Otxoa, Joaquín Lloréns, Jesús Aller, Ana Márquez, Tito Expósito, Roger Gascón, Marta Rivera de la Cruz, Inés Matute, Luis Arturo Hernández, Gabriel Rodríguez y David Torres.

Agitadoras.com es una revista virtual de literatura, música y creación alternativa; un artefacto cultural que apuesta por la opinión libre, la falta de prejuicios y el universo outsider, sin descuidar por ello la calidad y el interés de sus propuestas. La subversión Cooltural ya está aquí.

 Agitadoras, Revista cultural
 

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jueves, 23 de abril de 2009

macc - Mercado Atlántico de Creación Contemporánea

El Auditorio de Tenerife acogerá durante los días 23, 24 y 25 de abril la primera edición de macc, un encuentro profesional que centra su mirada en la innovación cultural, los procesos creativos y la investigación artística con el objetivo de promover el desarrollo a partir de la creación artística.

macc es el resultado de una reflexión compartida sobre el papel que realizan los mercados culturales, su contribución al desarrollo de la industria, sus oportunidades y sus déficit. También parte de la convicción de que los procesos creativos que se desarrollan en el ámbito de la industria cultural tienen aplicaciones fuera de ella: nuevas estructuras organizativas de trabajo en red, métodos de aprendizaje innovadores en el ámbito socioeducativo, creación colectiva de un nuevo producto, etc.

Por todo ello, macc nace como un mercado cultural en I+D+I, al servicio de la idea, del talento emergente y de las nuevas sensibilidades sociales que en materia cultural toman cuerpo en pleno siglo XXI. Este innovador mercado representa, en definitiva, la cara visible de un proyecto más amplio de investigación, documentación y puesta en común de los nuevos procesos de creación artística.

macc, con su vocación multidisciplinar, contribuye a la relación entre la creación artística, la economía y la empresa creando un espacio para la difusión y el intercambio de ideas y procesos de trabajo entre sus agentes y operadores.

macc es un laboratorio para la exposición del riesgo, la innovación y la sorpresa que reúne a creadores, artistas, financieros, productores, agentes institucionales y de la empresa privada, interesados en el desarrollo de proyectos e ideas innovadoras en el ámbito de la cultura.

Toda la programación en www.maccatlantic.org

 macc, creación contemporánea, Auditorio de Tenerife
 

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lunes, 20 de abril de 2009

La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce

El Museo del Prado presenta por primera vez en España una selección de pintura inglesa del siglo XIX procedente del Museo de Arte de Ponce. Bajo el título “La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce”, esta exposición ofrece al público español una ocasión única para contemplar lienzos tan célebres como Sol ardiente de junio de Frederic Leighton o la monumental obra maestra de Edward Coley Burne-Jones, El sueño del rey Arturo en Avalón.

La exposición, patrocinada por BBVA y organizada gracias a la generosidad del Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico (coincidiendo con el cierre por renovación y expansión de sus instalaciones), contribuirá a paliar temporalmente la escasez, por razones históricas, de pintura británica en las colecciones del Prado y en el conjunto de las colecciones españolas.

La muestra está compuesta por 17 obras - 10 pinturas y 7 estudios sobre papel- que proporcionarán al público la oportunidad de familiarizarse con la pintura inglesa del siglo XIX y, al mismo tiempo, dar a conocer una parte destacada de la colección del museo puertorriqueño.

Dos de las obras más importantes de la muestra, El sueño del rey Arturo en Avalón y Sol ardiente de junio, han llegado a Madrid procedentes de Londres, donde se han exhibido como parte de una colaboración entre el Museo de Arte de Ponce y la Tate Britain. La selección incluye, además de las citadas, obras de artistas como John E. Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Thomas Seddon (1821-1856) y William Holman Hunt (1827-1910) pertenecientes a distintas etapas de la Hermandad Prerrafaelita, movimiento surgido en 1848 cuyo objetivo inicial era reformar la pintura inglesa contemporánea -regida por las líneas conservadoras establecidas por la Royal Academy- basándose en una nueva visión de la naturaleza y en la búsqueda de la inocencia estética de los pintores del primer Renacimiento.

La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce
Museo Nacional del Prado. Madrid
Hasta el 31 de mayo de 2009

 La bella durmiente, pintura victoriana, Museo de Arte de Ponce, Museo del Prado
 

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viernes, 17 de abril de 2009

José María Mellado: "Islandia"

La galería sevillana de arte contemporáneo Full_Art inaugura mañana sábado 18 de mayo la última exposición de José María Mellado, que lleva como título Islandia.

José María Mellado (Almería, 1966) está considerado como uno de los mayores expertos del país en fotografía digital. Su dominio de la técnica le ha ayudad a desarrollar un lenguaje personal donde el control de la luz y el color toman un especial protagonismo y otorgan a sus fotografías una calidad singular. La búsqueda apasionada de la belleza en lo aparentemente vulgar, anodino o decadente es otra de las claves que conforma el discurso de este artista.

En su afán por conseguir transmitir al espectador las sensaciones vividas en el momento de la toma con la mayor complejidad y fidelidad posibles, Mellado ha investigado en profundidad durante los últimos años las técnicas digitales de captura, tratamiento y salida. La cuidada elección de los soportes y la técnica de copiado permite que en sus obras se disuelva la delgada línea que separa fotografía y pintura hiperrealista.

La serie que presenta para esta exposición son sus últimos trabajos de paisajes realizados en Islandia. Una estupenda ocasión para volver a disfrutar con la obra de Mellado, un verdadero maestro de la luz y del color que sabe manejar como nadie los elementos de la naturaleza en sus fotografías, cuya belleza y profundidad son capaces de superar a la de los escenarios reales que le sirven como modelo. Merece la pena comprobar cómo Mellado consigue mostrar al espectador todo lo hermoso que puede contener un paisaje y que sin su ayuda no hubiéramos ni siquiera imaginado.

Su trabajo ha sido premiado en más de un centenar de ocasiones y sus obras figuran en importantes museos y colecciones, participando de forma regular en algunas de las ferias de arte más destacadas a nivel nacional e internacional.

Inauguración: Sábado 18 de mayo de 2009 - 12:30 horas
Hasta el 30 de mayo de 2009

 José María Mellado, Islandia, Full Art, fotografía, Sevilla
 

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jueves, 16 de abril de 2009

José Pedro Croft

Hoy, jueves 16 de abril de 2009, tendrá lugar en la Galería de Arte Ana Vilaseco la inauguración de la exposición Gravura, del artista José Pedro Croft (Oporto, 1957), considerado como uno de los más importantes representantes del arte portugués contemporáneo, con una obra centrada principalmente en el dibujo y la escultura.

La obra de José Pedro Croft está presente en importantes colecciones portuguesas y españolas entre las que se cuentan la Fundación Calouste Gulbenkian, la Fundación Serralves, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia y Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz, entre otras.

Gravura - José Pedro Croft
Galería Ana Vilaseco - C/ Padre Feijoó, 5, 1º - 15004 A Coruña
Del 16 de abril al 30 de mayo de 2009

 José Pedro Croft, Gravura, galería Ana Vilaseco
 

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miércoles, 15 de abril de 2009

Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid

La XVIII edición del Festival Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, creará por tercera vez en Madrid un espacio de descubrimiento y de reflexión en torno al nuevo cine y el arte contemporáneo. Esta edición tendrá como sede algunos de los lugares más prestigiosos del circuito artístico madrileño: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Auditorio del Ministerio de Cultura, el CA2M -Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, la Filmoteca Española y el Edificio de Tabacalera -futuro Centro Nacional de las Artes Visuales, gracias al patrocinio del Ministerio de Cultura y la Comunidad de Madrid.

Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, constituyen una manifestación única en Europa gracias a los lazos que crean entre tres de las principales capitales europeas, proponiendo una original apertura hacia las distintas prácticas audiovisuales contemporáneas. Cine de autor, documental de creación, vídeo arte e instalación multimedia forman la propuesta de Les Rencontres Internationales, fruto de un largo trabajo de investigación (se han recibido alrededor de 6.500 propuestas) y se ha invitado a participar a numerosos artistas, figuras clave del cine y el arte contemporáneo. Esta edición excepcional propone una programación internacional inédita que reúne 200 obras provenientes de España, Francia, Alemania y de otros 60 países. La mayoría de estas obras se presentarán en Madrid por primera vez, y contaremos con la presencia de sus autores (alrededor de 150 artistas y directores invitados). La programación cuenta con treinta proyecciones, una exposición vídeo y multimedia hasta el 16 de mayo, así como un ciclo de mesas redondas.

Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid
Madrid, del 16 al 25 de abril de 2009

 Rencontres Internationales, Paris Berlín Madrid, Cine
 

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viernes, 3 de abril de 2009

La literatura imaginada

La exposición La literatura imaginada: Escenas en miniatura sobre libros y narraciones ha sido inaugurada recientemente en la Sala Borbón Lorenzana de la Biblioteca de Castilla La Mancha del Alcázar de Toledo. Esta curiosa exposición, única en España, inicia un recorrido por toda la geografía española desde esta ciudad castellana.

En ella, los mejores miniaturistas españoles han recreado más de 40 escenas en miniatura de su particular visión del mundo del libro y la literatura. Librerías, bibliotecas, talleres de encuadernación, recreaciones de cuentos y novelas… que nos transportan a un mundo diminuto, lleno de encanto y magia.

Comisariada por la periodista, experta en libros y también miniaturista Susana López del Toro (propietaria de las colecciones de libros en miniatura y libros pop up que se muestran desde hace 2 años en dos exposiciones: La Biblioteca de Liliput y Libros en Movimiento), los artesanos que participan en este proyecto recrean una muestra didáctica, lúdica, original y, sobre todo, espectacular.

Itinerario: Biblioteca de Castilla La Mancha, Toledo: Hasta el 18 de abril
Biblioteca Provincial de Cádiz, del 23 de abril al 23 de mayo
Teatro Provincial de Burgos: del 28 de mayo al 30 de junio
Madrid, Ciudad Real, Valladolid, Zaragoza, Granada, Oviedo...

Para más información: http://escenasliterarias.blogspot.com

 literatura imaginada, miniaturas, libros, exposición
 

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miércoles, 1 de abril de 2009

Sara Chamón

La artista Sara Chamón acaba de publicar In-finitum, un libro de edición limitada compuesto por la obra pictórica más reciente de la autora entremezclada con textos originales escritos en castellano, francés e inglés.

La obra pictórica y narrativa de Chamón consigue evocar fuertes y diferentes emociones en quien la contempla. Su variedad de temas la hace siempre diferente, aunque manteniendo esa personalidad que caracteriza a toda su obra. Ternura y dureza, ingenuidad y picardía, amor y dolor se entremezclan con una sensible e inteligente utilización del trazo y los colores.

Vivo encerrada en el cuerpo y, cuando me asomo, me es imposible ignorar ese triste trocito de niebla densa y azul que, enganchado en las ramas secas de los árboles de noviembre, me pregunta:
“¿Entiendes?”
Descubro entonces, lejos de todo impulso, ajena a todo estímulo, indiferente a todo reflejo, entre las luces que me guían hacia ese puñado de nubes arrancado del cielo, una estrella que resplandece sobre mi purgatorio y me ciega con su brillante elocuencia:
“¡Sí, entiendo!”
¿Quién puso semejante astro en mi camino? No lo sé… pero, si entiendo, podré algún día deshacer, con la magia de un parpadeo, esa niebla oscura que me interpela, esa opaca vocecita que murmura a mi oído:
“¿Entiendes?”
Y así, ya nunca más asomarme a la vida.

 Sara Chamón, In-finitum, pintura, literatura
 

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viernes, 27 de marzo de 2009

Webcómics infantiles

Los niños son el futuro...
Los webcómics son el futuro...
¿Qué webcómics leen los niños?

Aunque la mayoría de los autores y lectores de cómics nos iniciamos desde pequeños leyendo los títulos que nos compraban nuestros padres -clásicos tales como Ásterix y Óbelix, Tin tín, La pequeña Lulú, Archie, Memín Pinguín, Barbie, Pato Donald, Mortadelo y Filemón, Mafalda, etc.- resalta la escasez de webcómics dirigidos a los niños. Lógicamente, es difícil competir contra contenidos digitales visualmente más poderosos e interactivos como los videojuegos; asimismo, es normal que los autores aprovechen la libertad creativa que nos ofrece la red para tratar temas adultos sin censura. Sin embargo, esto menoscaba la posibilidad de enganchar las nuevas generaciones a la lectura de cómics en línea. Los webcómics aptos para niños y por ende, para todo público, siempre serán bienvenidos. Citando al escritor Oscar Hernández, Un buen libro para niños es un buen libro para adultos.

Un gran ejemplo de un webcómic que es disfrutado por público de todas las edades y se ha mantenido gracias a su encanto infantil, es Count your sheep, del mexicano Adrián Ramos. Aunque constantemente hace referencias sociopolíticas y de cultura pop, logra conservar un humor familiar e inocente. También del mismo autor, dos tiras infantiles: The wisdom of Moo y No room for Magic. Todas en inglés, lo cual puede usarse como incentivo en el aprendizaje del idioma de Shakespeare.

Entre los webcómics en español hay unas cuantas joyas escondidas; de España son Alicia la nutria (aún vigente en su versión en inglés, Alice Otter), así como el inconcluso José y Philipe, que presenta otra pareja en la tradición de Calvin y Hobbes: un niño y su mosca. Tiras dulces y delicadas, tanto visual como narrativamente. A pesar de estar discontinuadas, siguen disponibles en línea para el disfrute de todo público.

De más reciente creación es Nymphs (Ninfas) por Fadri. Las cómicas aventuras de Water (agua), Wind (viento), Fire (fuego) y Earth (tierra), ninfas de los elementos, que está iniciando su primer cuento en línea, totalmente gratis.

Del autor mexicano Augusto, llegan dos webcómics infantiles con gran potencial: Star's Cowboy, las surrealistas aventuras de un niño vaquero del espacio, con una estética cartoon y un humor sencillo, mas no simple.

Jaguar de la ciudad es una historia cómica con un trasfondo dramático, involucrando a personajes de la mitología azteca que son transportados hacia el futuro, enfrentándolos con el estilo de vida del México contemporáneo.

Existen webcómics protagonizados por niños, tales como Clickina, Take over the world y Planeta Buba, mas sus temáticas son orientadas al público adulto, así que no deben confundirse como material iniciativo para los más pequeños. Este artículo es una invitación abierta a los autores de webcómic para crear viñetas, ¡para ese niño que todos llevamos dentro!

Beatriz Torres, mejor conocida en la red como ziRta, es ilustradora y autora de los webcómics Hilando el Destino y Oseano, donde ha publicado algunas tiras para niños y planea dibujar más. Es fundadora de la comunidad WEE: Webcómics en español.

 webcómics infantiles, niños, Beatriz Torres, ziRta, Dosdoce
 

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sábado, 21 de marzo de 2009

Los espacios del cine: De la feria al museo

En años recientes se ha venido consolidando un nuevo género audiovisual que distintos autores denominan “cine expandido”, “cine de exposición”, “cine en los museos”, “casi cine”, etc. Se trata de un cambio de topos por lo que a la recepción de las prácticas fílmicas se refiere: de la caja negra al cubo blanco. Sin embargo, esta tendencia, a la que coadyuvan distintos condicionantes (desde los más circunstanciales, ligados por ejemplo a la eclosión de nuevos centros de arte contemporáneo y a las dificultades que las consideraciones patrimoniales imponen a la producción de exposiciones tradicionales, hasta factores más creativos) no ha sido acompañada por su necesaria evaluación crítica.

La idea de promocionar un “cine de exposición” se erige a partir de una realidad que no lo implicaba. Pero existe toda una genealogía que habría que estudiar para conocer los efectos de sentido derivados de unos y otros canales de distribución. Además, esa genealogía específica, que tendrá que contar con las aportaciones históricas del vídeo y, antes, del cine vanguardista y experimental, se inscribe en una historia más general de la construcción del espectador del audiovisual.

El curso De la feria al Museo aborda precisamente las distintas topologías de la imagen-tiempo que se han sucedido desde su irrupción hasta la actualidad. Y ello desde la perspectiva del análisis fílmico, que pensamos que es la mejor situada para valorar los distintos sujetos que cada una de ellas ha producido. Se trata de un objeto de estudio bastante inédito, pero que cuenta ya con algunos ensayos de aproximación. Entre éstos cabe destacar los realizados por Jesús González Requena, principalmente en el capítulo “Elementos para una teoría del espectáculo” de su obra El discurso televisivo: Espectáculo de la posmodernidad (1988). Desde entonces no ha dejado de ocuparse del asunto, pero hasta ahora no lo había acometido sistemáticamente.

A grandes rasgos, cabe hablar de una tipología con cuatro variantes topológicas:

– el modo de representación primitivo, ligado al modelo carnavalesco
– el orden de representación clásico, ligado al modelo de la escena a la italiana
– la televisión, ligada al modelo de la escena fantasma
–y el “cine expandido”, heredero de la experimentación vanguardista
Jesús González Requena desarrollará las tres primeras, y Juan Zapater la cuarta.

Sesiones

24 de marzo: Del espacio carnavalesco al espacio clásico.
Jesús González Requena (Catedrático de Comunicación Audiovisual de la Facultad de Ciencias de la Información, Universidad Complutense de Madrid.)
25 de marzo: Del espacio clásico al espacio carnavalesco.
Jesús González Requena
26 de marzo: El día que el cine llegó al museo.
Juan Zapater (Investigador de cine y adjunto a la dirección de la Fundación Huarte Buldain).

Los espacios del cine: De la feria al museo
24, 25 y 26 de marzo. De 18.30 a 21.00 h.
Cendeac - Murcia

Toda la información sobre el curso en la web de CENDEAC (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo)

 De la feria al museo, cine, exposición, Cendeac
 

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viernes, 20 de marzo de 2009

"Retratos", de Jorge Ontalba

El próximo 26 de marzo se inaugurará "Retratos", la nueva exposición fotográfica de Jorge Ontalba, en la Sala de Exposiciones Latinarte (Avda. General Fanjul nº2 - Madrid), aunque la exposición podrá ser visitada desde el 19 de Marzo al 2 de Abril de 2009 de lunes a viernes de 10 a 13 horas y de 17 a 21 horas.

En esta exposición se muestran 24 retratos realizados a: Antonio Vega, Fernando Sánchez-Dragó, Antonio Gasset, Tony Marmota, Txus di Fellatio, Carlos Saura, Sabino Méndez, Carlos Segarra, Álvaro Pombo, Antonio Mercero, Nacho Campillo, Martirio, Antonio Gala, Fernando Colomo, Javier Andréu, Ambite, Thomas Canet, Javier Esteban, Manolo Rock, María Giménez, Alfonso Ferrer, Javier Campillo, Elenita y Moncho Borrajo.

 Jorge Ontalba, Retratos, fotografía, Latinarte
 

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jueves, 19 de marzo de 2009

Macroescultura de Alicia Martín en Córdoba

La artista Alicia Martín comenzará a construir hoy una macroescultura de libros titulada ‘Biografías’, que estará ubicada en el Molino de San Antonio (Córdoba), junto al Puente Romano. La escultura se inaugurará oficialmente mañana viernes 20 a las 18.00. En el lugar de la obra, la autora explicará hoy a los medios de comunicación el proceso de construcción de la macroescultura, que estará formada por más de 5.000 libros.

Esta actuación, que se inscribe dentro del ciclo ‘Cosmoarte’ de Cosmopoética, pretende ser un homenaje a la poesía a través del libro, contenedor de poemas. Se trata de la segunda obra de similares características que Alicia Martín realiza en España, tras el enorme éxito cosechado por la obra que construyó en el Palacio de Linares, sede de la Casa de América de Madrid, en la céntrica plaza de Cibeles. La artista madrileña, nacida en 1964, utiliza el libro como eje de su trabajo.

Cosmopoética, organizada por la Oficina de la Capitalidad Cultural del Ayuntamiento de Córdoba, forma parte de En Clave 16, un programa de actividades culturales promovidas por la Fundación Córdoba Ciudad Cultural durante 2009.

 Alicia Martín, Biografías, escultura, Códoba, Cosmopoética
 

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miércoles, 18 de marzo de 2009

Arte y Mercado

Los próximos 24, 25 y 26 de marzo de 2009 tendrá lugar el seminario "Arte y Mercado", organizado por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en colaboración con la Fundación Cajasol y la Universidad de Sevilla.

Los valores mercantiles y la ética del mercado han ido ganando influencia en la esfera de las artes visuales desde la década de los años ochenta. Algunos artistas son capaces hoy de controlar las subastas o de dirigir los destinos de las galerías de arte. Incluso se discute sobre las consecuencias irreversibles que habrían causado en las instituciones públicas encargadas de la gestión del mundo del arte y de la mediación cultural el impacto de un supuesto asalto empresarial. ¿Es cierto que el mejor arte es el más caro porque el mercado es inteligente? ¿No es verdad que el mundo del arte es una forma de expresión de la ideología económica? Este seminario reúne a estudiosos y profesionales del mercado del arte contemporáneo para que compartan las claves que definen ferias, subastas y galerías en la era de las industrias culturales.

Fecha: 24, 25 y 26 de marzo de 2009
Horario: De 19:00 a 21:30 horas
Lugar: Fundación Cajasol (calle Laraña, 4, Sevilla)
Contacto: cursos.caac@juntadeandalucia.es / Tlf: 955037083-7103
Participantes: Ana Sokoloff (asesora en compra de obras de arte, Nueva York), Antonio Cáceres (Director del Centro Cultural Cajasol), Pepe Cobo (Galería Pepe Cobo, Madrid), Julio Criado (Galería Full Art, Sevilla), Juana de Aizpuru (Galería Juana de Aizpuru, Madrid), Lola Garrido (coleccionista y crítica de arte, Madrid) y Rafael Ortiz (Galería Rafael Ortiz, Sevilla), entre otros.

Preinscripción necesaria para aquellas personas interesadas en obtener un certificado de asistencia o un crédito de libre configuración de la Universidad de Sevilla (bases preinscripción).

 Arte y Mercado, industria cultural, CAAC, Sevilla
 

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lunes, 16 de marzo de 2009

María Lezón

La galería Tribeca inauguró hace unos días "Los peligros de la maternidad", la más reciente exposición de la artista María Lezón.

María Lezón crece y se educa en el País Vasco Español. Licenciada con Matricula de Honor en Bellas Artes por la Universidad de Saskatchewan, en Saskatoon, Canadá. Desde 1995 María ha continuado formándose en las artes con historia del arte y talleres a nivel universitario y de post graduado tanto en Canadá como en España.

"Los peligros de la maternidad"
Galería Tribeca - C/ Moratín, 7. Madrid.
Hasta el 28 de marzo de 2009

 María Lezón, galería Tribeca, los peligros de la maternidad, Madrid
 

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viernes, 13 de marzo de 2009

"La Pantalla del Arte" en el Museo Würth La Rioja

Mañana sábado 14 de marzo, a partir de las 19:30h., se inicia la segunda edición del ciclo de cine La Pantalla del Arte en el Museo Würth La Rioja con la proyección de "El arca rusa", de Alexandr Sokurov, largometraje de 2002 de producción germano-rusa, cuya presentación correrá a cargo de Bernardo Sánchez, coordinador de la iniciativa y que cuenta con la participación en los debates de reconocidos amantes del séptimo arte.

En el marco de la exposición dedicada al Nobel Gao Xingjian, que lleva por título Después del Diluvio, La Pantalla del Arte tiene como hilo conductor los directores que, como Gao Xingjian, sea por motivos políticos o profesionales, han dirigido sus películas lejos de sus países de origen.

El ciclo reúne además filmes de los realizadores Luis Buñuel y Wong Kar Wai, correspondiendo la clausura del sábado 4 de abril al mítico título Metrópolis, de Fritz Lang, que se presenta en formato de cine-concierto, con la actuación de la Ensemble de Arsénio Martins.

Todas las películas de este ciclo se proyectarán en formato DVD y en V.O. subtitulada. La entrada es libre aunque el aforo es limitado, por lo que es necesario realizar una reserva previa llamando al teléfono del Museo Würth La Rioja: 941010410. Igualmente, habrá un servicio de autobús gratuito desde Logroño con reserva previa de plaza al mismo teléfono.

Ciclo de Cine: La Pantalla del Arte, 2ª Edición
Sábados, 19:30h
Días 14, 21 y 28 de marzo y 4 de abril
Entrada libre y autobús gratuito desde Logroño
Reservas: 941 010 410

 La Pantalla del Arte, cine, Museo Würth La Rioja
 

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viernes, 6 de marzo de 2009

Eric White + Gómez Bueno

Iguapop Gallery acoge, hasta el 21 de marzo de 2009, la exposición doble Eric White + Gómez Bueno.

Eric White. "Eclecticismo: virtud o defecto"

Hablar de la obra de Eric White es adentrarse en el paraíso artificial de las apariencias. Combinando planos irracionales, manipulando colores y formas y a través de una visión poliédrica, crea un mundo onírico donde los cánones se distorsionan. La armonía y la belleza se baten en duelo con la paranoia, la nostalgia y el horror. Como salidos del Hollywood de los años 40, inmersos en escenas que podrían bien ser una suerte de cruce contemporáneo entre Hopper y Magritte, sus personajes se presentan como espectros en ambientes misteriosos, induciendo a la psicosis del espectador.

Sus perturbadoras imágenes nos ubican en un plano metafísico, en aquello que existe más allá de la percepción. Una mezcla meticulosa de hiperrealismo y surrealismo con una impecable factura pictórica para construir sus sueños oscuros.

Eric White es uno de los artistas más destacados del movimiento pop surrealista, pese a que su obra se desmarca de una concepción más ilustrativa. Ha expuesto en numerosas galerías a nivel internacional y museos como The American Visionary Art Museum en Baltimore, Gracie Mansion en New York, La Luz de Jesús, Robert Berman y Track 16 en Los Angeles y Moda Politica in Tokio.

Su obra forma parte de las colecciones privadas de artistas como Leonardo DiCaprio, Al Pacino, David Arquette y Courteney Cox.

Gómez Bueno. "Películas y musicales de los Estudios Gómez Bueno"

La obra de Gómez Bueno se inscribe en la línea más irónica e irreverente que el arte pop puede representar. Las películas imaginadas por Gómez presentan a personajes inocentes y perversos a la vez, satirizando la actualidad, dando el papel protagonista a un inerte chorizo ibérico o convirtiendo al internacionalmente conocido "Snoopy" en un perro drogodependiente.

Sus carteles tratados con humor destacan por su apurada técnica y sus colores encendidos y brillantes. Rompiendo barreras, ha experimentado las posibilidades expositivas de espacios reservados a la publicidad, de automóviles, tablas de surf… otorgando así a todo el viandante la posibilidad de poder disfrutar de su arte.
La obra de este cántabro afincado en Los Ángeles ha dado la vuelta al mundo, ha creado proyectos de gran envergadura a ambos lados del "charco", ha sido reconocida por premios como el David K. Parker Award y sigue divirtiendo a todo aquel que se acerca a contemplarla.

IguapopGallery - Comerç,15. 08003 Barcelona
Hasta el 21 de marzo de 2009

 Eric White, Gómez Bueno, Iguapop Gallery
 

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jueves, 5 de marzo de 2009

Alberto Reguera: "Campo de visión"

Hoy, jueves 5 de marzo, la Galería Antonio Machón inaugura Campo de visión, la nueva exposición del artista Alberto Reguera.

Joselina Cruz, crítica de arte que ha realizado el texto del catálogo, dice en el mismo: "Mientras los practicantes del Land art y Earth art aspiraban a crear entornos –arte paisajístico sobre la misma tierra- fuera del espacio de la galería, Reguera hace exactamente lo contrario. Sus pinturas paisajísticas abstractas se instalan en el suelo de la galería. Los espacios por los que paseamos son mini espacios. Pero sus incursiones pictóricas intentan por todos los medios ampliar el horizonte del ojo de la mente, como si se tratase de un único lienzo, el único que aspira a envolver su entorno inmediato.

En esta muestra, uno puede observar cómo el artista intenta subsumir el espacio que rodea al lienzo. Si hubiese que distinguir esta exposición de anteriores muestras, los cuadros adquieren una forma tridimensional más decisiva y sólida. Mientras que en anteriores trabajos seguía una línea más convencional con los cuadros verticalmente colocados sobre el suelo, Reguera ha creado un soporte más sólido y grueso (el objeto no llega a ser un cubo, pero bastante más voluminoso que una lámina) creando pinturas para ser vistas en un recorrido. Si decidimos darnos la vuelta, otra escapada pictórica nos aguarda. Porque uno entra físicamente en los paisajes de Reguera, en un paseo por el campo visual. El artista expande el significado de un cuadro paisajístico en el propio paisaje, desmoronando las divergentes tendencias históricas y convirtiéndolas en una única y entrelazada expresión: instalación".

Alberto Reguera: "Campo de visión"
Galería Antonio Machón - Conde de Xiquena, 8. Madrid
Del 5 de marzo al 11 de abril de 2009

 Alberto Reguera, Campo de visión, Galería Antonio Machón
 

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miércoles, 4 de marzo de 2009

5º Aniversario del Portal Cultural Dosdoce.com

Dosdoce.com cumple hoy su quinto aniversario en la Red. Desde su inicio, el objetivo de este proyecto ha sido animar a las entidades del sector cultural (editoriales, librerías, bibliotecas, museos, fundaciones, etc.) a utilizar las nuevas tecnologías sociales (blogs, wikis, podcasts, redes sociales, etc.) y a entender mejor las implicaciones y beneficios derivados de su utilización en sus estrategias de comunicación y marketing cultural.

Creemos que nuestra mayor aportación al sector cultural radica en la publicación anual de nuestros estudios sobre tendencias Web 2.0, que pueden descargarse gratuitamente desde nuestro portal bajo licencias Copyleft. A lo largo de estos años hemos elaborado cinco estudios sobre el uso de las nuevas tecnologías en diferentes ámbitos del sector cultural. En noviembre de 2005 publicamos nuestro primer estudio: “El papel de la comunicación en la promoción del libro”. En 2006 publicamos dos nuevos estudios: “El uso de las tecnologías Web 2.0 en entidades culturales” y “Los retos de las editoriales independientes”. En octubre de 2007 publicamos el estudio “Tendencias Web 2.0 en el sector editorial”. En octubre de 2008, conjuntamente con la red social Ediciona, publicamos el estudio “La digitalización del libro en España”. Todos estos informes tienen un enfoque divulgativo y están especialmente dirigidos a aquellos responsables de comunicación y gestores culturales con escaso conocimiento sobre estas nuevas herramientas pero con mucho interés en conocer los beneficios derivados de su aplicación en sus entidades.

A raíz de la publicación de estos estudios, y de nuestra filosofía de compartir abiertamente nuestro conocimiento, hemos colaborado en proyectos de formación y definición de estrategias de comunicación online para entidades como la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, Gremio de Editores de Cataluña, Alfaguara, Editorial SM, Universidad de Alcalá de Henares, Ibercaja, Fundación BBK, Grupo Planeta, Random House Mondadori, Junta de Andalucía, Fundación Alonso Quijano, Grupo Anaya, entre otras.

Durante estos años hemos lanzado varias iniciativas que han complementado la oferta de servicios y contenidos de Dosdoce.com. En 2006 pusimos en marcha un blog temático, www.comunicacion-cultural.com, con el que establecer un diálogo permanente entre personas interesadas en las noticias relacionadas con el mundo del arte, teatro, música, cine y literatura. A principios de 2007 lanzamos una herramienta que agrupa a los 50 blogs más relevantes especializados en el mundo del libro. Posteriormente pusimos en marcha la web social Culturizame.net, donde los usuarios pueden opinar, compartir o valorar cualquier información publicada en la Red sobre un determinado libro, disco, película de cine/TV, exposición, obra de teatro, concierto o noticia cultural.

“A lo largo de estos cinco años hemos compartido conocimiento y opiniones con mucha gente muy interesante, hemos formado a centenares de editores y gestores culturales, pero sobre todo tenemos la satisfacción de ver cómo una idea, un pequeño proyecto, va creciendo y consolidándose”, declaró Javier Celaya, socio fundador de Dosdoce.com y vicepresidente de la Asociación de Revistas Digitales de España (ARDE).

El equipo de Dosdoce.com quiere aprovechar esta ocasión para agradecer el interés y seguimiento de nuestros lectores.

 Dosdoce.com, aniversario, comunicación, nuevas tecnologías, sector cultural
 

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miércoles, 25 de febrero de 2009

Carlos Salazar Arenas

La Galería Fernando Pradilla inaugura mañana jueves 26 de febrero la exposición individual “Lugar Común” del artista colombiano Carlos Salazar Arenas (Bogotá, 1973). Con esta segunda individual en Madrid, Salazar Arenas aborda desde las manifestaciones populares de las sociedades contemporáneas, la posibilidad de dar testimonio de un entorno visual que forma parte de un imaginario colectivo, producto de los referentes visuales sacados de imágenes mediáticas de amplio reconocimiento.

Como reportero preocupado por dar cuenta de la realidad que le circunda, Salazar Arenas ha aprendido a mirar de forma exacta y precisa, adentrándose en temáticas que dibujan la realidad cotidiana: el narcotráfico, con sus imágenes de capturados expuestos públicamente; el desempleo; plasmado en esas interminables colas de personas que aguardan sin esperanza; los embotellamientos, los disturbios, las manifestaciones reivindicativas, los actos terroristas de años recientes, las protestas de todo y por todo, en una sociedad desconcertada. La iconografía bélica (soldados en combate, fusilamientos, rescates, conflictos, enfrentamientos violentos, etc.) está presente en buena parte de su obra, hasta convertir el conflicto humano en algo normal a fuerza de convivir cotidianamente con él.

Salazar Arenas presenta estos acontecimientos valiéndose de las imágenes que recopila diariamente de diferentes medios de comunicación. Su trabajo recurre a la monocromía y la mancha, donde un solo valor tonal basta para recrear el contexto de la imagen referencial, logrando que confluyan contextos y personajes de manera orgánica. Su obra se contruye a partir de manchas que se van superponiendo hasta lograr pinturas que terminan siendo consecuentes con el contexto que las ha provocado. De esta manera nos devuelve a las víctimas, a los verdugos y al lugar de los hechos en protagonistas de una geografía estética, donde Salazar Arenas es consciente de su papel de narrador omnisciente de los sucesos.

Carlos Salazar Arenas es maestro en Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia, obtuvo la Beca “Promoe” intercambio Colombia España, otorgada por la Universidad Politécnica de Valencia, para adelantar estudios en la escuela de Bellas Artes de San Carlos. Salazar Arenas complementó sus estudios con formación en pedagogía en la Universidad Javeriana de Bogotá, y ha realizado varios seminarios de actualización docente y arte latinoamericano. Ha presentado su obra en exposiciones individuales en Colombia y España, y participado en innumerables ferias internacionales de arte, entre las que destacan ARCO (Madrid), ArtBo (Bogotá), SCOPE (Miami y New York), Art Palm Beach, MACO (México), ArteBa (Buenos Aires), TIAF (Toronto), entre otras. Su obra ha recogido premios y menciones en el XXIV Salón “Francisco Antonio Cano” de la Universidad Nacional de Colombia, en el Concurso Mural del Museo de Artes de la Universidad Nacional y en dos ediciones del Concurso Nacional de pintura organizado por el Banco Ganadero de Bogotá.

Galería Fernando Pradilla
C/ Claudio Coello, 20 - Madrid
Del 26 de febrero al 21 de marzo de 2009

 Carlos Salazar Arenas, Lugar Común, galería Fernando Pradilla
 

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miércoles, 18 de febrero de 2009

XVII Congreso de la FEAM

Entre el 13 y el 15 de marzo de 2009, la ciudad de Vigo acoge, por vez primera en la historia de la Federación Española de Amigos de los Museos, el Congreso Nacional de la FEAM, un evento que, además de sus características y objetivos específicos, servirá como instrumento de promoción de la ciudad y de su oferta cultural. El titulo de este año, en consonancia con el lema del ICOM en 2008, será ‘Museos, amigos e integración’, con la presentación de proyectos e iniciativas que pongan de manifiesto la importante participación de las Asociaciones de Amigos de Museos en programas dirigidos a nuevos colectivos como jóvenes, inmigrantes o grupos con dificultades especiales. El programa del Congreso incluye varias conferencias y mesas redondas durante las jornadas del viernes y sábado, además de visitas y recorridos culturales por Vigo, Pontevedra y Santiago de Compostela.

Organizan: FEAM (Federación Española de Amigos de los Museos) y Agrupación de Amigos del MARCO (Museo de Arte Contemporánea de Vigo)
Fechas: viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de marzo de 2009
Lugar: MARCO - Museo de Arte Contemporánea de Vigo

Información e inscripciones:
El plazo de inscripción finaliza el 11 de marzo de 2009. Las personas interesadas pueden obtener más información en la Federación Española de Amigos de los Museos (Tel.: 91 360 00 57) o a través de la web www.amigosdemuseos.com, donde están disponibles el boletín de inscripción y el programa completo del Congreso.

 FEAM, Amigos de los Museos, MARCO, Vigo, Congreso
 

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miércoles, 11 de febrero de 2009

Fotógrafos Artísticos

Desde Dosdoce y Comunicación Cultural queremos presentar un interesantísimo proyecto colectivo web de divulgación cultural de la fotografía. "Fotógrafos Artísticos" es un colectivo integrado por 16 artistas que nos presentan su primer fotolibro. Este libro en edición impresa está compuesto por 80 fotografias en color y b/n repartidas en 108 páginas en papel de 80 gramos a 18x18 cm.

La vista previa completa de todo el fotolibro puede realizarse desde este enlace a Fotógrafos Artísticos y puede comprarse en Blurb por 14,95 €. En su afán de hacer llegar el libro a la mayor cantidad de gente posible han decidido ponerlo a precio de coste, con lo que se pretende su divulgación sin perseguir ningún tipo de ganancia que pudiera generar su venta. Una estupenda y desinteresada iniciativa de un grupo de artistas de calidad indiscutible.

Los participantes son Al Betrayal, Alberto Ruíz López, Axelle Fossier, David de la Rosa, Eduardo Portela Jeremías, Gonzalo Jerez "El Selenita", Jordi Gual, Jorge Ontalba, Nacho Gabrielli. Quike Garcia, Tania Navas "Gala", Thomas Canet, Virgilio Núñez-Cacho Fuentes, Xavi Fuentes, Yanire Fernández "Yanyel" y Zoe López.

 Fotógrafos Artísticos, fotolibro, Jorge Ontalba
 

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miércoles, 28 de enero de 2009

El Ateneo de Madrid cumple 125 años

Por primera vez en su historia el Ateneo de Madrid celebra el próximo 30 de enero una Jornada de Puertas Abiertas, con visitas guiadas, coincidiendo con la conmemoración del 125 aniversario de la inauguración de su edificio histórico que tuvo lugar el 30 de enero de 1884 bajo la presidencia de Cánovas del Castillo y con asistencia de Sus Majestades los Reyes D. Alfonso XII y Dª Mª Cristina.

La Jornada de Puertas Abiertas, organizada con el ánimo de facilitar a todos los ciudadanos el conocimiento de una institución emblemática en la vida cultural española, ofrecerá al visitante la posibilidad de pasearse el día 30 de enero por el edificio modernista que hoy alberga su sede social, obra de los arquitectos Enrique Fort y Luis Landecho, contemplar las valiosísimas pinturas de estilo neogriego de Arturo Mélida en el Salón de Actos y la Sala La Cacharrería, recorrer la Galería de Retratos de los hombres ilustres del XIX y el XX, ver el despacho y la silla de Azaña y maravillarse con el recogido ambiente de su Biblioteca rica en fondos del XIX Y el XX.

Además el visitantes escuchará, a través de las visitas guiadas en grupos de 30 personas la historia y las anécdotas de una Institución, que han presidido hombres ilustres como: Laureano Figuerola, Segismundo Moret, Gumersindo de Azcárate, A. Alcalá Galiano, A. Cánovas del Castillo, M. de Unamuno, Fernando de los Ríos, Manuel Azaña, etc. habiendo actuado como catalizadores de una importantísima actividad política y cultural. Por el Ateneo han pasado seis Presidentes de Gobierno, todos nuestros Premios Nobel, los gestores políticos de la Segunda República y prácticamente lo más renombrado de la generación del 98, de la del 14 y de la del 27.

Asímismo todos los que decidan acercarse al Ateneo podrán contemplar la exposición "En torno a 1884" en la que se mostrará una selección de sus fondos (obras literarias, documentos e imágenes) donde quedan reflejados los acontecimientos históricos y culturales correspondientes al año de 1884. A través de un recorrido por el mundo de la Literatura, la Ciencia y las Artes, así como de otros acontecimientos sociales, la muestra dará una imagen global de la España de aquellos años. Su ubicación, en la excepcional Galería de Retratos del Ateneo de Madrid, contextualizará a los personajes representados en ésta dentro de una de las épocas más convulsas de la historia contemporánea que abrió el camino hacia la "Modernidad".

Los visitantes también podrán contemplar diversas fotografías del Barrio de las Letras, fruto del concurso organizado por la Asociación de Comerciantes del Barrio de las Letras, con quien el Ateneo de Madrid ha firmado un acuerdo de colaboración.

Ateneo de Madrid - Jornada de Puertas Abiertas
Viernes 30 de enero de 2009, de 10 a 19 horas
c/ Prado, 21 - 28014 Madrid

 Ateneo de Madrid, aniversario, jornada de puertas abiertas
 

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lunes, 26 de enero de 2009

Xavi Muñoz aka Ninaboy: "Sleepwalker"

Sleepwalker es la primera muestra de Xavi Muñoz aka Ninaboy en Madrid. Varias series de dibujos en traspaso de papel carbón, purpurina y carburúndum (carburo de silicio) cohabitan hasta el 31 de enero de 2009 el nuevo espacio de la Galería Raquel Ponce, junto con intervenciones tridimensionales, trabajo en soporte mural y su primera pieza en formato digital, al cual combina con sus habituales aplicaciones manuales.

El resultado es un amplio reflejo, una panorámica del universo de Xavi Muñoz aka Ninaboy, viajando de lo general a lo particular, en una espiral que transita de lo externo referencial a lo más personal e íntimo de sus leit-motifs. En síntesis, la reconstrucción natural de una subjetividad donde la magia, la fantasía y la apelación a lo onírico evocan un sugerente entorno emocional, cargado por igual de sensualidad, alegría y nostalgia.

En este viaje sonámbulo, Xavi Muñoz aka Ninaboy abre su baúl y nos invita a transitar una recapitulación de su inventario de imágenes, desde 2006 hasta hoy, mientras aprovecha la ocasión para presentar trabajos inéditos y compartir nuevas series, creadas ex profeso para la ocasión.

Sleepwalker. Xavi Muñoz aka Ninaboy
Galería Raquel Ponce
c/ Alameda, 5
28014 Madrid
Hasta el 31 de enero de 2009

 Sleepwalker, Ninaboy, Galería Raquel Ponce
 

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viernes, 23 de enero de 2009

Walker Evans

La sala de exposiciones de Fundación Mapfre alberga, desde el pasado 15 de enero y hasta el 22 de marzo de 2009, una completa retrospectiva del fotógrafo norteamericano Walker Evans (1903-1975), considerado como uno de los referentes de la fotografía contemporánea. La exposición está compuesta por más de un centenar de extraordinarias fotografías (vintage), realizadas en gelatina de plata, que proceden de los fondos de la que sin duda es la principal colección particular de obras del fotógrafo, y documenta ampliamente todas las etapas de la trayectoria de Evans.

Su obra está lejos de lo que se consideraba arte en fotografía, estatus por el que sin embargo los fotógrafos llevaban décadas luchando aunque por el equivocado camino del sentimiento y la belleza evidentes. Precisamente es la obra de Evans la que culmina esa evolución formal mediante la ruptura, con un estilo que vino a llamarse documental, que miraba a los hechos directamente, y estaba pensado para representar las cosas en relación a sí mismas, aparentemente sin intervención, de una manera precisa, sin emociones ni tendencia a la idealización. En resumen, como puros documentos que minimizan sus cualidades estéticas. Por primera vez, la fotografía como obra de arte podía tener la misma apariencia que cualquier otra fotografía y mostrar cualquier cosa, desde una habitación paupérrima y desolada de Alabama hasta un pasajero del metro de Nueva York ensimismado en sus pensamientos. La cualidad artística estribaba únicamente en la claridad, la inteligencia y la originalidad de la percepción del fotógrafo.

Walker Evans. Retrospectiva.
Sala de Exposiciones Azca de Fundación Mapfre
Avda. General Perón, 40 - Madrid
Hasta el 22 de marzo de 2009

 Walker Evans, Fundación Mapfre, fotografía, retrospectiva
 

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miércoles, 21 de enero de 2009

ellibroysuslecturas.azul

Hoy miércoles 21 de enero de 2009, a las 20:30 horas, se Inaugura en la Galería de Arte Concha Pedrosa de Sevilla, una exposición de libros de artista titulada ellibroysuslecturas.azul.

Este es el resultado de una convocatoria internacional, auspiciada desde la revista digital www.librodeartista.info y a la que han acudido 81 autores y autoras europeos e iberoamericanos, con una gran diversidad de propuestas conceptuales y estéticas. El objeto esta exposición en la ciudad de Sevilla es el de mostrar de una manera didáctica la diversidad y riqueza de obras que este soporte creativo está produciendo en la actualidad.

Uno de los principales objetivos de esta iniciativa es que el Libro de Artista deje de ser un soporte poco conocido en esta ciudad tras esta exposición, pasando a ocupar el lugar que merece como objeto de colección para los interesados en el arte y la bibliofilia.

Esta muestra se acompaña de dos actividades complementarias como son la exposición en la sala GB de la Facultad de Bellas Artes y la participación en el Salón de la Bibliodiversidad dentro del Festival de Perfopoesia " La revuelta sureña".

ellibroysuslecturas.azul

Galería de Arte Concha Pedrosa
c/ Fernán Caballero, 11 - Sevilla
Del 21 de enero al 14 de febrero de 2009

Sala de Exposiciones GB de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla
c/ Gonzalo de Bilbao - Sevilla
Del 19 de febrero al 6 de marzo de 2009

 ellibroysuslecturas.azul, librodeartista, Concha Pedrosa, Sevilla
 

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martes, 20 de enero de 2009

Siete Claves

En Comunicación Cultural hemos tenido la oportunidad de conocer una más que interesante iniciativa cultural que nos gustaría compartir con nuestros lectores con el deseo de colaborar en su difusión y para el reconocimiento de la estupenda labor que realizan.

Siete Claves es un espacio para las artes independiente ubicado en La Ventilla (Madrid), un barrio culturalmente desértico donde no hay cines, teatros ni bibliotecas, convirtiéndose así en el único espacio cultural abierto al público en la zona. Abrió sus puertas en noviembre de 2007, y tiene como objetivo desarrollar actividades culturales para los vecinos del barrio, concebidas en el marco de la creatividad, la igualdad de trato, la inserción social, la convergencia cultural y la participación ciudadana.

Hasta la fecha han realizado más de 80 actividades vinculadas con el teatro, el cine, la pintura, la poesía, la fotografía, la danza y la música. Todas son gratuitas para los vecinos de La Ventilla. Siete Claves dispone de un blog donde van informando de todas sus actividades realizadas y futuras citas culturales.

Nuestra enhorabuena a los responsables de Siete Claves por su trabajo y por su contribución al fomento de las artes y la cultura.

Siete Claves. Espacio para las Artes
Mártires de La Ventilla, 68
28029 Madrid
Tel: 91 323 57 81

 Siete Claves, espacio cultural, La Ventilla, Madrid
 

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lunes, 19 de enero de 2009

Nueva York. El papel de las últimas vanguardias

El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente (Segovia) inaugura el próximo 27 de enero de 2009 su nueva exposición Nueva York. El papel de las últimas vanguardias, una interesante muestra que podrá visitarse hasta el 24 de mayo.

“Minimalismos” es un término que define la colección neoyorquina de obras sobre papel que ahora presenta el Museo en una cuidada selección. Se trata de la Colección Kramarsky, sin duda una de las más prestigiosas y activas dentro del panorama del arte contemporáneo de Estados Unidos, que ha centrado su interés en el dibujo como lenguaje artístico autónomo. Contiene 3.000 obras realizadas entre mediados del siglo pasado y la más estricta actualidad. Aunque es conocida por su especialización en el minimalismo estadounidense de los años sesenta hay en ella obras abstractas que en su naturaleza e intención apuntan al minimalismo y otras que representan la herencia de este movimiento hasta la actualidad.

Distintas presentaciones de la colección se han realizado en el MOMA de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Museo de Arte de San Diego, el Museum of Fine Arts de Houston, entre otros museos así como en las Universidades de Harvard y Yale. En Europa ha sido presentada en diversas ocasiones, en la Akademie der Künstes, Berlin en 1999; Landesgalerie Oberösterreich, Linz en 1999/2000; y entre 1997 y 1999 ha itinerado a Viena (Austria), Amiens (Francia), Winterthur (Suiza), Ahlen y Berlín (Alemania). Esta es la primera vez que la colección se presenta en nuestro país.

La presente exposición sitúa el minimalismo en un concepto amplio reconociendo sus deudas con el expresionismo abstracto y sus alusiones al pop art, incorporando sus conexiones con el movimiento “earthworks”, el arte conceptual y el arte de la “performance”. En definitiva, esta exposición pretende arrojar luz sobre las sensibilidades compartidas, sobre las interconexiones visuales y conceptuales y sobre las inevitables diferencias y conflictos de orden estético.

La muestra presenta una selección de 117 obras de 71 artistas. Los más mayores nacieron en la primera década del siglo XX como es el caso de Esteban Vicente, Barnett Newman y David Smith. En la siguiente década, John Cage y Agnes Martin. En la década de los 20, Ellsworth Kelly, Sol LeWitt, Cy Twombly, Douglas Hueblen y Donald Judd.

La década de los 30 constituye el grupo más largo, que representan los fundadores y los primeros intérpretes del minimalismo (además de Judd y LeWittt, que nacieron en el año 28), y así aparecen Robert Morris, Dan Flavin, Carl Andre, Robert Ryman, Jasper Johns, William Anastasi, Eva Hesse, Frank Stella, Ed Ruscha, Robert Mangold, Robert Smithson, Brice Marden o Richard Serra, entre otros. Continúa la colección con artistas nacidos en la epoca de los años 40, 50, 60, terminando con los más jóvenes pertenecientes a los 70 como Kristine Holder, Susanna Hardwood Rubin o Marjorie Welish.

Hay que destacar la presencia en la colección de tres artistas nacidos en nuestro país: Esteban Vicente, al que está dedicado este Museo y fallecido en el 2001, y Elena del Rivero y Teo González, que viven y trabajan en Nueva York.

Exposición: Nueva York: El papel de las últimas vanguardias
Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente
Plazuela de las Bellas Artes. 40001 Segovia
Del 27 de enero al 24 de mayo de 2009

 Minimalismo, Nueva York, vanguardias, Museo Esteban Vicente, Segovia, arte contemporáneo
 

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viernes, 16 de enero de 2009

Manuel Valencia

La Galería Utopia Parkway inaugura hoy viernes 16 de enero a las 20 horas BotanicalPoems, la nueva exposición del artista Manuel Valencia, fruto de sus dos últimos años de trabajo que ha alternado con viajes a China y Japón.

La serie, resultado de una exploración del soporte y de los materiales empleados para su formulación, también es consecuencia de su investigación formal en el ámbito de la relación entre arte y naturaleza. El artista estudia desde hace tiempo las alteraciones continuas a las que está sujeta la naturaleza en el ciclo de la vida a la muerte. En este sentido, le interesa la representación no tanto de lo que se hace visible, como de lo que intuye y percibe más allá de la forma.

Manuel Valencia busca sus papeles en el viejo mercado de Liulichang, próximo a la Ciudad Prohibida en Pekín. Allí encuentra los grosores, las texturas, densidades, peso, ramajes y tipo de celulosa adecuados a su proyecto. Son papeles hechos a mano con los métodos tradicionales que China ha ido perfeccionando durante milenios. Las tintas, adquiridas en Japón y China, las combina con grafitos y algún tipo de temples y acrílicos. Esta técnica mixta no admite pautas tradicionales y está enmarcada en la contemporaneidad.

"BotanicalPoems" consta de 23 dibujos, exclusivamente hojas y flores en blanco o negro, haz y envés, en gran formato y realización minuciosa. Valencia despoja así a las hojas y flores de su condición de ornamento para otorgarles un papel protagonista y reintegrarlas a la naturaleza que sostiene la vida en este planeta.

Inauguración: Viernes 16 de enero de 2009 a las 20 horas
Galería Utopia Parkway - c/ Reina, 11 - 28004 Madrid
Hasta el 27 de febrero.

 Botanical Poems, Manuel Valencia, Utopia Parkway
 

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miércoles, 14 de enero de 2009

CHE. Una biografía gráfica

Siglo XXI de España Editores acaba de publicar el libro Che. Una biografía gráfica, una interesante y brillante obra en formato cómic del artista Spain Rodríguez traducida por Enrique Sánchez Abulí.

Desde su muerte en 1967, Ernesto “Che” Guevara se convirtió en la figura revolucionaria de mayor repercusión mundial. Este libro de investigación, dramático y extenso, aporta una nueva visión de la lucha y la historia del famoso guerrillero. El impactante dibujo de Spain Rodríguez ilumina la vida del Che y las experiencias que lo conformaron, como su viaje en motocicleta por Latinoamérica, su ascenso a líder del movimiento revolucionario de Fidel Castro, sus viajes por África, su participación en la insurgencia que acabó con su muerte en Bolivia y su extraordinario legado.

El libro ha sido ya publicado en Francia, Alemania, Inglaterra, Grecia, Italia, Indonesia, Japón, Corea, República Checa y América Latina.

Spain Rodríguez es uno de los fundadores del sindicato United Cartoon Workers of America. Su mayor éxito fue el personaje Trashman (1968-1985), un héroe antifascista en un mundo post-nuclear, cuya estética influyó decisivamente en películas como Mad Max y Blade Runner. Spain ha colaborado con autores alternativos como Wally Wood y Art Spiegelman de quien se declara amigo y admirador.

La última obra de Spain Rodríguez cuenta la vida de El Che aportando una nueva visión del histórico guerrillero. Ha dedicado cuatro años a elaborar una biografía del Che que se publicará en varios países entre ellos Estados Unidos e Inglaterra. En palabras del propio autor «Este trabajo acerca del Che me llevó mucho tiempo de investigación. Trabajé los 365 días del año y gracias a este proyecto, he aprendido mucho acerca de este personaje tan apasionante y uno de los más grandes del siglo XX». Asimismo afirma que con esta obra ha pretendido mostrar «una nueva visión lo más fiel a la realidad». Spain Rodríguez ha utilizado como base los diarios que escribiera el propio Ernesto Guevara además de un largo proceso de documentación que recorre la evolución ideológica y vital del Che haciéndola accesible a todos los públicos.

Enrique Sánchez Abulí es el guionista de cómic español en activo más reconocido y prestigioso en el panorama internacional. En los años 80 inició las historias Luca Torelli, alias Torpedo (1982), el personaje de cómic español más popular en Francia, (es de los pocos héroes de tebeo españoles que aparecen en el Diccionario Larousse de Cómic) que, dibujado por Jordi Bernet, se ha convertido en uno de los personajes fundamentales del cómic europeo de finales del siglo XX.

 Che, Spain Rodríguez, cómic, Siglo XXI Editores
 

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viernes, 19 de diciembre de 2008

"Islandia/Iceland" de José María Mellado

La Galería de Arte Ana Vilaseco ha inagurado recientemente la exposición fotográfica ISLANDIA/ICELAND del artista José María Mellado (Almería, 1966).

En Dosdoce y Comunicación Cultural seguimos muy de cerca el trabajo de este genial artista. Esta nueva exposición que ahora nos presenta Ana Vilaseco es una estupenda ocasión para volver a disfrutar con la obra de Mellado, un verdadero maestro de la luz y del color que sabe manejar como nadie los elementos de la naturaleza en sus fotografías, cuya belleza y profundidad son capaces de superar a la de los escenarios reales que le sirven como modelo. Merece la pena comprobar cómo Mellado consigue mostrar al espectador todo lo hermoso que puede contener un paisaje y que sin su ayuda no hubiéramos ni siquiera imaginado.

Galería de Arte Ana Vilaseco
Padre Feijoó, 5 1ª - 15004 A Coruña
Hasta el 31 de enero de 2009

 José María Mellado, fotografía, Ana Vilaseco
 

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jueves, 18 de diciembre de 2008

La herencia de papel

La Biblioteca Regional de Murcia acoge, hasta el 24 de enero de 2009, la exposición La herencia de papel. Primeros siglos de la imprenta en Murcia. Esta exposición, organizada por la Biblioteca Regional y cuyas comisarias son Cristina Herrero Pascual y Amparo García Cuadrado (profesoras de la Facultad de Comunicación y Documentación de la Universidad de Murcia), propone un recorrido por los materiales procedentes de las imprentas murcianas desde 1484, fecha del primer incunable, hasta 1800.

Esta muestra nos invita a contemplar verdaderos tesoros bibliográficos, a recorrer el desarrollo técnico de la industria editora, apreciar su evolución estética, conocer los temas que más interesaron a los lectores de cada época y disfrutar con los secretos que encierran cada uno de los libros expuestos.

Con motivo de nuestra participación en Miradas a la edición - Jornadas sobre el mundo editorial y del libro los pasados días 11 y 12 de diciembre en Murcia tuvimos la ocasión de visitar esta exposición, y a pesar de que fuimos a hablar de los libros electrónicos y del futuro digital de las editoriales y las bibliotecas, admiramos también la apasionante historia de la imprenta tradicional, que ha alumbrado verdaderas obras de arte como las que aquí pueden contemplarse. Animamos, pues, a quien aún no lo haya hecho, a visitar esta magnífica exposición y empaparse de unos cuantos siglos de historia editorial.

La herencia de papel. Primeros siglos de la imprenta en Murcia
Biblioteca Regional de Murcia
Hasta el 24 de enero de 2009

 La herencia de papel, Biblioteca Regional de Murcia, Exposición, imprenta
 

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miércoles, 17 de diciembre de 2008

Humoristas por la libertad de prensa

Unir en una exposición conceptos tan importantes como “libertad de prensa”, “libertad de expresión” o “libertad de opinión” con “humor gráfico” puede parecer contradictorio o, cuando menos sorprendente. Los tres primeros conceptos, tan íntimamente unidos, pertenecen al ámbito de las grandes conquistas del mundo moderno en el contexto de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. A pesar de los muchos años transcurridos desde que se formalizara tan importante enunciado, a pesar de su asimilación por parte de los textos constitucionales de los sistemas democráticos, los medios de comunicación continúan denunciando las trabas que encuentran periodistas de todo el mundo en el ejercicio de su trabajo. Reporteros sin Fronteras lleva años significándose en esta lucha (que es un derecho no sólo del informador sino de todos) poniendo de manifiesto hechos y cifras que deben llevarnos a la reflexión. Cientos los periodistas fallecidos en el ejercicio de su profesión, miles los agredidos o amenazados, miles los censurados; en algunos países un periodista puede pasar varios años en la cárcel, por una palabra o una foto. La organización Reporteros sin Fronteras, fundada en 1985, trabaja diariamente por la libertad de prensa.

Tan dramática situación es, desde luego, más digerible gracias al talento de tantos humoristas gráficos como se dan cita en esta exposición, pero no debemos equivocarnos pensando que el humor suaviza o trivializa las más duras realidades. Antes bien, la atenta observación de cada viñeta nos descubre la enorme eficacia de un género artístico en el que se dan cita la habilidad y la expresividad del dibujo, la universalidad de la imagen, la chispa jocosa y la poderosa reflexión que sustenta todo ello, capaz de llevarnos hacia las consideraciones más serias. Los humoristas españoles han estado en primera línea de la libertad de expresión desde los albores de la comunicación gráfica y la sociedad les debe el que se hayan mantenido abiertas ventanas críticas incluso en los periodos más negros de nuestra historia.

Teniendo en cuenta estas premisas, Reporteros Sin Fronteras y el comisario de la exposición, D. Luis Conde, invitaron a un amplio número de humoristas gráficos a que reflexionaran sobre la libertad de prensa. La gran respuesta de aquel llamamiento integra la presente exposición con el trabajo de 90 artistas de muy variada índole: dibujantes veteranos (Olmo, Edu, Kalikatres, Almarza o Soria), nuevos valores (Rodera, Santi Orue, Eneko, Bernal, Lola…) y humoristas consagrados (Alfredo, Máximo, Gallego & Rey, Ferreres, Pinto & Chinto, Julio Cebrián, Néstor, Xim, Juan Ballesta, Ermengol, etc.); entre estos últimos es especialmente significativa para Caja Segovia la participación de los segovianos José Orcajo y Antonio Madrigal. Son 90 sonrisas en libertad en las que se advierte de la fragilidad de este derecho universal a la opinión, a la crítica, a la libre difusión del pensamiento y a la libertad de prensa como principal soporte de estos derechos en las sociedades democráticas.

La exposición Humoristas por la libertad de prensa, inaugurada el pasado día 20 de noviembre, permanecerá en el Centro Social de Caja Segovia “Santa María la Real de Nieva” hasta el 6 de enero del año próximo, momento en que la muestra viajará a Cuéllar, en cuyo Centro Cultural “Cronista Herrera” se desarrollará entre el 15 de enero y el 28 de febrero de 2009. En ambos lugares, durante el periodo expositivo, se celebrarán además sendos “Talleres de Humor Gráfico” orientados hacia jóvenes que serán impartidos por el comisario de la muestra.

Humoristas por la libertad de prensa
Centro Social de Caja Segovia "Santa María la Real de Nieva"
Hasta el 6 de enero de 2009

 Humoristas, libertad de prensa, Reporteros sin fronteras
 

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martes, 16 de diciembre de 2008

4 estaciones & 4 recuerdos

El próximo miércoles 17 de diciembre tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y organizado por la galería Utopia Parkway, la presentación del libro 4 estaciones & 4 recuerdos, de José Suárez-Inclán y con dibujos de Concha Gómez-Acebo. Esta obra constituye el número tres de la colección Cuadernos de Utopia.

Intervendrán en la presentación Ramón Mayrata, escritor; José Manuel de los Santos, profesor de economía; y José Suárez-Inclán, autor.

El acto tendrá lugar el miércoles 17 de diciembre, a las 20 horas en la sala Valle-Inclan del Círculo de Bellas Artes, calle Alcalá 42, Madrid.

 Utopia Parkway, Círculo de Bellas Artes, Cuadernos de Utopia
 

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lunes, 15 de diciembre de 2008

Martín Freire en la galería Full Art

La galería Full Art de Sevilla inauguró el pasado viernes “Invasores del espacio”, la segunda exposición individual de Martín Freire (Sevilla, 1975) en el espacio de la galería. En ella se establece un diálogo abierto entre lo pictórico y lo escultórico. El título de la exposición alude a una decidida intencionalidad de ocupación del volumen espacial de la galería, constriñendo el aire que las obras exigen para sugerir la idea de invasión-ocupación.

La instalación que se exhibe en el piso bajo de la galería se aproxima a un trabajo de escultura (Freire hizo la especialidad de escultura en la escuela de Bellas Artes de Sevilla). En ella, una estructura circular, una especie de depósito, se mezcla con lo que podría ser un helipuerto que sirve como tapa de ese recipiente. Propone esta obra un desconcertante juego de escalas: demasiado grande para ser un juguete, demasiado pequeño para ser real. También un juego de significados en el que pueden surgir incógnitas sobre qué es lo que contiene y en qué cantidad, sobre cuál es su función. Ese recipiente circular se sostiene sobre una estructura de crucetas proponiendo una reflexión sobre la relación que ha existido tradicionalmente entre peana y obra. En este caso, peana (soporte) y obra (recipiente) forman un todo indivisible aunque delimitado. También posee ciertas connotaciones constructivistas y monumentales por el hecho de la elevación que la estructura le imprime al recipiente circular.

Frente a esta obra tridimensional se ubica una obra bidimensional realizada con la característica técnica de este autor: vinilos y cinta adhesiva sobre metacrilatos. Se trata de una pieza de 400 x 160 cms. en la que el artista juega con proposiciones afines al concepto de pintura expandida ya que se conectará, a través de intervenciones sobre el muro de la pared de la galería, con la instalación del piso bajo. En esa obra hay alusiones al mundo del circo, un universo muy prolífico para el mundo del arte por esas connotaciones de espectacularidad, riesgo, diversión y nomadismo que desde la modernidad han rodeado a sendos universos.

Martín Freire concibe la creación en un sentido amplio aunque acotado. Amplio en el sentido que no sería justo etiquetarlo dentro de una disciplina específica. Acotado si pensamos en la estrecha relación, a veces literal, que se produce entre sus trabajos bidimensionales e instalativos. Las alusiones al mundo infantil a través del juguete son constantes, aunque concebido no sólo en el sentido de diversión y desenfado, sino construyendo a su vez un aparato crítico y reflexivo sobre nuestra sociedad. Las relaciones que se establecen entre fondo y forma proponen inquietantes lecturas de unas obras que juegan intencionadamente con la desconcertante ambigüedad que nos producen esos familiares objetos que, descontextualizados y transformados en escala, invaden con decisión nuestro espacio. Un juguete transformado en objeto de arte, el objeto de arte transformado en un juego, el juego como respuesta esquiva frente a la realidad. (Texto: Julio Criado)

Martín Freire: Invasores del espacio
Galería Full Art
c/ Madrid nº 4, bajo 6
41001 Sevilla
Del 12 de diciembre de 2008 al 7 de febrero de 2009

 Martín Freire, Full Art, arte contemporáneo, Sevilla
 

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jueves, 11 de diciembre de 2008

Ivorybooks abre sus puertas en Madrid

Ivorypress, la editorial fundada por Elena Ochoa Foster en 1996, inauguró ayer miércoles 10 de diciembre Ivorypress Art + Books, un espacio interdisciplinar en Madrid, que vincula el ámbito del arte con el de los libros. Este espacio se articula con una gran sala de exposiciones y una librería que se abrirá al público el próximo mes de diciembre. La sala de exposiciones se inaugurará en febrero de 2009.

La librería de Ivorypress Art + Books, ofrecerá libros raros, ediciones limitadas, catálogos retirados de circulación y una selección poco frecuente de libros de fotografía, arte, arquitectura y diseño. La librería albergará obras de todo el mundo, con especial atención en ediciones de países asiáticos, así como todas las publicaciones de Ivorypress. En www.ivorybooks.com, la página web de la librería, se podrán ver todo el fondo del catálogo de la librería y otros títulos que estarán disponibles on line.

Los aficionados a los libros raros y a las ediciones especiales podrán encontrar joyas bibliográficas como el Wundergarten der Natur de Karl Blossfeldt (1932), o ejemplares de la primera edición del mítico catálogo de la exposición de 1955 The Family of Man, que Edward Steichen realizó para el MoMA (Nueva York, EEUU) e itineró a mas de 38 países. Desde una edición especial de Rineke Dijkstra que incluye una obra original de la artista, a libros de Warhol, Ed Ruscha, Bill Henson, Boris Mikhailov, David Armstrong, Lui Xiandong y Yang Yong entre otros muchos, con la firma original de sus autores.

La sección de libros de fotografía presentará novedades editoriales como Dutch Eyes. A Critical History of Photography in the Netherlands o Iranian Photography now, ediciones sobre los maestros de la fotografía, artistas contemporáneos y jóvenes talentos: Man Ray, Manuel Álvarez Bravo, Rodchenko, Cindy Sherman, Robert Frank, Catherine Opie, William Eggelston, Mitra Tabrizian, RongRong&inri, Alessandra Sanguinetti, Olaf Heine o Wolfgang Tillmans hasta mas de un millar de autores.

La sección de libros de arte contiene monográficos sobre la obra de artistas internacionalmente conocidos como Richard Tuttle, Rebbeca Horn, Gerhard Richter, Gilbert & George, Fischli Weiss, Richard Prince, Cai Guo-Qiang y otros en ocasiones menos conocidos cómo Paul Thek, Carlos Amorales, Erwin Wurm, Elke Krystufek, Katharina Sieverding, Mariko Mori o Eija-Liisa Ahtila.
 
La librería de Ivorypress Art + Books estará abierta al público de lunes a viernes de 11.00h a 14.00h y de 17.00h a 19.00h, los sábados de 11.00h a 14.00h. Las ediciones especiales, los libros raros y únicos se mostrarán con cita previa.

Ivorypress Art+Books
Comandante Zorita, 48
28020 Madrid
Tel.- 91 4490961

 Ivorypress, Ivorybooks, librería, exposiciones, Madrid, arte, libros
 

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jueves, 27 de noviembre de 2008

Modernidad Americana

La Fundació Joan Miró presenta Modernidad americana, una muestra patrocinada por el BBVA y comisariada por Sarah Newman y Sarah Cash, conservadoras de la Corcoran Gallery of Art de Washington. La exposición reúne más de un centenar de obras de artistas americanos de finales del siglo XIX y del siglo XX. Desde los paisajistas y los artistas que trabajaron bajo la influencia de París, hasta el expresionismo abstracto y la fotografía -que tiene un peso específico en los fondos de la Corcoran Gallery of Art-, la muestra propone un recorrido que permite comprender la evolución del arte moderno en Estados Unidos.

Entre los artistas representados en la exposición podríamos destacar a George Bellows, John Singer Sargent, Arthur Davies, Marsden Hartley, Joseph Cornell, Thomas Hart Benton, John Sloan, Edward Hopper, Milton Avery, Mark Rothko, Willem de Kooning, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Martin Puryear y a Robert Mangold.

Modernidad Americana
Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc s/n - 08038 Barcelona
Hasta el 25 de enero de 2009

 Modernidad Americana, Fundación Miró, Corcoran Gallery
 

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viernes, 21 de noviembre de 2008

El retrato de Dorian Gray

Galaxia Gutenberg acaba de publicar El retrato de Dorian Gray, el clásico de Oscar Wilde sobre la belleza, el arte y la existencia, ilustrado por MP & MP Rosado. Los hermanos Rosado, ganadores del premio ARCO 2008 para jóvenes artistas, se encuentran entre las figuras en alza en el panorama artístico español. Sus preocupaciones creativas, centradas en la búsqueda de la identidad y en la dualidad, se ven atraídas de forma natural por la temática de El retrato de Dorian Gray.

«Lo único con valor en la vida es la belleza.» El joven Dorian Gray hace suya esta máxima y desea con todas sus fuerzas permanecer siempre tan hermoso como se le ve en el retrato que le ha pintado su amigo Basil. Al poco tiempo descubre que aquello que podría marchitar su belleza -los pecados, la envidia, el odio y, sobre todo, el paso del tiempo- quedan reflejados en el cuadro, pero no hacen mella en su cuerpo. La vida de Dorian entra entonces en una espiral que sólo puede terminar en tragedia.

Galaxia Gutenberg - Círculo de Lectores han elaborado un vídeo donde los hermanos Rosado cuentan el proceso de creación artística llevado a cabo para la realización de las magníficas ilustraciones que acompañan a este libro:

 Dorian Gray, Oscar Wilde, MP & MP Rosado, Galaxia Gutenberg
 

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jueves, 20 de noviembre de 2008

Taller de Libros de Artista

La librería Loring art organiza un Taller de Creación de Libros de Artista, impartido por Elisa Pellacani, y que se desarrollará a lo largo de seis sábados a partir del próximo 22 de noviembre.

El taller tiene como finalidad poder plasmar la idea del artista en forma de libro, ya sea a través de la ilustración, la caligrafía, la fotografía, el collage, el patchwork... Se prestará también atención a la encuadernación y al diseño, proponiendo soluciones de creatividad gráfica y posibles temas.

Teniendo en cuenta todos estos factores, y a partir de la propuesta de cada artista, se proyectará la realización de un primer prototipo que pueda ser reproducido hasta diez veces, evaluando los procesos manuales y de offset que permitan crear un tiraje limitado que hagan de cada copia un ejemplar siempre único.

Los libros realizados por los alumnos se expondrán en la librería Loring al finalizar el taller, con la posibilidad de ponerlos a la venta.

Librería LORING art
c/ Gravina 8 - BARCELONA
Información e inscripciones en Librería Loring.

 Libros de artista, taller, Loring art
 

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miércoles, 19 de noviembre de 2008

As nosas palabras, os nosos mundos

As nosas palabras, os nosos mundos (Nuestras palabras, nuestros mundos) es una exposición itinerante sobre la diversidad lingüística y sobre la lengua gallega. Se presenta como un viaje al universo de las lenguas desde el conocimiento, las emociones, las sensaciones, el juego y la imaginación. Un recorrido abierto que sorprende al visitante gallego a través de distintos aspectos de su lengua y que permite también su descubrimento para los visitantes no gallegos.

La muestra llega hoy a Madrid y permanecerá del 19 al 25 de noviembre en el Círculo de Bellas Artes, después de haber visitado ciudades como Bilbao, Santiago, Vigo o Bruselas; posteriormente llegará a Barcelona o Buenos Aires, entre otras.

Nuestras palabras, nuestros mundos contribuye al conjunto de iniciativas realizadas en el marco del Año Internacional de las Lenguas, promovido por las Naciones Unidas, y del Año Europeo del Diálogo Intercultural, proclamado por el Parlamento Europeo también en 2008, a través de una exposición que fomenta la valoración positiva del plurilingüismo y que muestra aquellas buenas prácticas que se están llevando a cabo desde Europa, y especialmente desde Galicia.

La exposición va dirigida a un público amplio, no necesariamente especialista o conocedor en profundidad del mundo de las lenguas y de la lengua gallega en particular. Se trata de una exposición multimedia e interactiva que estimula todos los sentidos: tiene espacios para escuchar (diálogos, poesía o música en los diferentes idiomas), ver (escenas de series de TV o películas históricas en otras lenguas) y tocar (pantallas táctiles y otros objetos para interactuar).

El hilo conductor de la exposición es el idioma gallego, que tiene en la muestra una especial relevancia sobre los demás idiomas, tanto en tamaños como en jerarquías. Las lenguas oficiales de la exposición son el gallego, el castellano, el euskera, el catalán, el francés, el inglés y el neerlandés-flamenco. Además, se proponen sistemas de información alternativos para personas con discapacidad sensorial.

As nosas palabras, os nosos mundos
Círculo de Bellas Artes (Madrid)
Del 19 al 25 de noviembre de 2008

 As nosas palabras, os nosos mundos, lengua gallega, exposición
 

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ARTE LISBOA 2008

La 8ª edición de ARTE LISBOA, la Feria de Arte Contemporáneo portuguesa, se celebrará en el pabellón 4 de la FIL (Feria Internacional de Lisboa) situada en el Parque de las Naciones, cerca del río Tajo, del 19 al 24 de noviembre de 2008.

Participarán en la Feria 70 galerías de arte de Portugal, España, Brasil, Alemania, Mozambique y Corea del Sur. Paralelamente se desarrollará Project Rooms 2008, un espacio vocacionado para la presentación de proyectos paradigmáticos de arte contemporáneo. Ocho serán estos proyectos, firmados por Chus García-Fraile, Fabrizio Matos, Inês Botelho, Lidia Benavides, Rodrigo Oliveira, Rui Macedo, Ruth Root, Sara & André, Steve Schepens y Toño Barreiro.

Entre otras actividades, tendrá lugar un ciclo de debates y conferencias sobre arte contemporáneo, así como visitas guiadas a las colecciones expuestas. Igualmente, para los visitantes más jóvenes, la organización ofrece el programa Arte Kids para los niños de 3 a 12 años. Art Kids tiene una serie de actividades lúdicas, en las cuales los peques se desafían a realizar "visitas-juego" a los diversos stands de la exposición. El concepto subyacente al juego es conducir a los más pequeños a descubrir temas, historias, estilos y materiales artísticos.

 Arte Lisboa, feria arte contemporáneo
 

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miércoles, 12 de noviembre de 2008

Barcelona Metròpolis

La revista Barcelona Metròpolis de pensamiento e información urbanos estrenó espacio on-line el pasado lunes 10 de noviembre: www.barcelonametropolis.cat.

Barcelona Metròpolis es una iniciativa promovida por el Ayuntamiento de Barcelona. Es un proyecto que se traduce en la publicación de una revista de información y pensamiento urbanos, del espacio web que ahora presentan y también en la organización de forma periódica de actividades presenciales en la ciudad. Es sobre todo un proyecto de debate sobre la ciudad y de quienes viven en ella y la disfrutan. El catedrático de filosofía Manuel Cruz es su director.

En los tres primeros números de la nueva etapa, Barcelona Metròpolis ha hablado de turismo y turistas, del mito de la sociedad civil catalana y de (mal)vivir en la ciudad. El sitio web ofrece en abierto estos contenidos para que los usuarios que se interesen por las cuestiones planteadas puedan dar su opinión, tanto en el blog de la publicación como al pie de los artículos publicados.

La revista se publica en tres idiomas (catalán, castellano e inglés), y está dividida en tres grandes apartados: Plaza Pública, con interesantes entrevistas y artículos de escritores y ensayistas; Cuaderno central, con reportajes y artículos de sociólogos, comisarios de exposiciones, realizadores de cine y expertos de otras materias; y Observatorio, donde son analizadas las últimas tendencias en cine, arte, música, así como recomendaciones y reseñas de libros y entrevistas a personajes relevantes.

La presentación de esta versión digital de la revista será mañana jueves 13 de noviembre a las 19 horas en la Fundació Sunyol (Pº de Gracia, 98) con un debate sobre la pregunta: "Vivo en Barcelona: sí, pero ¿cómo?".

 Barcelona Metròpolis, revista, digital, pensamiento, información, urbano
 

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martes, 11 de noviembre de 2008

Jorge Ontalba

El próximo 13 de noviembre se inaugurará "Retratos", la nueva exposición fotográfica de Jorge Ontalba, en la sede de la Real Sociedad Fotográfica.

En esta exposición se muestran 24 retratos realizados a: Antonio Vega, Fernando Sánchez-Dragó, Antonio Gasset, Tony Marmota, Txus di Fellatio, Carlos Saura, Sabino Méndez, Carlos Segarra, Álvaro Pombo, Antonio Mercero, Nacho Campillo, Martirio, Antonio Gala, Fernando Colomo, Javier Andréu, Ambite, Thomas Canet, Javier Esteban, Manolo Rock, María Giménez, Alfonso Ferrer, Javier Campillo, Elenita y Moncho Borrajo.

Inauguración: Jueves 13 de noviembre de 2008 a las 20.00 horas
Sede de la Real Sociedad Fotográfica, C/Tres Peces nº2, 28012 Madrid.
Desde el 13 de noviembre al 2 de diciembre de 2008.

 Jorge Ontalba, Retratos, fotografía
 

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sábado, 8 de noviembre de 2008

entreFotos

Un año más, entreFotos X 08, Feria-muestra de fotografía, vuelve a celebrarse en las salas de exposiciones del Conde Duque, del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, entre los días 6 y 9 de Noviembre de 2008, con la participación de 38 autores, artistas de obra fotográfica, entre los que podremos encontrar desde autores con una trayectoria largamente reconocida en la historia reciente de la fotografía española, hasta autores mucho más jóvenes o noveles, quienes ofrecerán sus trabajos al público de forma directa.

entreFotos X 08 celebra su décimo aniversario, consolidando su trayectoria y carácter abierto y pluridisciplinar, mostrando la obra de 38 artistas caracterizada por la diversidad de temáticas y el mestizaje técnico.

Una visita a esta feria se convierte, sin duda, en un magnífico plan para el fin de semana, además de una oportunidad para conocer más de cerca a los nuevos valores de la fotografía y la posibilidad de adquirir obra de una forma diferente.

ENTREFOTOS 08
Del 6 al 9 de noviembre de 2008
Centro Cultural Conde Duque
C/ Conde Duque 9 - 11 (Madrid)

Horario:
Jueves 6, de 19:00 a 21:00 horas
Viernes 7 y Sábado 8, de 10:00 a 21:00 horas
Domingo 9, de 11 a 14:30 horas

 entreFotos, Conde Duque, fotografía, Madrid
 

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viernes, 7 de noviembre de 2008

Las flores del mal

Libros del Zorro Rojo acaban de presentar la obra Las flores del mal, los poemas prohibidos de Charles Baudelaire, ilustrada por Pat Andrea y traducida por Jaime Siles.

Prohibidos en Francia por ofensa a la moral y a las buenas costumbres, los poemas reunidos en este volumen debieron aguardar noventa y dos años hasta su revindicación pública. Pat Andrea, figura clave del arte contemporáneo, ha sabido forjar una de las recreaciones más deslumbrantes que se hayan realizado sobre el universo de Baudelaire. Esta edición bilingüe cuenta con la admirable versión en castellano del poeta Jaime Siles.

«Alma sorda y cruel, ven a mi pecho,
idolatrado tigre, monstruo de aspecto indolente,
mis temblorosos dedos quiero hundir
en la espesura de tu larga melena eternamente;
En enaguas llenas de tu perfume
mi dolorida cabeza sepultar
y como flor marchita respirar
el suave hedor de amor que me consume.»

Los originales de esta obra pueden visitarse en la Galería Víctor Saavedra de Barcelona hasta el 15 de noviembre.

 Las flores del mal, Baudelaire, Pat Andrea, Libros del Zorro Rojo
 

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jueves, 6 de noviembre de 2008

Talento Brasil

“Soy brasileña y listo”, decía la renombrada escritora Clarice Lispector. Con libros publicados en varios países, como Alemania, España, Estados Unidos, Francia, Noruega y Rusia, así era como Clarice – hija de ucranianos –, respondía a quien intentaba entender una persona con una experiencia de tantas características y peculiaridades, tan brasileña.

A causa de su formación singular, histórica y social, Brasil está marcado por la permeabilidad cultural en todo su territorio. Influencias de países europeos, africanos, asiáticos y de los pueblos indígenas que ya habitaban la Terra Brasilis cuando fue descubierto, formaron la raíz de un pueblo que, actualmente, derrocha creatividad y versatilidad.

La referencia plural que Brasil lleva consigo se refleja en sus productos y servicios, principalmente en los proyectos de cultura y entretenimiento. Este país ofrece modelos de negocios diferenciados, basados en un intenso intercambio internacional, con empresas y profesionales que atienden a toda la cadena productiva de los sectores del cine, asuntos editoriales, asuntos para televisión, música y vídeos publicitarios.

Por todo ello, Apex-Brasil (Agencia Brasileña de Promoción de Exportaciones e Inversiones) ha creado el programa Talento Brasil, que divulga la creativa industria brasileña en el exterior.

Del 11 al 13 de noviembre de este año, Talento Brasil tendrá su primer gran evento, que acontece en el Círculo de Bellas Artes, en Madrid, España. Un show de música brasileña abrirá el evento y, el segundo día, habrá una actividad específica para el público infantil, además de una serie de seminarios con nombres brasileños de relevancia vinculados a los proyectos Brazilian TV Producers, Cinema do Brasil, FilmBrazil, Brazil Rights y Música do Brasil.

“Lanzaremos Talento Brasil en España por razones muy puntuales. Una de ellas es la afinidad del idioma, negocios e intereses en común. Además de eso, para los sectores de la industria del entretenimiento, Europa es un mercado con fuerte potencial de demanda y España, particularmente, vive un momento singular, con intensa actividad relacionada a la industria audiovisual”, explica el presidente de Apex-Brasil, Alessandro Teixeira.

Durante tres días se desarrollará una intensa programación, donde habrá actividades para niños, proyecciones de películas, debates con productores, coloquios con escritores, editores, músicos, expertos en publicidad... Una gran oportunidad para conocer de cerca y de primera mano la cultura más actual de Brasil, ese fascinante país nunca suficientemente conocido.

Talento Brasil
11, 12 y 13 de noviembre de 2008
Círculo de Bellas Artes - c/ Alcalá, 42 - 28014 Madrid

 Talento Brasil, Madrid, Círculo de Bellas Artes
 

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lunes, 3 de noviembre de 2008

Museo Würth La Rioja

El pasado 7 de septiembre se cumplió el primer aniversario de la inauguración oficial del Museo Würth La Rioja. Este singular centro de arte nace como escenario del arte contemporáneo internacional de vanguardia de los siglos XX y XXI. En las instalaciones de exponen obras pertenecientes al fondo artístico de la Colección Würth de arte contemporáneo procedente de Alemania, considerada una de las principales de Europa, y del fondo artístico propio de Würth España.

La Colección Würth de Alemania nació en los años 60 del siglo pasado, y comprende actualmente más de 11.000 piezas. Gracias a la iniciativa de Reinhold Würth, la colección se exhibe inicialmente en el Museo Würth, en la sede principal de la compañía en la localidad alemana de Künzelsau, y desde 2001 en la “Kunsthalle Würth, ubicada en Schwäbisch Hall, lugar próximo a la sede.

La Colección Würth España cuenta entre sus fondos actuales con obras de creadores como Richard Deacon, Jaume Plensa, Manolo Valdés, Darío Urzay, Blanca Muñoz, Koldobika Jauregi, Miquel Barceló, entre otros, así como de Miquel Navarro, autor de la monumental escultura “Libro de Calibres”, icono del Museo y visible desde una gran distancia por su tamaño y ubicación.

El edificio que acoge al Museo Würth La Rioja es un magnífico exponente en la arquitectura singular del Grupo Würth, destacando el impactante diseño de la cubierta de vidrio que, con una superficie de 1.400 m², emplea un innovador sistema de fijación de las placas de vidrio único en el mundo.

El uso del vidrio y la transparencia de la estructura es la clave esencial del estilo arquitectónico de este edificio, cuyo diseño diáfano juega con las posibilidades que el paso de la luz permite. El paisajismo del exterior del edificio, un entorno ajardinado jalonado por obra escultórica, contribuye a la belleza y armonía de estas instalaciones.

Paralelamente a las exposiciones, el Museo Würth La Rioja programa regularmente una gran variedad de actividades culturales: Conciertos, proyecciones, cine forum, conferencias, coloquios, etc.

Fotos: Iñaki Saldaña (Dosdoce)

MUSEO WÜRTH LA RIOJA
Pol. Ind. El Sequero
Avda. Los Cameros, parcelas 86, 87 y 88
26150 Agoncillo (La Rioja)

Horario:
De lunes a sábado de 10:00- 20:00h
Domingos de 10:00-15:00h
Entrada libre

 Museo Würth, La Rioja, Logroño, arte contemporáneo
 

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viernes, 31 de octubre de 2008

Zoom City

La galería sevillana Full Art acaba de inaugurar su exposición colectiva Zoom City, que trata sobre diversas paradojas presentes en la ciudad contemporánea. Como consecuencia del desarrollo industrial la arquitectura se sensibiliza con el medio ambiente e integra en sus ámbitos a la naturaleza (Jorge Yeregui). La inseguridad de algunas ciudades como Caracas se pone de manifiesto en el desarrollo de los grandes centros comerciales donde la población se desplaza encapsulada en lujosos coches blindados. El vehículo se convierte en el mayor símbolo de poder (Julie Rivera). Las ciudades también son el marco donde suceden nuestras vidas. La ciudad se transforma no sólo por las necesidades de sus habitantes, sino también por los cambios de mentalidad que cada época ha vivido (Francisco Almengló).

Artistas participantes:
Francisco Almengló, Julie Rivera y Jorge Yeregui
Del 29 de octubre al 29 de noviembre

Full Art - Galería de Arte Contemporáneo
c/ Madrid nº 4 - bajo 6
41001 Sevilla

 Zoom City, Full Art, arte contemporáneo, Sevilla
 

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lunes, 27 de octubre de 2008

Revista Bloc

El número 2 de Bloc, Revista internacional de arte y literatura infantil, es un homenaje a la ciudad. Nuestras calles y edificios son algo más que asfalto, puesto que recogen el eco de nuestras pisadas y de nuestro quehacer diario, alojando en la piedra la “memoria colectiva” de la que hablaba Ramón Gómez de la Serna. Y ese es justamente el objetivo de este número: rescatar del olvido o recalcar espacios estéticos, literarios y creativos para que no pasen desapercibidos y queden recogidos en nuestra memoria. Serán refugio e inspiración en un futuro.

Entre sus contenidos, un artículo de Teresa Durán titulado “Ciudades ilustradas”, en el que reivindica que las ciudades son algo más que un punto geográfico; una entrevista con el ilustrador suizo Jörg Müller; un reportaje sobre los cuadernos de viaje de Enrique Flores de la mano de Gustavo Martín Garzo; el retrato de cuatro ciudades a través de sus creadores (Zaragoza por Daniel Nesquens y Elisa Arguilé, Palma de Mallorca por Miquel Rayó y Max, San Sebastián por Juan Kruz Igerabide y Elena Odriozola, Santiago de Compostela por Xosé A. Neira Cruz y Miguelanxo Prado). Además, las habituales reseñas de álbumes ilustrados, esta vez con una selección de aquellos que tienen como tema central la ciudad.

Una revista de cuidado diseño y carácter internacional (se publica en castellano e inglés) de aparición semestral.

Más información en www.revistabloc.es

 Revista Bloc, arte, literatura infantil
 

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viernes, 24 de octubre de 2008

ESTAMPA 08

La feria ESTAMPA celebrará su XVI edición entre los días 29 de octubre y 2 de noviembre en los nuevos pabellones de los recintos feriales de IFEMA, en el Campo de las Naciones, y lo hará bajo el concepto aglutinador del más novedoso arte contemporáneo múltiple que se hace en España y en el extranjero.

El artista holandés Jan Hendrix (Maasbre, 1949), afincado desde los años setenta en México, y uno de los más importantes referentes mundiales de la gráfica contemporánea, es el autor de la imagen oficial de ESTAMPA 08. Como ya es tradición entre los autores que colaboran en la creación de la identidad gráfica de la Feria, Hendrix protagonizará una de las exposiciones de ESTAMPA, adonde llevará una muestra de su obra más reciente.

A juicio del comité organizador de la feria, se trata de una noción que describe mejor la evolución del arte contemporáneo en estos últimos quince años en cuanto a técnicas, soportes y conceptos empleados en el campo de la edición y, en consecuencia, refleja con más rigor y vigor el propio papel que desempeña la feria como plataforma de difusión artística.

La Feria repetirá ubicación en las instalaciones de la organización ferial de Madrid, un emplazamiento que, a juicio de la organización, es el más idóneo, pues dota a la convocatoria de una mayor visibilidad y proyección entre expositores y visitantes.

ESTAMPA, con el fin de preservar la calidad del certamen, limitará la presencia de galerías nacionales y extranjeras a 90, y sustituirá la presencia del país invitado por la iniciativa ESTAMPA FRAME, desde la que impulsará alianzas con centros e instituciones punteros en arte de edición.

 Estampa 08, arte contemporáneo, IFEMA, Madrid
 

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martes, 21 de octubre de 2008

Gao Xingjian

Galeria Senda presenta la exposición Después del diluvio que reúne, por primera vez en una galería española, la obra plástica del prestigioso artista de origen chino Gao Xingjian (Ganzhou, China, 1940), Premio Nobel de Literatura 2000. Una selección de quince obras de reciente producción que incluye trabajos en tinta china sobre tela y papel, en colaboración con el Círculo de Lectores, que presenta simultáneamente obras sobre tela de gran formato.

Gao Xingjian es hoy una de las figuras fundamentales de las letras chinas, pero su faceta de pintor, de dilatada trayectoria, es aún poco conocida para el público barcelonés, pese a haberse expuesto en el Museo Reina Sofía (Madrid, 2002) y contar con el reconocimiento de la crítica internacional. Su obra ha sido expuesta en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Europa, Asia y Estados Unidos, y está incluida en importantes colecciones de alrededor del mundo.

La obra pictórica de Gao nace de una personal fusión de las culturas de Oriente y Occidente. Su pintura se caracteriza por el uso casi dominante de materiales de tradición china –papel de arroz, tinta y pinceles chinos-, pero la técnica se revela totalmente moderna. De su estudio del arte moderno occidental, Gao ha apreciado la importancia del acto físico de la pintura, la indagación en la materia pictórica, y en especial, la autonomía del lenguaje de la pintura.

Después del diluvio se compone por trabajos en tinta china sobre tela de formato grande y mediano y papel de arroz, realizadas en 2008, y es bien representativa de la concepción plástica de Gao. Los trabajos exhiben una técnica fluida, de gesto espontáneo y ligero, que explora las posibilidades matéricas de la tinta. El blanco y el negro, la luz y la sombra, alcanzan una gran variedad de tonalidades y confieren un efecto sensual y poético lleno de matices. Son imágenes que fluctúan entre la figuración y la abstracción, representaciones de paisajes casi cósmicos, de visiones o estados interiores; una poética visual cargada de simbolismo, inspirada en las reflexiones del artista sobre el sentido del individuo y la espiritualidad humana.

Inauguración: Jueves 23 de octubre a las 20 h. Hasta el 5 diciembre de 2008.
www.galeriasenda.com

 Gao Xingjian, pintura, galería Senda, Barcelona
 

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sábado, 18 de octubre de 2008

Fnac Triangle cumple 10 años

Sí, ya hace diez años que se instalaron en el Triangle, mirando a plaza Cataluña, en el mismo centro de Barcelona. Y una efeméride así hay que celebrarla como se merece: a través de la cultura, de manera gratuita y abierta a todos.

Desde 1998, Fnac se ha consolidado como uno de los agentes culturales más activos de la ciudad. Con más de 10.000 actos y 150 exposiciones, la Fnac se ha convertido en un lugar de encuentro y descubrimiento, de agitación e implicación cultural, gracias a la presencia de los más prestigiosos creadores de diferentes disciplinas.

Del 20 de octubre al 16 de noviembre se han organizado conciertos, exposiciones, encuentros con escritores, proyecciones, maratones, happenings, polipoesía, videojuegos y mucho más. Entre otros, ya se han apuntado a la fiesta Russian Red, John Giorno, Cristopher Paolini, Josep Pedrals, Edmond Baudoin, Ana Gavalda, etc.

 FNAC, Triangle, Barcelona, aniversario
 

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jueves, 9 de octubre de 2008

La cresta de una ola

Lawrence Weiner ha sido una de las figuras clave en el desarrollo del llamado Arte Conceptual desde los sesenta hasta hoy. Weiner se autodescribe como un escultor cuyo medio es el lenguaje e investiga los modos de presentación y distribución que retan las hipótesis tradicionales sobre la naturaleza del objeto artístico. Su obra se presenta en forma de statements (declaraciones lingüísticas) que describen gestos esculturales, ideas o acciones.

UN PAÑO DE ALGODÓN ENVUELTO ALREDEDOR DE UNA HERRADURA DE HIERRO LANZADO CONTRA LA CRESTA DE UNA OLA. La nueva obra de Lawrence Weiner es este grupo de palabras, y los materiales, objetos y acciones que estas palabras describen. Es también estas palabras materializadas, en esta ocasión en Barcelona, de cuatro modos y en cuatro lugares distintos.

La primera parte del proyecto se presenta impresa en sobres de azúcar distribuidos en bares, restaurante y cafés de la ciudad. Impresa sobre miles de sobres estándar, la llamativa y reconocible tipografía de Weiner en rojo y amarillo, va acompañada de un emblema en forma de diagrama que evoca la trayectoria de una determinada herradura sobre una ola. La segunda y tercera parte se exponen en el Nivell Zero de la Fundació Suñol, donde Weiner presenta una adaptación de la frase sobre una pared del patio exterior en catalán, español e inglés. En el interior se escucha la misma declaración a través de una pegadiza composición musical basada en un remix con Ned Sublette y The Persuasions. El último elemento del proyecto se manifestará como un pequeño evento, realizado en el mar durante la semana de inauguración de la exposición: una herradura de hierro se envolverá en un paño de algodón y se lanzará sobre la cresta de una ola.

Biografía de Lawrence Weiner

Lawrence Weiner nació en el Bronx, Nueva York, en 1942 y se educó en el sistema de escuelas públicas neoyorquino. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1964 en la Seth Siegelaub Contemporary Art, Nueva York. Entre sus numerosas exposiciones individuales destacan: Wide White Space, Amberes (1969), Stedelijk Museum, Amsterdam (1988); Dia Center for the Arts, Nueva York (1991); Bawag Foundation, Viena (2000) y la reciente retrospectiva itinerante 'Lawrence Weiner: AS FAR AS THE EYE CAN SEE' (Whitney Museum of American Art, Nueva York; The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, 2007-9). En Barcelona, su obra se ha incluido en las exposiciones: 'Entre los Pirineos y el Mar Mediterráneo', Fundació Espai Poblenou (1995); 'Interfunktionen 1968-1975', Fundació Joan Miró (2004) y 'Espacio público / Dos audiencias: Obras y documentos de la Colección Herbert', Museu d'Art Contemporani de Barcelona (2006). Weiner vive entre Nueva York y Amsterdam.

ACTE 9: Lawrence Weiner, LA CRESTA DE UNA OLA. Hasta el 15 de noviembre.

 La cresta de una ola, Lawrence Weiner, Fundació Suñol
 

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miércoles, 8 de octubre de 2008

El Roto en Pelayo47

El pasado 2 de octubre se inauguró en la galería Pelayo 47 de Madrid la más reciente exposición de El Roto.

La historia del dibujo dedicado a la sátira está llena de autores que utilizan seudónimos de forma habitual; de esta manera se preserva el anonimato y se separan lenguajes, épocas, técnicas y colaboraciones.

El Roto es el seudónimo del pintor Andrés Rábago (Madrid 1947), que en otros momentos ha sido Jonás, Ops o Ubú. Actualmente colabora a diario con El País, y ha publicado, entre otros, en Triunfo, Hermano Lobo, Cuadernos para el diálogo, La Codorniz, Diario 16, El Periódico de Cataluña, etc. Es muy extensa su obra editada, además de poseer gran número de premios nacionales e internacionales.

El Roto aúna en su lenguaje la tradición europea -representada en su momento por las revistas Charivari y Punch y por autores como Daumier- con la manera española reflejada en Goya y Solana.

La galería expone una selección de sus escuetos dibujos y lapidarios textos.

 El Roto, Pelayo 47, Madrid, exposición, dibujos
 

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jueves, 2 de octubre de 2008

En Transición

El Teatro Fernán Gómez, de Madrid, alberga la exposición En Transición, organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), adscrita al Ministerio de Cultura.
La muestra, que llega ahora a Madrid, tras su paso por Barcelona y Cádiz, es una aproximación a un episodio de nuestra historia reciente, complejo y denso, que actúa como umbral entre dictadura y democracia y que afecta y se gesta a través de las personas que lo vivieron. A su paso por Madrid la muestra ‑que alberga, entre sus más de mil piezas, obras de Andreu Alfaro, Jorge Oteiza, Silverio Rivas, Juan Genovés, Francesc Torres, Joan Brossa, Antoni Tapies o el Equipo Crónica, entre otros‑ se ha enriquecido con nuevos apartados relativos a las Asociaciones de vecinos de los barrios periféricos de la capital así como con más piezas en el apartado de Escuela y Escena Musical.

Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte
Plaza de Colón, 4. Madrid 28001
Del 16 de septiembre al 9 de noviembre de 2008
Horario: de martes a sábados de 10.00 a 21.00 horas y domingos de 10.00 horas a 19.00 horas.

 En Transición, SECC, Teatro Fernán Gómez, Madrid, exposición
 

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martes, 30 de septiembre de 2008

Porque a ti te gusta

Bajo el lema La cultura en RNE... Porque a ti te gusta, la cadena pública pondrá en marcha, a partir de octubre, una campaña cultural dedicada a fomentar la lectura, animar a visitar museos y exposiciones, apoyar el cine español e impulsar los espectáculos teatrales. Y lo hará a través de programas como En días como hoy, Asuntos propios y No es un día cualquiera, de reportajes específicos, concursos para creadores jóvenes y entrevistas a los protagonistas de cada disciplina cultural y artística.

 RNE, cultura, lectura, arte
 

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jueves, 25 de septiembre de 2008

José María Mellado en Full Art

Con motivo de la celebración de la BIACS3 en Sevilla, la galería Full_art ha programado una serie de exposiciones que coincidirán con las fechas de la Bienal. Dichas exposiciones seguirán algunos de los hilos argumentales sobre los que se articulará la BIACS3.

Bajo el título de Espacio-Tiempo y con la participación de los artistas Marisa González, Gabriela Grech y José María Mellado, la galería Full_art inaugura su séptima temporada con una exposición colectiva que trata desde la fotografía la idea de los procesos y evoluciones que el tiempo imprime en el paisaje urbano y arquitectónico como evocación de lo efímero y cambiante de nuestra existencia.

Galería Full_art
c/Madrid, 4 - bajo 6
41001 Sevilla

Del 25 de septiembre al 27 de octubre.

 Full Art, Sevilla, Arte Contemporáneo, galería
 

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miércoles, 24 de septiembre de 2008

Biacs3

Más de 150 artistas y creadores de todo el mundo se darán cita en la próxima edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (Biacs3), que se celebrará del 2 de octubre al 11 de enero de 2009 en las sedes de Sevilla, Granada y Córdoba, bajo el título ‘youniverse’.

El proyecto expositivo ideado por el equipo de comisarios que dirige la Biacs3 –conformado por Peter Weibel, director general del Centro para el Arte y la Tecnología de Karlsruhe (Alemania); Wonil Rhee, comisario de exposiciones coreano; y Marie-Ange Brayer, directora del Centro Regional de Arte Contemporáneo de Orleáns (Francia)–, contiene diversas propuestas como una aproximación interdisciplinar a la temática general que se plantea, en concreto, abordar las relaciones entre arte, ciencia, tecnología, arquitectura y medio ambiente en el contexto global de la sociedad de la información y la comunicación.

‘youniverse’ representa la interactividad de cada individuo con el universo, su propio universo. Las propuestas de los artistas convocados girarán en torno a la movilidad, la individualización a través de las tecnologías, la física cuántica, la nanotecnología, la ingeniería hidráulica, la arquitectura y el medio ambiente. La Biacs3 tratará de presentar al público un escaparate de las últimas tendencias en creación artística, procurando que sea el propio público quien interactúe con sus contenidos. En ‘youniverse’ el visitante será el protagonista, descubrirá "un universo nuevo" del que formará parte.

 Biacs3, Sevilla, Bienal, arte contemporáneo
 

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sábado, 20 de septiembre de 2008

Gloria Rodríguez

La fotógrafa Gloria Rodríguez (Sevilla, 1959), con una acreditada carrera en el mundo del fotoperiodismo (sus reportajes, fundamentalmente sobre retratos y viajes, ven la luz periódicamente en revistas nacionales e internacionales), se presenta en Madrid, en la Galería Inés Barrenechea, con la exposición “Cruce de Caminos”, una selección de trabajos fotográficos en los que la autora intenta captar la poesía que, en forma de imagen, puede aparecer imprevisiblemente en cualquier recodo del camino.

Todas las piezas expuestas son fruto de instantes vividos y sentidos por la autora en innumerables viajes y distintos escenarios de ciudades cercanas o lejanas.

La exposición en Galería IB consta fundamentalmente de dos tipos de obras: las que muestran una sola imagen, interesadas en ofrecer un momento de intensidad determinado, y otras que aparecen en forma de collage, presentando un conjunto de imágenes enfrentadas, pero relacionadas entre sí en torno a esa idea de cruce de caminos que da título al conjunto.

La muestra estará abierta al público entre el 11 de septiembre y el 24 de octubre.

 Gloria Rodríguez, Galería Inés Barrenechea, Cruce de caminos, fotografía
 

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martes, 16 de septiembre de 2008

Hay Festival - Segovia

Siete exposiciones, dos conciertos y cuatro filmes, junto a más de cuarenta debates, llenarán de color y música las noches de Segovia desde el día 25 y hasta el 28 de septiembre dentro de las actividades del Hay Festival Segovia.

La estrella de la escena folk británica, Seth Lakeman, que acaba de presentar su cuarto álbum en el Reino Unido, cantante, escritor, violinista y guitarrista, ofrecerá su primer concierto en España. Lakeman, habitual en Hyde Park, le debe tanto a Led Zeppelin como a la tradición folk. El periódico The Times le describió recientemente como “el hombre que ha puesto de moda el folk"; ha actuado en el festival de Glastonbury y ganó los premios al Mejor Cantante del Año y Mejor Álbum en los BBC Radio 2 Folk Music Awards.

Por su parte, descubierto por Peter Gabriel, el guineano N'Faly Kouyate y su grupo, habituales de los festivales WOMAD, proponen una excitante fusión de los ritmos africanos y occidentales. Mediante su música acercan la tradición mandinga al futuro.

La palabra nos la brindarán distintos creadores e intelectuales como Daniel Pennac, Germaine Greer, Paul Preston, Klaus Wagenbach, entre otros.

Daniel Pennac, escritor francés nacido en Marruecos (Casablanca, 1944). Proveniente de una familia militar, pasó su infancia en tierras africanas y del sudeste asiático y su juventud en Niza, donde se graduó en letras y se decantó por la enseñanza. Tras iniciar su actividad literaria con libros para niños, adquirió gran popularidad gracias a las novelas de la saga en torno a la familia Malaussène, aunque también ha escrito otras novelas, ensayos... De estos es célebre el titulado Como una novela, en el que enumera los derechos del lector.

Por otra parte, con motivo del Homenaje que el Hay Festival brinda a los protagonistas del Mayo del 68, la escritora australiana Germaine Greer y el hispanista británico Paul Preston estarán en Segovia la última semana de septiembre.

Germaine Greer (Australia, 1939), académica y escritora, es reconocida por ser una de las representantes feministas más importantes del siglo XX, autora de varios libros mundialmente aclamados. Greer hablará sobre su educación anarquista y la importancia que el ejemplo español tuvo para ella y sus camaradas.

La autora de La mujer eunuco (1970, traducida a más de 8 idiomas), charlará además con el periodista checo Tomás Vrba y con el español Juan Cruz a propósito de la repercusión del Mayo del 68 en sus respectivos países.

Por su parte, Paul Preston, famoso historiador británico, catedrático de la London School of Economics, especializado en historia contemporánea española y autor, entre otros libros, de las biografías de Francisco Franco y Juan Carlos I, compartirá con nosotros su interpretación de los sucesos de Mayo de 68 en España y la repercusión de estos a lo largo los años setenta en la apertura de España hacia la democracia.

El cine estará presente en el Hay Festival a través de la figura del director Nick Broomfield, ganador de la Concha de Plata del Festival de San Sebastián 2007 a la Mejor Dirección con La Batalla de Hadiza. Ha dirigido varios largometrajes y documentales, entre los cuales se encuentran Ghosts (2006) y Quién mató a Kurt Cobain (1998). Tras estudiar cine en el National Film and Television School, Broomfield se ha dedicado a la elaboración de películas y documentales definidos por una extensa labor de documentación y el intento de ofrecer una visión múltiple sobre los hechos narrados. Ghosts y La Batalla de Hadiza se proyectarán en el Hay Festival el sábado 27 y el domingo 28 de septiembre y serán presentadas por su autor dentro del programa del Festival.

Las artes plásticas llegan de la mano de la Fundación MAPFRE, la Fundación Delfina, la AECID y la Junta de Castilla y León a través del MUSAC - Museo de Arte Contemporáneo de León -; todas ofrecen una completa y heterogénea visión del arte de nuestros días.

Venta de entradas en:

Internet: www.hayfestival.com/segovia o en el tlf: 915 779 506 (de 11 a 19 horas).
Desde el 24 hasta el 28 de septiembre en la oficina de Turismo, junto al Acueducto. Tlf: 648 092 787

 Hay Festival, Segovia, literatura, música
 

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lunes, 15 de septiembre de 2008

Power Food

Power Food es el enérgico título del proyecto ideado por Miralda-FoodCultura en una visión muy particular sobre la cultura de la comida y la alimentación. Desde hace ahora dos años, el equipo Food Cultura dirigido por el artista ha trabajado en concretar esta imagen poética y poderosa de la comida en un ámbito antropológico universal. La exposición propone una red de conexiones que une la comida con la energía y la medicina al mismo tiempo que con los ritos, la tradición, las creencias y la cultura popular. Por último analiza las relaciones de esta necesidad básica con el control, el marketing y la representación del poder. Es decir, una mirada a uno de los principales motores de nuestra cultura, la economía y las relaciones sociales.

La comida comparte un mismo universo con el resto de necesidades primarias, y junto con ella, la bebida y el abrigo, pero también el sexo, el afecto o el sentido de pertenencia a un grupo, se encuentran en el origen de los objetos y conceptos que son diseccionados en este proyecto, que parten de un lenguaje simple y efectivo. Los colores vivos, una estética popular kitch y el uso de códigos de seducción que ligan al objeto con el éxito en las relaciones sociales o la salud, nos arrastran por la exposición entre la fascinación, el reconocimiento y la sorpresa.

Artium (Centro - Museo Vasco de Arte Contemporáneo) - Vitoria-Gasteiz
Hasta el 2 de noviembre de 2008

 Power Food, Artium, Vitoria-Gasteiz
 

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martes, 29 de julio de 2008

Libros de Exposición

Libros de Exposición es el nombre de un curioso blog creado recientemente por la periodista Susana López del Toro y concebido como un espacio abierto para todos aquellos amantes de los libros en general y de los formatos en miniatura, las ediciones pop up, los volúmenes alterados y otras curiosidades bibliófilas.

Esta página se ha generado a raíz del éxito de las exposiciones La biblioteca de Liliput y Libros en movimiento, con obras de la colección de la propia López del Toro. La Biblioteca de Liliput cuenta con las 25 ediciones más pequeñas del Quijote y una reproducción del despacho que tuvo Cervantes en la toledana localidad de Esquivias.

Es precisamente en Toledo, y más concretamente en la impresionante sala Borbón Lorenzana del no menos impresionante Alcázar, donde se expuso por vez primera, en marzo de 2007, la colección de miniaturas. Tras el éxito de crítica y público allí obtenido, la minúscula biblioteca ha iniciado un recorrido por toda España que ha tenido como siguientes paradas la Biblioteca Miguel de Cervantes de Burgos, el Archivo Histórico de Ciudad Real y, en octubre de 2008 se alojará en la Biblioteca Municipal de Cádiz.

El blog estudia en profundidad la historia de los libros en miniatura, exposiciones, curiosidades y todo lo relativo al tema apoyado en una excelente documentación. Una nueva forma, y diferente, de promover la cultura, el amor por los libros y el fomento de la lectura.

 Libros de Exposición, miniaturas, pop up, blog, exposición
 

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viernes, 18 de julio de 2008

Nueva revista cultural La Fundación

Una nueva revista acaba de nacer. Se trata de La Fundación, Revista de Fundación Mapfre, con cuya edición sus responsables se proponen difundir las actividades que desarrollan los diferentes Institutos de la Fundación, contribuyendo a promover la cultura en su expresión más amplia.

Junto a entrevistas y reportajes, informarán sobre las actividades fundacionales en el mundo, deteniéndose en las grandes exposiciones, buceando en la vida artística y cultural, ocupándose del fomento de la seguridad en todos sus órdenes, la mejora de la calidad de vida, del medio ambiente y de los sectores más desfavorecidos.

Con carácter bimestral, La Fundación aspira a quedarse entre nosotros sustentándose sobre la base que las empresas e instituciones deben inspirar, y con la confianza de que sus lectores, con sus críticas y sugerencias, ayuden en su redacción y su andadura. Enhorabuena por la iniciativa.

 La Fundación, Mapfre, Revista cultural
 

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miércoles, 16 de julio de 2008

Duo Book

"Duo Book" es una colección de libros para ver y leer editada por Cano Estudio. En su volumen inicial recopila, por primera vez, los dibujos del artista madrileño Juan Zamora (1982) y un relato del dominicano Junot Diaz (1968).

"Playing with myself" de Juan Zamora se compone de una selección de dibujos que son el resultado del juego del artista consigo mismo, indagando en el imaginario colectivo partiendo del suyo propio. Dibujos de seres, cuerpos y objetos antropomórficos, en bolígrafo o lápiz, ubicados en lo absurdo y lo cotidiano, en sintonía con Tim Burton o el David Lynch de "Cabeza Borradora".

Actualmente la exposición "Playing with myself" se puede visitar en el espacio SIN TITULO, la galería de Cano Estudio, hasta el 20 de julio.

"Invierno" de Junot Díaz es un relato intimista y realista, con todos los ingredientes que han contribuído a convertirle en un autor consagrado. El mítico autor del libro de relatos "The Boys" (Mondadori, 1996) ha sido recientemente galardonado con el Premio Pulitzer de novela 2008 por la obra "La breve y asombrosa vida de Oscar Wao" (Mondadori, 2007).

El primer volumen de "Duo Book" consta de una tirada de 1.000 ejemplares firmados por el artista.

 DUO BOOK, Juan Zamora, Junot Díaz, Cano Estudio
 

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domingo, 13 de julio de 2008

V Foro sobre Arte y Coleccionismo - ARTESANTANDER

Del 17 al 19 de julio, y dentro de las actividades de ARTESANTANDER 2008, tendrá lugar el V Foro sobre Arte y Coleccionismo, que se desarrollará en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander (Avda del Stadium s/n - 39005 Santander).

El programa será el siguiente:

Jueves 17 de julio:
18:00 horas. Presentación del I Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera. "El animal que llevo dentro". Intervendrán Fernando María Centenera, Juan González de Riancho y Óscar Alonso Molina.
19.00 horas. Mesa Redonda. Las ferias de arte como experiencia y aventura.
Participarán Carlos Jiménez, Juan Antonio Álvarez Reyes, Paco Barragán y Darío Corbeira.

Viernes 18 de julio:
18:00 horas. Presentación de El Libro de la Galería Miguel Marcos 1977 - 2005
Intervendrán Miguel Marcos, Juan Manuel Bonet y Fernando Castro Flórez.

Sábado 19 de julio:
18.00 horas. Mesa redonda. ¿Exponer es exponerse?
Participarán David Barro, Carlos Vallejo, António Moutinho Cardoso y Carlos Rosón.

 Artesantander, Foro, Arte, Coleccionismo
 

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miércoles, 9 de julio de 2008

Los mejores libros de fotografía del año

El arte fotográfico encuentra un aliado en el libro, ese objeto que confina los contenidos más preciosos, los divulga y los resguarda del olvido en sus múltiples copias distribuidas en bibliotecas públicas y particulares. Pero un libro no es una exposición. Tampoco es exactamente una exhibición. Las fotografías editadas en el códice se dirigen a un único lector, que disfrutará de ellas en la intimidad, salvaguardado de miradas extrañas. El libro requiere su lenguaje propio y cada artista encuentra un espacio, siempre variable, en las páginas. En los libros de fotografía, el objeto-libro y su diseño tiene la propiedad de ocultarse, para que sólo se perciba la imagen que almacena.

PhotoEspaña siempre ha dedicado un lugar preponderante a los editores de libros de fotografía y sus creaciones, para reconocer su importante labor divulgativa, al convocar desde 1998 el Premio PhotoEspaña al Mejor Libro de Fotografía del Año. En esta edición 2008 se han recibido, de todas partes del mundo, de pequeñas y grandes editoriales, más de 400 obras, que compiten en igualdad de condiciones por obtener este galardón que se ha constituido como un referente internacional de prestigio y calidad.

Los 100 libros seleccionados para la última vuelta del concurso se exponen hasta el 27 de julio en la Biblioteca Nacional de España, lugar del arte bibliográfico por excelencia, una muestra de lo mejor que se ha publicado en materia fotográfica durante el año pasado.

(Foto: Julio César González)

 Libros de fotografía, PhotoEspaña, Biblioteca Nacional
 

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sábado, 5 de julio de 2008

VisualKultur

En la última edición de la Feria del Libro de Frankfurt, en la que la cultura catalana fue la cultura invitada, el Museum für Angewandte Kunst Frankfurt acogió la exposición VisualKultur. La muestra, recientemente inaugurada en Barcelona, realiza un recorrido por la cultura visual catalana desde los años sesenta del siglo XX hasta hoy.

VisualKultur.cat recoge un centenar de obras que, en formato libro, han sabido combinar el trabajo de artistas, escritores, diseñadores y editores de tal forma que el libro/objeto ha pasado a convertirse en obra de arte. Desde vanguardistas como Miró, Dalí, Tàpies o Brossa hasta diseñadores gráficos actuales como Prat, Gifreu o Torrent, pasando por diseñadores estrechamente relacionados con el diseño de la marca Barcelona como Mariscal, América Sánchez o Serrahima tienen obras en VisualKultur.

También destacan obras procedentes de sectores no relacionados directamente con el libro como Comediants o el músico Santos. El recorrido por la exposición está dividido en siete partes, cada una de las cuales corresponde a una de las siete vocales del catalán: a, è, é, i, ò, ó y u.

 VisualKultur, Barcelona, libro, arte
 

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martes, 1 de julio de 2008

ARTESANTANDER 2008

Del 16 al 20 de julio de 2008 se celebrará ARTESANTANDER 2008, XVII Feria Internacional de Arte Contemporáneo. El mercado del arte contemporáneo vive un ciclo expansivo y Cantabria ha adquirido una gran reputación como sede de importantes colecciones e iniciativas artísticas. Santander es particularmente dinámica como metrópolis del arte contemporáneo. Su paisaje sectorial incluye todos los elementos de un sistema en funcionamiento, con artistas renombrados, instituciones prestigiosas y una densa red de galerías particulares de prestigio considerable.

Con la limitación consciente a 32 galerías exclusivas españolas y portuguesas, en Artesantander estarán representadas las más interesantes vanguardias del arte contemporáneo, convirtiéndose así en cita obligada para todos los aficionados, coleccionistas y profesionales del mercado del arte.

 ARTESANTANDER, Arte Contemporáneo, Feria
 

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viernes, 27 de junio de 2008

Archivo Rojo

Este valioso conjunto fotográfico fue creado por la Junta de Defensa de Madrid como Fondo propagandístico para denunciar los desastres de la Guerra Civil. Posteriormente, fue ocultado y utilizado por el otro bando como instrumento de represión de las ideas políticas. Hoy, sus imágenes nos acercan más a los actos encaminados para el recuerdo y homenaje de las víctimas de los bandos en guerra y para que la sociedad actual reafirme los lazos de convivencia política y social recogidos en el espíritu de la Constitución de 1978.

Puede decirse que el origen de este archivo fueron los primeros días de la Guerra Civil española, en julio de 1936, aunque también aparecen imágenes de acontecimientos anteriores, como la sublevación de Jaca de 1930 o los sucesos de Asturias de 1934. En cualquier caso, la mayor parte de las imágenes reflejan el terrible asedio a Madrid, el más largo de la contienda, cuyas calles serían el escenario de tan enorme tragedia. Parece ser que el nombre del Archivo se debe a Vicente Rojo, militar español, famoso por su participación al frente de las fuerzas del bando republicano durante la Guerra Civil Española y uno de los generales de mayor reputación por entonces.

Edificios destrozados por las bombas, heridos de guerra, madres e hijos aterrorizados en medio de la desolación, víctimas de los bombardeos,... Son algunas de las más de 3.000 imágenes del llamado Archvo Rojo que pueden contemplarse a través del Portal de Archivos Españoles del Ministerio de Cultura.

Es interesante señalar que este importante fondo es interactivo, de manera que cualquier persona puede aportar información sobre las imágenes que aquí aparecen, resultando, además, de gran ayuda para que el resto de los visitantes se forme una idea más detallada de estos trágicos acontecimientos que forman parte de nuestra Historia.

 Archivo Rojo, Guerra Civil, España, República
 

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jueves, 26 de junio de 2008

Euskadi Innovación 2008

El diario Deia entrega con el periódico de hoy EUSKADI INNOVACIÓN 2008, una revista de 136 páginas donde se podrá descubrir un Top 100 de la innovación, el ránking de las cien personas vivas más rompedoras del momento. Adentrándose en las claves de Internet, la cultura, el deporte y la ciencia nos ofrecen un abanico de entrevistas y reportajes a fondo, contándonos la historia de empresas revolucionarias, de insólitos inventos y rindiendo homenaje a las mentes más brillantes de Euskadi, desde cocineros y músicos a emprendedores y cibergurús.

Joaquín Achúcarro, Bernardo Atxaga, Iñaki Gabilondo, Elías Querejeta, Miguel Zugaza, Iratxe Larrea, Karlos Arguiñano, Ainhoa Arteta o Javier Celaya son algunos de los nombres que figuran, cada uno en su terreno, dentro de este Top 100 de la innovación en el País Vasco.

Es un honor para nosotros formar parte de esta relación, no sólo por el hecho de compartirla con quienes lo hacemos, sino por lo que representa encontrarse dentro de un grupo de personas que destaca por su espíritu innovador, algo que siempre hemos defendido y por lo que seguiremos trabajando.

 Euskadi Innovación 2008, Deia, Innovación, Top 100
 

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viernes, 20 de junio de 2008

John M. Robinson

John M. Robinson nació en 1981 en Worcester, Reino Unido.

Estudió en el Falmouth Collage of Arts bajo la enseñanza de R. O. Lenkiewicz. A partir de 1998 realiza múltiples exposiciones individuales y colectivas (The Art House, Birmingham, Beside the Wave Gallery, Falmouth, U.K., Tate Gallery, London, Museo del Ferrocarril, Madrid).

Recibe varios premios, por ejemplo, el Richard Ford Award for painting, Royal Academy, London, en 2004 y 2005.

Robinson, desconocido para el público español, despliega en sus cuadros un dominio técnico y conceptual extraordinario, poco frecuente en la pintura contemporánea. Posee también algo que pocos tienen en cualquier rama del arte, y que diferencia a los buenos artistas del resto: su propia identidad, su sello. Toda su obra se reconoce como suya, tiene su estilo propio. Influye en ello que el pintor vacíe su alma en cada uno de sus cuadros. En todos ellos es el protagonista absoluto, en todos se autorretrata, pero siempre en posturas o situaciones tan personales e íntimas que exigen una profunda lectura de la historia que lleva consigo.

En su pintura, Robinson quiere ordenar su imaginación. Y con ello obliga al espectador a imaginar con él, juntando y combinando las piezas y las pistas que nos ofrece y recreando la historia a nuestro modo, haciéndola nuestra. Que coincida o no con la suya es lo de menos.

Puede verse su obra en la web www.johnmrobinson.co.uk.

 Galeria Rita Castellote, Madrid, John Robinson
 

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jueves, 19 de junio de 2008

Desaparición de otra revista cultural

Si ahora hace un año, en junio de 2007, os anunciábamos el nacimiento de la Revista Plástico, ahora sentimos tener que comunicaros su desaparición, algo tan frecuente, por desgracia, en el mundo de las revistas culturales.

Por lo tanto, es triste tener que informaros de que el próximo 21 de junio de 2008 tendrá lugar la presentación del tercer y último número de la Revista Plástico. Será en el Espacio de Arte Contemporáneo Rojo Máquina (C/ San Vicente Ferrer, 63 - Madrid) a las 20 horas.

Guardaremos sus tres números de vida y agradecemos desde aquí el buen trabajo de sus autores.

 Revista Plástico, arte, cultura, último número
 

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MARCO de Vigo

El Museo de Arte Contemporánea de Vigo (MARCO), en coproducción con el Koldo Mitxelena de San Sebastián, presenta mañana día 20 de junio "El Medio es el Museo", un proyecto expositivo compuesto de diferentes tipos de trabajos que abordan el museo o la institución como soporte de las obras de arte.

Tratando de entender y relacionar procesos complementarios que se observan desde los años noventa, como el resurgimiento de las prácticas performativas y contextuales, junto al auge de la arquitectura de museos, o el optimismo del mercado del arte frente el malestar de ‘lo público’, la intención de los comisarios es reflexionar sobre el museo entendido como medio y material, pero también como un sistema de convenciones establecidas históricamente en un lenguaje concreto, con el objetivo de mostrar cómo las acciones formales e ideológicas de los artistas en el mismo interpretan y cuestionan las nuevas condiciones dando lugar a importantes transformaciones.

La exposición se concibe necesariamente a partir de un número de obras específicas realizadas para cada una de las sedes —el MARCO de Vigo y el Koldo Mitxelena de San Sebastián— y una serie de piezas comunes adaptadas a los espacios de ambos museos. En cada lugar y momento, el espacio arquitectónico, el contexto o el funcionamiento cotidiano de la institución, actúan como los elementos significativos del contenido de la exposición. Es decir, se ha desnudado al máximo el museo, de manera que es éste, como ‘soporte’, lo que se exhibe: el espacio resulta así dimensionado, especificado, interpretado y performado en su totalidad a través de las acciones de los artistas y de la participación del público.

Los artistas que se exponen en esta muestra son Lara Almarcegui, Monica Bonvicini, Arabella Campbell, Maria Eichhorn, Annika Eriksson, Mario García Torres, Félix González Torres, Ceal Floyer, Andrea Fraser, Luca Frei, Jeppe Hein, Louise Lawler, Maider López, Loreto Martínez Troncoso, Roman Ondák, Sergio Prego, Karin Sander, Tino Sehgal, Sancho Silva y Thomas Struth.

EL MEDIO ES EL MUSEO
MARCO de Vigo - Del 20 de junio al 28 septiembre de 2008

 MARCO, Vigo, Koldo Mitxelena, exposiciones
 

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martes, 17 de junio de 2008

VISIBLE 08

Un año más, el Festival Internacional VISIBLE Madrid de cultura LGTB de COGAM quiere ser un encuentro para la reflexión desde la cultura y desde lo LGTB, una mirada acerca de los temas que interesan y preocupan, tanto en relación con las artes plásticas como con el teatro y la danza. Una mirada desde la cultura a la diversidad social, artística, de género y de orientación sexual de nuestra sociedad. Este año con dos temas relevantes: por un lado, la visibilidad lésbica, con varios espectáculos teatrales que tratan el tema; y por otro, destacar que este año se cumplen 25 años de VIH, 25 años de muerte, silencio y exclusión social. Una exposición nos recuerda que la enfermedad sigue ahí, que no hay que bajar la guardia y que es uno de los principales retos a los que el siglo XXI deberá hacer frente.

La 4ª edición de VISIBLE Madrid Festival Internacional de cultura LGTB de COGAM se desarrollará entre el 11 de junio y el 20 de julio en Madrid, San Fernando de Henares y Pozuelo. El Festival presentará 12 exposiciones y 19 montajes teatrales, un total de 31 convocatorias culturales en 18 diferentes espacios.

 Visible 08, COGAM, gay, Madrid, festival
 

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viernes, 13 de junio de 2008

La Noche de la Fotografía

Hoy se celebra La Noche de la Fotografía, que seducirá a miles de personas con un cóctel de fotografías, proyecciones, instalaciones, actividades, DJ's y música en directo en el centro de Madrid.

La Noche arrancará en la Fundación Canal con el PHotoMaratón Canon, una yincana fotográfica que contará con la participación de 1.000 fotógrafos que recorrerán el centro de Madrid durante 6 horas

Andreu Buenafuente, director del portal de fotografía Captura.org, dará el pistoletazo de salida a las 18.00h. en los jardines de la Fundación y desvelará el tema que los participantes tendrán que fotografiar. Las inscripciones, que serán gratuitas, comenzarán a las 16.00h.

A las 17.30h. se inaugurará la exposición Mírate, resultado de Retrátate, actividad con la que arrancó el Festival y que sirvió para que ciudadanos anónimos fueran inmortalizados por los fotógrafos Amy Chang, Miguel Trillo, Luis de las Alas, Sofía Moro, Marta Soul y Ricardo Cases. Todos los autores estarán presentes en la inauguración

Desde las 21.00h. en la Plaza de Santa Ana, 250 cajas de zapatos se convertirán en cámaras fotográficas en Camper Shoebox Camera. Una proyección en la plaza del Ángel mostrará los trabajos realizados previamente con esta técnica por la fotógrafa Amy Chang.

Las plazas de Santa Ana, Platería Martínez, del Ángel y de las Letras acogerán proyecciones de fotografía y audiovisuales. Los trabajos del portal Captura.org y Descubrimientos PHE se proyectarán en pantallas gigantes desde las 21.30 h. hasta medianoche en estos espacios.

Paralelamente, la Plaza de las Letras acogerá una instalación de Medialab con proyecciones de Pablo Valbuena. La música invadirá el Barrio de las Letras con pasacalles, batukada y Dj's.

24 centros de arte y 26 galerías participantes en PHE08 ampliarán sus horarios hasta las 22.00 h., algunas de las cuales contarán con la presencia de los autores en sus salas. Casa de América e Instituto Cervantes realizarán dos visitas guiadas a cargo de los artistas que allí exponen.

La Noche concluirá a las 00.00h. en la Plaza de Santa Ana, donde la presentadora Raquel Sánchez Silva anunciará el nombre del ganador del PHotoMaratón Canon.

Más información www.phedigital.com

 La Noche de la Fotografía, PhotoEspaña, Madrid
 

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lunes, 9 de junio de 2008

Fernando Botero en el IVAM

El IVAM, en colaboración con la Fundación Caixagalicia, ha organizado la exposición “Fernando Botero. Abu Ghraib - El Circo”, que presenta dos series recientes de este artista colombiano. Configura la exposición un total de 51 pinturas y 47 dibujos pertenecientes a las series Circus (27 pinturas y 25 dibujos) y Abu Ghraib (24 pinturas y 22 dibujos).

La primera serie nace del interés de Botero por el mundo del circo, que ya inspiró a otros artistas como Calder, Picasso, Léger o Chagall. Botero retrata en sus dibujos los personajes tradicionalmente vinculados a este espectáculo, con la particular fisonomía monumental característica de su estilo.

En la segunda, Abu Ghraib, Botero representa las torturas a las que fueron sometidos por parte de algunos soldados estadounidenses los prisioneros de guerra en la infame cárcel iraquí. Durante un año, a partir de la lectura de un artículo critico publicado en el New Yorker, que dio la vuelta al mundo, el artista trabajó para plasmar y denunciar el drama de la tortura que sufrieron los presos.

Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932), pintor y escultor colombiano, está considerado uno de los artistas vivos latinoamericanos más importantes y el más cotizado. Con una extensa obra producida a lo largo de cinco décadas, su estilo es ampliamente reconocido.

IVAM Institut Valencià d’Art Modern
Del 20 de mayo al 6 de julio de 2008

 Botero, Abu Ghraib, El Circo, IVAM
 

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viernes, 6 de junio de 2008

Carlos Albalá

La galería Utopia Parkway presenta la última exposición fotográfica de Carlos Albalá, bajo el título de Confines, y que podrá visitarse del 6 de junio al 18 de julio de 2008.

La exposición es el resultado de una selección de sus series Periferia y Límite Norte. Más allá de la carga metafórica e incluso ideológica, lo que importa en estas fotografías es el estilo, el aliento poético, la capacidad de elevar lo que sólo son residuos a la categoría de ruinas. Además, Albalá ha vestido estos paisajes, que son los de su infancia, con un manto de niebla que les otrga un cierto romanticismo sin restarles un ápice de verdad.

Confines - Carlos Albalá
Galería Utopia Parkway
C/ Reina, 11 - 28004 Madrid
Del 6 de junio al 18 de julio de 2008

 Carlos Albalá, Utopia Parkway, fotografía
 

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jueves, 5 de junio de 2008

Observatori 2008

El Centro del Carmen de Valencia acogerá del 5 al 29 de junio Observatori 2008 que, en su novena edición, reunirá importantes nombres de la escena del arte contemporáneo, las performances, el diseño, la creación digital y de los sonidos más experimentales.

La exposición toma el documental La Red: el Unabomber, el LSD e Internet de Lutz Dammbeck (2004) como punto de partida para considerar dos respuestas contradictorias a la revolución cibernética. Como en el film, la exposición After The Net expone el lado oculto de los avances revolucionarios, las coincidencias y conspiraciones; refleja para ello la arquitectura de los trabajos en red, explora algunas de las raíces históricas de los sistemas tecnológicos abiertos en relación con la ética y los reutiliza para reactivar algunos de los principios fundadores de la ética del hacker.

La exposición hace hincapié en los cambios históricos del poder del trabajo en red mostrando, por un lado, el Software libre en el que los usuarios controlan a los proveedores y, por otro, las plataformas sociales online, en las cuales los usuarios se someten voluntariamente al poder de la red. La exposición también incluye openKURATOR, una selección especial de trabajos online seleccionados a partir de una convocatoria abierta.

Son algunas de las sugerencias de esta novena edición del Festival de Investigación Artística de Valencia. Observatori 2008 quiere ser un revulsivo para la escena artística menos acomodaticia en este país. Una cita capital para públicos despiertos, artistas y creadores del arte último, que aspira a ser actual y proporcionar un espacio para el encuentro y la reflexión.

Entre los convocados destacan Jeff Gompertz & Caen Botto (Universomente), Aymeric Mansoux & Marloes de Valk (GOTO10), José Antonio Orts, project.arnolfini & Wayne Clements, Rui Guerra, Linda Hilfling & Kristoffer Gansing, entre otros.

Del 5 al 29 de junio de 2008
Sala Ferreres- Centro del Carmen (Valencia)
Entrada Gratuita

 Observatori, arte contemporáneo, Valencia
 

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viernes, 30 de mayo de 2008

Tom of Finland

Tres años después de su primera exposición individual en España, la galería Espacio Mínimo cierra la temporada 2007-2008 con una nueva exposición individual de TOM OF FINLAND, artista que con sus emblemáticos dibujos de hombres jóvenes de estereotipada belleza y exagerada virilidad en escenas abiertamente eróticas, consiguió fijar la estética gay masculina de las últimas décadas del pasado siglo e incidir en el trabajo de un gran número de jóvenes creadores de disciplinas diversas.

Si la anterior exposición se centraba exclusivamente en los dibujos preparatorios de sus publicaciones, realizados a lápiz y que muestran la rapidez y frescura de su ejecución, el título de la nueva exposición, Masterpieces, nos da pistas sobre su contenido: piezas maestras de su producción, la gran mayoría solamente para su exhibición y no para la venta ya que forman parte de los fondos de la colección permanente de la Fundación Tom of Finland de Los Angeles.

Galería Espacio Mínimo. Madrid.
Del 20 de Mayo al 11 de Julio de 2008

 Tom of Finland, Galería Espacio Mínimo, Madrid, Masterpieces
 

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Pierre Gonnord, Premio de Cultura de la CAM

Pierre Gonnord, fotógrafo francés y residente en Madrid desde 1988, acaba de recibir el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid.

Pierre Gonnord (Cholet, 1963) en la actualidad es uno de los principales exponentes de la práctica del retrato. Su obra ha sido expuesta en diversas ciudades de España -participando en diversas exposiciones organizadas por la Comunidad de Madrid., Francia, Portugal y Estados Unidos. En nuestro país su obra está presente en la prestigiosa galería de arte de Juana de Aizpuru.

El artista ha recorrido diferentes países buscando seres anónimos y peculiares cuya forma de vida evoca una realidad fuera de lo establecido y con los cuales suele establecer una relación que trasciende el esquema de modelo/fotógrafo.

A través de una técnica exquisita y depurada, Gonnord profundiza en el universo privado de cada uno de los personajes que retrata: jóvenes urbanos, vagabundos, geishas, mujeres japonesas tatuadas, outsiders o travestis. Seres transgresores y marginados de la sociedad. Su obra es un retrato minucioso de individuos urbanos, dentro y fuera de sus dominios, que expresan en su mirada la alienación de una lucha diaria por la vida.

En buena medida puede ser considerado un gran renovador y revitalizador del género del retrato, pero siempre desde una lectura atenta de la tradición y sus reglas. La enorme depuración estilística que ofrecen sus imágenes da buena cuenta de ello: hay elementos formales que conectan unas obras con otras, como es la utilización de los grandes formatos, la utilización de una iluminación que ayuda tanto a la descripción como a la interpretación de los sujetos, el rostro como elemento articulador de la mirada del retrato, el fondo negro, y ante todo, la cualidad de los personajes que fotografía.

En ningún momento cae en la tentación clasificatoria que suele dominar en el campo del retrato fotográfico, por el contrario resalta la esencia individual y la historia que habita en los rostros. Los sujetos de sus imágenes se construyen en sí mismos, no remiten a otro lugar que a su propio ser, por eso puede decirse que sus imágenes nos obligan a contemplar y reconocer en cada caso a otro ser humano, testigo y narrador de su propia existencia. La Feria de la Fotografía de París le dedicó una exposición antológica en septiembre de 2006.

 Pierre Gonnord, Premio Cultura, Madrid, fotografía
 

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miércoles, 28 de mayo de 2008

Claudia Bonollo

La Embajada Italiana y el Instituto Italiano de Cultura presentan, mañana jueves 29 de mayo de 2008 a las 19:30 horas, la conferencia: Origen de la Vida: Ética y Ciencia, donde participarán Edoardo Boncinelli, Antonio García-Bellido y Vincenzo Cappelletti.

Paralelamente tendrá lugar la instalación "El Cuerpo Imaginado". Espacio celular. Proyecciones en el patio del Instituto Italiano de Cultura, de la artista Claudia Bonollo.

Artista, arquitecto e investigadora, Claudia Bonollo tiene una formación multidisciplinar. Se diploma en la U.I.A. (Universidad Internacional de Arte) y en la Facultad de Arquitectura de Venecia. Estudios superiores en Londres y en la Etsam de Madrid. En 2002 funda el "ATELIER META-MORPHIC" una plataforma cultural para la investigación. Desde entonces realiza una serie de investigaciones multidisciplinares sobre las células, colaborando con profesionales de diversas disciplinas (críticos de arte, filósofos, antropólogos, médicos, neurobiólogos, psicólogos y teólogos).

En sus instalaciones transforma, con la luz, el color y las imágenes digitales, el espacio arquitectónico en un espacio sensible, emotivo, donde el visitante forma parte de la obra. Ha expuesto en Londres, Barcelona, Berlín, Madrid, Florencia, Venecia y Milán. Su trabajo artístico está presente en colecciones públicas y privadas.

 Claudia Bonollo, Origen de la vida, Cuerpo imaginado
 

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martes, 27 de mayo de 2008

Centenario del Museo de Bellas Artes de Bilbao

Este año se celebra el centenario del Museo de Bellas Artes de Bilbao . Por este motivo tendrá lugar un buen número de extraordinarias exposiciones, de las que a continuación ofrecemos un avance:

PETER BLAKE: RETROSPECTIVA
Hasta el 22 de junio de 2008
DE GOYA A GAUGUIN. EL SIGLO XIX EN EL MUSEO DE BELLAS ARTES DE BILBAO
Del 16 de junio al 28 de septiembre de 2008
EL PAPEL DEL ARTE VII. PICASSO Y LOS LIBROS. COLECCIÓN BANCAJA
Del 18 de septiembre al 30 de noviembre de 2008
SOROLLA. VISIÓN DE ESPAÑA. COLECCIÓN DE LA HISPANIC SOCIETY OF AMERICA
Del 13 de octubre de 2008 al 18 de enero de 2009
EL PAPEL DEL ARTE VIII. SIGLOS XIX-XX. DE CÉZANNE A LÉGER
COLECCIÓN MUSEO DE BELLAS ARTES DE BILBAO
Diciembre 2008

 Museo de Bellas Artes, Bilbao, centenario
 

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miércoles, 21 de mayo de 2008

Piel

Acaba de aparecer el libro “Piel”, de Ethel Baraona Pohl, resultado de dos años de investigación arquitectónica. Fachadas dinámicas, ventiladas, compósitos de alta tecnología o tradicionales con nuevas prestaciones. Este libro muestra que actualmente las nuevas pieles no sólo aislan; además interactúan con el medio, optimizando el intercambio de energía con el exterior. Desde Alemania hasta Australia, o de Corea a Colombia; son muchos los ejemplos que el lector podrá visitar con esta publicación. Con vocación internacional gracias al texto bilingüe inglés-español, y con un lenguaje alejado de tecnicismos, este trabajo pretende mostrar a modo de "divertimento" el evolutivo campo de las fachadas en edificios.

Piel es un libro experimental publicado on-line dirigido especialmente a estudiantes. El libro literalmente navega entre diversos proyectos, saltando desde exteriores excepcionales en Asia hasta fachadas inteligentes en Europa. Lo novedoso de este libro es que permite realizar un juego virtual dirigido a viajeros google-earth (google-earth travellers): A través de clicks sobre las coordenadas de cada proyecto se inicia un viaje on-line con el que se puede llegar directamente a cada uno de los emplazamientos y visualizar el proyecto dentro de su entorno.

Ethel Baraona Pohl estudió arquitectura entre El Salvador y Guatemala. Este intercambio inicial le mostró las similitudes y diferencias del hecho arquitectónico según el lugar de implantación. Guiada por esta inquietud, y una vez establecida en Europa, vinculó su desarrollo profesional a varias publicaciones técnicas de arquitectura, las revistas Constructiva y Waterdrops. Su última publicación, Arquitectura Sostenible con Editorial Pencil de Valencia, se encuentra nominada a los RIBA Construction Book Awards 2008.

 Piel, Skin, arquitectura, Barahona Pohl
 

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jueves, 15 de mayo de 2008

Carmen Sebastián

Siempre se interesó por las artes. Siendo niña, dibujaba las aceras con tizas, y la pintura fue su diario de emociones. Comparte y enriquece su visión con numerosos amigos artistas y galeristas. Le gusta trabajar con imágenes que nacen de su fantasía y que le permiten explorar un mundo simbólico con el que retrata lo que le rodea. Su actividad como artista pertenece al mundo de lo personal, a la esfera de lo interior.

Especializada en el arte del grabado y en sus múltiples técnicas (aguafuerte, aguatinta, punta seca, manera negra, monotipos, carborundum, craquelado, talla de madera y azúcar), la obra de Carmen Sebastián se caracteriza por un exquisito tratamiento del color, la sensualidad de sus líneas y su profundo sentimiento evocador, conformando retratos irreales a partir de motivos o ideas procedentes del mundo real.

Paralelamente a su actividad artística, Carmen Sebastián es experta en Comunicación y ha publicado el libro "La Comunicación Emocional".

 Carmen Sebastián, grabados, comunicación emocional
 

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40 Maravillas

Acaba de ser publicada una guía para descubrir y visitar LAS 40 MARAVILLAS DEL PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD EN ESPAÑA, la primera obra editada de estas características que ofrece una completa visión de los lugares Patrimonio de la Humanidad de España, primer país del mundo en ciudades Patrimonio y el segundo en la totalidad de lugares, según el listado auspiciado por la UNESCO.La guía muestra al viajero 40 lugares Patrimonio de la Humanidad, incluido el Parque del Teide, el último de los sitios españoles incluidos en dicha selección.

El prólogo, escrito por Antonio Gala y titulado «Autorretrato español», describe la enorme diversidad cultural, paisajísitca y monumental de España.

«En este libro —escribe Gala— se hallan desde cuevas prehistóricas a ciudades y arquitecturas creadas por culturas diferentes. Desde Parques Nacionales, en los que la naturaleza se remansa, hasta el monumento oral del Misteri de Elche o los olivares ante los que presentaron armas, sin orden previa, los Cien Mil Hijos de San Luis que venían a conquistarlos. El que tenga este libro entre sus manos tendrá entre ellas la España más universal”.

El lector encontrará un ameno texto de Álvaro Marcos documentado con espectaculares fotografías, originales en su mayoría de Candy Lopesino y Juan Hidalgo, a lo que hay que añadir la información práctica y la cartografía, que le resultarán de gran utilidad. La guía invita a un viaje diferente y único a través de las 40 Maravillas del Patrimonio de la Humanidad.

 40 Maravillas, patrimonio, humanidad, España
 

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lunes, 12 de mayo de 2008

Descubriendo a Clara Janés

Uno de los mejores recuerdos que nos trajimos de nuestro viaje a Praga con motivo de la Feria del Libro fue conocer, charlar y, sobre todo, escuchar a Clara Janés, un auténtico poder magnético envuelto en la más absoluta sencillez. Porque, como gran dama de la poesía que es, uno se imagina otro tipo de persona. Pero no. Clara es auténtica, accesible y cercana, de mirada limpia y gesto y palabra siempre amables, con esa humildad que tienen los verdaderamente grandes que les impide ocultar el rubor de sus mejillas al oír un elogio hacia su trabajo.

Conocíamos su obra, cómo no, pero escuchada de sus labios al tiempo que recreaba sus propias anécdotas, era mucho más. Durante una velada poética celebrada en el mítico Café Viola, Clara nos leyó sus poemas, pero antes nos contó el origen de esos poemas, su historia, sus sentimientos en prosa, transportándose, y a nosotros con ella, a una Praga anterior, de hace mucho tiempo, desnudando sus sentimientos y descubriéndonos su valentía disfrazada de una abrumadora fragilidad.

A nuestro regreso a Madrid, nos faltó tiempo para adquirir su último libro La indetenible quietud (Editorial Siruela), aunque no en el tiempo, pues como toda su obra tiene su historia detrás. Durante la exposición antológica de Eduardo Chillida que tuvo lugar en Madrid en 1973, Clara Janés queda impresionada con una pequeña pieza en alabastro y comienza a visitar reiteradamente la galería para volver a ver la pieza ante “una necesidad de incorporarla a través de la mirada”. Tras conocer al autor e iniciar unas conversaciones en torno a la creación artística que durarían eternamente, Chillida propone a Clara hacer juntos un libro. Tendrían que transcurrir diecinueve años hablando del libro para que, en 1998, apareciera La indetenible quietud. Clara justificaría esos diecinueve años de amistad con Chillida como necesarios para entender, más allá de la obra, la propia esencia de su arte.

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 Clara Janés, poesía, Siruela, Feria del libro, Praga
 

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viernes, 9 de mayo de 2008

Apertura de CUE Madrid

CUE es un espacio para la expresión espontánea y la improvisación interdisciplinar; un espacio de creación y exposición de libre participación sin filtro de comisariado. El espacio, que abre hoy sus puertas, lo hará en adelante el primer viernes de cada mes en las naves de Intermediæ.

CUE cuenta con un espacio equipado con medios técnicos a disposición de los participantes (400 m2, amplificación, vídeo proyectores, cámaras de vídeo, canales de audio, reproductores de DVD y alguna que otra sorpresa). Cada participante está invitado a traer los dispositivos que considere: instrumentos musicales, camáras, grabadoras, pinceles, vestuario, objetos, etc. Cada mes distintos colaboradores crearán una escenografía diferente.

CUE será todo lo que suceda en ese espacio y en ese tiempo. Los participantes se sumergirán en un proceso de creación plural y simultánea en el que diferentes disciplinas, como danza, música, teatro, videoarte, escenografía o juego, dialogarán durante su proceso de producción desde la premisa de la improvisación.

La finalidad de CUE no es comunicar un resultado o un producto, sino crear las condiciones de posibilidad para que el participante viva y goce su tiempo, en un juego colectivo donde se busca una comunicación siempre nueva e inmediata bajo las claves de interacción, proceso y movimiento.

CUE se desarrolla en el contexto del programa de Ayudas a la Creación Contemporánea.

1ª Edición: 9 de mayo, desde las 20.00 horas
Lugar: Intermediæ, Matadero Madrid. Paseo de la Chopera, 14. Entrada libre

 CUE, Madrid, Matadero
 

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miércoles, 7 de mayo de 2008

Máquinas & Almas

El 26 de Junio se inaugura, en el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, la exposición "Máquinas&Almas", comisariada por la dirección de ArtFutura.

Previamente, el museo organiza un ciclo de conferencias entre el 5 y el 21 de Mayo. Las inscripciones están abiertas.

Este ciclo de conferencias a cargo de teóricos, filósofos y artistas reconocidos en el ámbito de los nuevos medios explorarán el estado actual de la discusión sobre la producción y el pensamiento en el ámbito del arte y la tecnología, a partir de tres ejes temáticos: sus orígenes y antecedentes, su relación con la ciencia, y su posición actual en el entramado institucional y en el mercado .

Con la participación de Derrick de Kerckhove, Erkki Huhtamo, Siegfried Zielinski, Jens Hauser, José Luis de Vicente, Christa Sommerer, Pau Alsina, Roy Ascott, Roberta Bosco, Peter Weibel y Antoni Abad.

 Máquinas y Almas, Reina Sofía, ArtFutura
 

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martes, 29 de abril de 2008

Esculturismo

La Sala Alcalá 31 de Madrid acoge la exposición Esculturismo, inspirada en los iconos populares y símbolos cotidianos. Esta muestra está compuesta por 14 instalaciones de 11 artistas de la "baja cultura", del icono popular y el símbolo cotidiano, que hacen uso del humor para desacralizar lo trascendente y dignificar lo banal. Su punto de inspiración son los iconos más comunes de la vida cotidiana partiendo de la ironía que entienden como trampa, con la forma de una imagen comercial, un referente popular, un ídolo masivo, una imagen televisada. Para realizar sus obras no han trabajado materiales nobles como el mármol o el bronce, sino otros más cotidianos como puedan ser el látex, la fibra de vidrio, el poliuretano, el plástico, las resinas y el poliéster.

En esta muestra, los participantes han entendido el arte como comunicación no como revelación, lanzando ideas como eslóganes y preparando mensajes como anuncios o titulares. En Esculturismo el artista desempeña el papel de publicista y aprovecha la oportunidad para reclamar, proclamar y ofrecer.

Los artistas participantes son: Virginie Barrè, Bene Bergado, Chus García-Fraile, Enrique Marty, Mateo Maté, Tony Matelli, Eugenio Merino, Bruno Peinado, Jorge Perianes, Óscar Seco y Adrian Tranquilli. Esculturismo. Iconos ácidos estará abierta al público, con carácter gratuito, hasta el próximo 18 de mayo con horario de 11:00 a 20:30 horas, de martes a sábados y los domingos, así como los días 2 y 15 de mayo, de 11:00 a 14:00 horas. Los lunes y el día 1 de mayo, la sala permanecerá cerrada. Por otra parte, también con carácter gratuito, todos los sábados de 12:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 20:00 horas y los domingos de 12:00 a 14:00 horas se realizarán visitas guiadas para ayudar al público asistente a acercarse a la realidad de esta exposición.

 Esculturismo, Sala Alcalá 31, Madrid
 

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lunes, 28 de abril de 2008

Espacios de Creación

La Fundación Fausto Orbegozo Eizaguirre ha editado una revista cultural llamada “Espacios de Creación” con la intención de acercar la cultura a la calle y dar a conocer a nuevos creadores.

Con carácter trimestral y bajo una amplia diversidad de contenidos que incluyen arte, cine, teatro, música, danza, arquitectura, ciencia, diseño, gastronomía y viajes, “Espacios de creación” nace con la idea de dar voz a todos aquellos creadores, noveles o consolidados, de toda la geografía nacional.

La revista, que cuenta con un formato muy cómodo para su lectura, está dirigida por José Antonio Ibáñez de Garayo, proyectada hacía los sectores profesionales y concebida como un apoyo hacia la obra de los nuevos creadores.

Damos la bienvenida a esta nueva revista que, bajo esta filosofía impulsadora del arte, aparecerá en escena con periodicidad trimestral al precio de 6€.

 Espacios de Creación, revista, cultural
 

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jueves, 17 de abril de 2008

Javier Pérez

La Galería Salvador Díaz inaugura la tercera exposición individual de Javier Pérez que, tras seis años de ausencia en Madrid, presenta su nuevo trabajo bajo el título Aria da Capo.

A través de distintos soportes – escultura, dibujo, fotografía, vídeo o performance – el trabajo de Javier Pérez ha indagado a lo largo de los años en la capacidad expresiva del cuerpo y en sus posibilidades de transformación a lo largo del tiempo. Su interés gira en torno a la carga poética y simbólica de un cuerpo volátil, múltiple y mudable, a menudo despedazado, que transmite a la vez dolor y belleza, deseo y repulsión, pureza y opacidad.

En esta exposición el artista presenta la serie Híbrido, piezas de resina negra de organismos que mutan de lo animal a lo vegetal, de lo brutal a lo poético, de la vida a la muerte. Las obras sufren esta metamorfosis al ritmo de las campanadas de Tempus Fugit, que marcan el inexorable paso del tiempo.

Línea de Horizonte se compone de sesenta piezas que experimentan una lenta evolución desde una forma aovada hacia un rostro que gradualmente va envejeciendo para volver de nuevo a la forma germinal. Por otra parte, la pieza que da título a la exposición nos presenta un baile de esqueletos flotantes que, al compás de un carillón musical que entona el Aria da Capo de las Variaciones Goldberg de J.S. Bach, giran incesantemente en círculos. Ambas piezas son claras referencias a la transitoriedad de un tiempo que en la obra de Pérez suele ser cíclico, infinito e ineludible.

Completan la exposición las impactantes series de fotografías Oda y Eros que se refieren una vez más a la transición de lo híbrido y al enunciado de una belleza tan atractiva como turbadora.

Javier Pérez nació en Bilbao en 1968. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao y amplió sus estudios en París, donde realizó en 1986 su primera muestra individual en la galería Chantal Crousel. Desde el comienzo de los años noventa se convierte en uno de los artistas españoles de mayor proyección internacional. Expuso en 1998 en el Espacio Uno y en 2004 en el Palacio de Cristal del Museo Reina Sofía y en 2001 fue elegido junto a Ana Laura Aláez para representar a España en la 49 Bienal de Venecia. Artium y el Carré d'Art de Nîmes le dedicaron en 2003 una muestra retrospectiva y el FRAC Haute - Normandie, Musée des Beaux Arts de Rouen, y la Maison de la Culture d’Amiens han acogido recientemente exposiciones individuales de su trabajo.

 Javier Pérez, Galería Salvador Díaz
 

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viernes, 11 de abril de 2008

Empoparte

Empoparte es una exposición colectiva en la que 20 artistas de diferentes disciplinas aportan su particular visión sobre el sexo, generando una propuesta artística que pretende tratar el tema desde una visión fresca que comienza con el lema de la exposición "con viento en pompa y a toda verga".

Desde diseños con un toque de picardía naif, hasta la iconografía más cercana al hardcore o el jugueteo con iconos gráficos de la década de los 90, son algunos de los recursos que utilizan los artistas invitados a Empoparte, dónde los diseños más pop se ponen al servicio del sexo para mostrarse ante el público a través de las más diversas disciplinas: ilustración, fotografía, diseño gráfico...

La inauguración de la muestra "Empoparte" tendrá lugar esta tarde en Shoeciety & Refugio de Monos (Calle Victoria, 83. Málaga), a partir de las 20:00.

 Empoparte, arte, sexo, Shoeciety, Málaga
 

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lunes, 24 de marzo de 2008

Luis Guardiola en 2nd Modstyle

Luis Guardiola participa en la exposición colectiva 2nd Modstyle que tendrá lugar del 29 de marzo al 4 de abril en Casa de Signos (Calle Imaginero Lastrucci 6, bajo, Sevilla), sede social de la Asociación artístico-cultural SIMAC (Signos de Mediodía).

La investigación e intervención en el paisaje es uno de los temas centrales de Luis Guardiola, mediante trabajos de campo en poblaciones y zona paradigmáticas de Andalucía.

Luis Guardiola comenzó a pintar en 1997 y desde entonces ha expuesto de modo colectivo e individual en diversas galerías de arte y otros espacios culturales. Su obra se encuentra ya en algunas grandes colecciones y ha realizado trabajos para varias publicaciones y entidades culturales. En la actualidad imparte cursos de cerámica artística, se dedica a la pintura individualmente y forma parte de SIMAC (Signos de Mediodía Arte Contemporáneo), grupo de artistas contemporáneos de Sevilla.

 Luis Guardiola, arte contemporáneo, Sevilla, Signos de Mediodía, 2nd Modstyle
 

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domingo, 23 de marzo de 2008

Let it be - versión Pitingo

Tras unos días de vacaciones, vuelta a la rutina :))

Para aligerar el día os recomiendo escuchar este vídeo de Pitingo; pedazo de artista.

 Pitingo
 

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lunes, 10 de marzo de 2008

Contenido neto

Durante la pasada edición de ARCO, la galería La Caja Negra presentó el proyecto “Contenido Neto” del artista mexcano Benjamín Torres que consiste en la producción de esculturas de yeso realizadas a partir de una selección de productos de supermercado adquiridos en Madrid, utilizando los empaques de los productos como moldes para la realización de las piezas de yeso.

Las piezas se colocarán en una estantería de metal, relacionando la instalación con un supermercado. También se realizarán piezas bidimensionales como fotografías y collages utilizando igualmente los empaques de los mismos productos.

“Contenido Neto” es un comentario relacionado con el mercado y la producción serial de bienes de consumo (en este caso ejemplificado por el mercado del arte y la escultura como producto de intercambio comercial) así como con la iconografía del consumo. Los empaques, al verse desprovisto de todo etiquetado y color, se convierten en siluetas que evocan hábitos de consumo que han pasado a formar parte de nuestra memoria colectiva y personal. El proyecto pone también sobre la mesa la problemática sobre la seriación y multiplicidad de la obra de arte al tiempo que expande los límites del concepto tradicional de edición.

 Contenido Neto, Benjamín Torres
 

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jueves, 6 de marzo de 2008

Vanguardia

1,2,3… Vanguardias. El Arte como Arte Contextual pone punto y final al ciclo de la Sala Rekalde de Bilbao que bajo el nombre Vanguardias ha estado investigando y explorando la historia de la experimentación en el cine y el arte y la interacción existente entre ambas.

En esta ocasión la muestra está basada casi integramente en la producción de cine polaco experimental de los años 70 ofreciendo una selección de películas de este periodo aunque también se puede contemplar propuestas artísticas contemporáneas internacionales que constituyen un reto para la interpretación de la historia del cine experimental. La muestra está estructurada en seis secciones: Estrategias Analíticas. Juegos y Participación. Cine político y Soc Art (arte socialista). Imagen y Sonido. Imaginación. Consumo

Una interesante exposición que analiza, asimismo, las implicaciones políticas, estéticas y teóricas de trabajar con el contexto de algunos artistas polacos activos en los años 70 y muestra las distintas maneras de abordar esta cuestión en la producción artística contemporánea.

 Vanguardias, Sala Rekalde, Bilbao
 

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miércoles, 27 de febrero de 2008

Juan Muñoz

Durante nuestro último viaje a Londres tuvimos la ocasión de visitar la retrospectiva más importante dedicada al artista Juan Muñoz en el Tate Modern de Londres . La muestra cuenta con más de 80 creaciones: esculturas, instalaciones, dibujos, obras radiofónicas y escritos, algunas nunca antes mostradas.

Durante casi veinte años Juan Muñoz creó, a través de su personal lenguaje, un corpus de una excepcional narratividad con referencias múltiples a la historia de la cultura occidental. Todas sus obras invitan al espectador a relacionarse con ellas, creando una fuerte sensación de aislamiento e introspección individual. Lo que se ve no es lo que parece: sus balcones deshabitados aluden a todo aquello que ocurre en el espacio que abarca la mirada; sus pasamanos sin destino llegan incluso a generar dolor y desasosiego al introducir elementos relacionados con la violencia como los cuchillos; la reminiscencia del Barroco se evidencia en los suelos ópticos que juegan con la arquitectura de Borromini en espacios tan significativos como la galería del Palazzo Spada de Roma, enmarcando y escenificando al personaje que los transita para hacerlo actuar; y las figuras suspendidas en el aire nos remiten a la trapecista de Edgar Degas, mientras que los grupos de personajes se contemplan como en el teatro de Máscaras Desnudas de Luigi Pirandello. Todas estas voces mudas, que intentan articular sonidos, crean un murmullo sordo que recorrerá los singulares espacios del Museo.

Tras su paso por el Tate Modern de Londres, esta exposición se trasladará al Museo Guggenheim Bilbao donde podrá ser visitada del 27 de mayo al 28 de septiembre.

 Juan Muñoz, Museo Guggenheim Bilbao, Tate Modern, Londres
 

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lunes, 25 de febrero de 2008

Ignacio Goitia

Ignacio Goitia (Bilbao 1968) presenta en las dos plantas de la madrileña Galería Ángel Romero, la exposición individual titulada Escenas Cotidianas. La exposición está compuesta por una serie de cuadros, de gran formato, en los que diferentes personajes, heterogéneos, liberados de prejuicios, deambulan libremente por diferentes escenarios urbanos, sacados de ciudades europeas como Viena, Madrid o Bilbao.

En su personal búsqueda de la libertad artística, Goitia, construye una nueva realidad en la que todo parece posible, gracias a ese aire de aparente cotidianidad que desprenden las situaciones de sus cuadros. De esta manera el artista reflexiona sobre temas diversos como la libertad individual (después del Gran Baile), la inmigración ilegal (Llegada a Madrid) o legal (Camino del Gran Baile en Viena) así como la doble moral de la iglesia (Al otro lado del túnel) o la alegría de vivir (Le Cocktail qui tue), sin olvidarnos de los que se han ido (Aids Memorial al estilo vienes).

 Galería Ángel Romero, Ignacio Goitia, arte
 

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jueves, 21 de febrero de 2008

Surrealismo en Bilbao

El Museo Guggenheim Bilbao es la tercera y última sede mundial de Cosas del surrealismo, una exposición organizada por el Victoria and Albert Museum de Londres.

Cosas del Surrealismo aúna pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, cerámica, textiles, fotografía y cine, divididos en cinco secciones temáticas: “El ballet”; “El surrealismo y el objeto”; “La naturaleza se vuelve extraña”; “La exposición del cuerpo”; y “El interior ilusorio”. La muestra ofrece un marco histórico a las exposiciones y los acontecimientos más destacados del movimiento surrealista y subraya las trayectorias de posguerra de aquellos artistas y diseñadores que ya habían destacado con anterioridad a 1939.

La exposición contará en su presentación en Bilbao con una espectacular escenografía, especialmente diseñada para el Museo por el equipo de arquitectos londinense Metaphor, inspirada en las apasionantes y sorprendentes puestas en escena de los propios surrealistas. Así mismo, rendirá especial tributo al legado de dos de los protagonistas del movimiento surrealista: Salvador Dalí, cuya dilatada producción ocupará una posición destacada a lo largo de toda la exposición, y Peggy Guggenheim, quien reunió una de las colecciones de arte surrealista más importantes que jamás han existido.

Se trata de la primera muestra que explora la influencia del movimiento en el vasto mundo del diseño, incluyendo el teatro, el diseño de interiores, la moda, la arquitectura o la publicidad. Con más de 200 objetos, provenientes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, Cosas del Surrealismo enfatiza las tensiones surgidas de la creciente comercialización a la que estuvo sujeta la producción estética del Surrealismo.

 Cosas del surrealismo, Museo Guggenheim Bilbao
 

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viernes, 15 de febrero de 2008

Juan Pérez Agirregoikoa

En This aggression will not stand…this will not stand!, exposición individual del artista Juan Pérez Agirregoikoa en la galería Carreras Múgica, se nos propone un juego con realidades cotidianas que cuestionan su aparente normalidad a través del humor y la parodia.

Como es ya habitual, el artista decide a afrontar los problemas relacionados con la violencia y otras temáticas comunes de una manera irónica por medio artístico de dibujos de acuarelas (muy sutiles y muy bien pintados, por cierto), pancartas y vídeos como medio artístico. En esta exposición muestra también 3 interesantes cortinas inspiradas en textos o frases reivindicativas habituales en manifestaciones públicas, sociales o políticas.

Juan Pérez Agirregoikoa, es licenciado en Bellas Artes por la UPV, ha completado su formación con estudios en Artes Plásticas en l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris y en filosofía en la universidad Paris VII. Su trayectoria artística incluye además desu participación en la última edición de la Bienal de Lyon, 2007, un gran número deexposiciones y proyectos como Ten reasons to be a member , Frankfurter Kunstverein,Frankfurt, 2006, God bless you violence, Büro dc Köln, entre otras.

 Juan Pérez Agirregoikoa, Carreras Múgica
 

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lunes, 11 de febrero de 2008

Bandera republicana

Dentro de la V edición de MADRID ABIERTO 2008, Santiago Sierra presenta su obra Bandera negra de la República Española.

Esta obra esta concebida como "antisímbolo" pretende generar una reflexión de carácter histórico, político, filosófico y estético sobre lo que ha podido suponer el fracaso de la II Republica española en el contexto de nuestra historia contemporánea.

Foto: Cortesía Ediciones Schellmann, Munich-Nueva York

La bandera de la República española de Santiago Sierra está bordada en telas e hilos negros por artesanos de Munich.

 madrid abierto, Santiago Sierra, bandera republicana
 

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viernes, 8 de febrero de 2008

Todo es política

La exposición TODO ES POLÍTICA es una secuencia de imágenes sacadas del buscador de imágenes de Google, a través de las que se pueden estudiar las diferentes acepciones de la palabra Política y sus significados. Tanto de la política comúnmente entendida como de su verdadero significado en cuanto a res-pública, es decir lo que a lo público concierne.

El proyecto de Miguel Soler para el Horno de la Ciudadela de Pamplona es una instalación de dos piezas de video que elaboran narraciones distintas y complementarias a la vez. Son dos obras de hablan de política en dos ámbitos diferentes: la política considerada como un hecho global y como situación/solución individual. Cada letra de la frase TODO ES POLÍTICA hace un barrido por cada una de las imágenes encontradas en Internet, a partir de la palabra Política en diferentes idiomas.

No solamente encontramos el significado de la palabra a través de las imágenes, sino muchos otros que apenas podíamos pensar, también el poder semántico que esta palaba encierra. Fruto de este razonamiento sobre la política y lo que de ello deriva se dan circunstancias que a la vida de todos afecta y que, en ocasiones, pueden resolverse de una manera dramática.

Precisamente, esta manera dramática, es lo que representa la segunda obra que se presenta en el Horno. "En blanco" es una obra en la que se proyecta la imagen de un hombre suicidándose. No es que se plantee esto como salida, es más bien la metáfora de la desesperación. Tanto el fondo de la obra como la camisa del hombre se presentan impolutamente blancos, en un intento de eliminar cualquier referencia individual, intentando presentar una imagen del Hombre como género Humano.

Por otra parte, nada es real, en el fondo es un juego, aunque sea un juego cruel, en realidad no existe la pistola, son solo unas siluetas de goma.

Texto: Juan-Ramón Barbancho Corresponsal ART.ES, ARTNOTES, ZERO y DOSDOCE

 Todo es política, Miguel Soler, arte
 

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sábado, 2 de febrero de 2008

Libros pop up

El término anglosajón pop-up impuesto en la primera mitad del siglo XX, hace referencia a los libros que mediante la elaboración de complejas arquitecturas producen al abrirse o accionarse relieve o movimiento en las ilustraciones, creando así sus constructores la ilusión de hacer "vivir el papel".

Arte nacido en Europa, su origen se remonta al siglo XIII. Desde entonces fue un género minoritario de producción escasa y destinado a estudios superiores de anatomía, astronomía, navegación o matemáticas. Durante siglos las bibliotecas reales y aquellas ubicadas en monasterios guardaron con celo aquellos raros y bellos ejemplares.

La llegada a mitad del siglo XIX de nuevos conceptos en la pedagogía infantil y juvenil y la necesidad, cada vez más apremiante, de combinar la enseñanza con el entretenimiento abrió un campo insospechado a muchos creadores y artistas de esta clase de libros quienes, paulatinamente, consiguieron el favor del público joven con sus producciones llenas de imaginación y fantasía, construyendo de forma artesanal lo que en aquel entonces se denominaba libros vivientes, mecánicos o de imágenes móviles.

A partir de principios de siglo XX la evolución de los libros vivientes es constante estableciéndose ya como género propio de la narrativa infantil y juvenil hasta llegar a la actualidad donde miles de ejemplares son elaborados industrialmente lo que, si contribuye a su popularidad, ocasiona, salvo grandes excepciones, una lamentable pérdida de calidad.

La exposición Libros pop-up. Vida en movimiento (Conde Duque de Madrid) se establece como un recorrido visual y emotivo por la propia historia de los libros animados infantiles y juveniles desde sus inicios a la actualidad. Sus objetivos son crear entre los más jóvenes el disfrute y placer de su observación y establecer vínculos afectivos con el libro como instrumento abierto a la exploración, la creatividad y la fantasía.

Pero la exposición también está orientada al público adulto para convertirse en una llamada a la memoria de sus primeras lecturas y al placer derivado de contemplar a los libros como objetos artísticos perdurables en la sensibilidad y espíritu. Se estructura en cuanto al material bibliográfico en treinta volúmenes divididos en tres apartados:

El primer apartado se dedica a los autores. Se muestran en esta sección a los grandes maestros de la historia del libro móvil junto a ediciones originales de sus obras. En el segundo apartado se exhiben diferentes técnicas. Mediante un grupo de libros seleccionados por sus formatos variados, se muestran distintos métodos de elaboración para crear movimiento y relieve en las imágenes. En el tercer y último apartado se presentan los cuentos clásicos: Caperucita Roja y El gato con botas interpretados en diferentes versiones realizadas por grandes maestros del Pop-up.

Concebida como una exposición interactiva, se ha elaborado un espacio experimental en donde existen dos estructuras gigantes, copia exacta de los pop-up originales, siguiendo sus principios mecánicos y diseñados para poder ser manipulados por el público.

 libros pop-up, Conde Duque, Madrid
 

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viernes, 1 de febrero de 2008

We didn't start the fire

El artista gallego Pablo Pérez Sanmartín presenta en el espacio Off Limits de Madrid la exposición We didn't start the fire hasta el 16 de febrero.

La exposición toma su título de una célebre canción popularizada por Billy Joel, en la que se repasaban los hechos más destacables del siglo XX en una selección que mezclaba sin concesiones ascensos y caídas de estrellas del espectáculo, con guerras, catástrofes naturales y todo tipo de acontecimientos sociopolíticos. Un formato de fragmentación narrativa con el que convivimos diariamente.

Siguiendo esa poética del pastiche, We Didn´t start the fire presenta diferentes escenarios y situaciones que remiten a elementos de tensión geopolítica y patologías del individúo contemporáneo. Plantillas recortables para componer nuestras propias escenografías o que reproducen el móvil, la videoconsola o el Ipod, los iconos contemporáneos por excelencia, y de paso nos hacen reflexionar sobre la falsa idea de interactividad y libertad de elección que aparentemente transmiten. Elementos de " packaging" corporativo que pierden su finalidad por la alteración de sus contenidos o mensajes. Ideas de tensión e inestabilidad plasmadas a través de juguetes recortables, que cuestionan los diferentes valores que se transmiten a veces a través de lo lúdico.

Pablo Pérez Sanmartín. (1980) pertenece a la última generación de artistas gallegos. Ha realizado diferentes exposiciones en espacios como el MARCO de Vigo, o CGAC, en Santiago de Compostela y obtuvo el premio del auditorio de Galicia para jóvenes artistas en su pasada edición.

 Pablo Pérez Sanmartín, Off Limits, We didn't start the fire
 

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martes, 29 de enero de 2008

Light messages

Siguiendo la línea de las exposiciones dedicadas a artistas actuales, como Rebecca Horn, Fabrizio Plessi, y Jaume Plensa, la próxima exposición del Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma Es Baluard reúne a tres artistas de la misma generación (Chema Alvargonzález, Daniel Canogar y Bernardí Roig), que en la actualidad tienen una importante proyección internacional.

La reunión de estos tres artistas no es casual. Analizando sus respectivas obras podemos observar cómo cada uno de ellos ha sabido explorar las posibilidades expresivas de los "new media", poniéndolas al servicio de sus propias preocupaciones. No utilizan la tecnología porque sí; sino que la integran en un discurso personal, elaborando proyectos muy singulares, que enriquecen nuestra percepción de la realidad.

Desde los años sesenta la luz ha sido y es un tema muy presente en la práctica artística contemporánea, que los creadores han abordado desde diferentes perspectivas. Desde las obras realizadas con tubos de neón de Dan Flavin hasta los environments de James Turrell pasando, por las instalaciones de Bruce Nauman o Bill Viola entre otros, muchos han sido los artistas que se interesaron por este tema, aprovechando el auge de las nuevas tecnologías.

Los tres son autores de obras singulares y de gran impacto visual, en las que indagan con frecuencia sobre la condición humana y la relación del hombre con su entorno mediante recursos tecnológicos, entre los cuales la luz es la auténtica protagonista.

Chema Alvargonzález, Daniel Canogar y Bernardí Roig iniciaron su carrera a finales de los años ochenta y participaron de lleno en el desarrollo de la creación plástica de los años 90 con sus investigaciones en el ámbito de la fotografía y del arte tecnológico. De alguna manera los tres han pasado a ser los representantes de una nueva generación de artistas cosmopolitas, cuyo trabajo resulta bastante paradigmático de la evolución del arte de los quince últimos años.

 Es baluard, Palma de Mallorca
 

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domingo, 27 de enero de 2008

Atlas de Borges

La muestra Atlas de Borges recoge 130 instantáneas en blanco y negro, fruto de los viajes del escritor argentino Jorge Luis Borges junto a María Kodama, por todo el mundo. La exposición está dividida en 18 "estaciones" que conforman y explicarán detalles y anécdotas de los viajes de Borges.

Lugar: Sala de Exposiciones del Complejo El Águila de la Comunidad de Madrid C/ Ramírez de Prado, 3. Abierta al público hasta el día 23 de marzo

 Borges, Complejo El Aguila, Madrid
 

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jueves, 24 de enero de 2008

Santiago Ydáñez

Mañana viernes 25 tendrá lugar la presentación del libro "Frankenstein" de Mary Shelley ilustrado por Santiago YDáñez (AHORA, Ediciones de Bibliofilia). El libro contiene 27 serigrafías originales del artista, firmadas y numeradas.

Esta editorial se creó en Murcia en el año 2000 y ha publicado hasta el momento 12 libros de gran formato, 44 x 32 x 4´5 cms, con serigrafías originales firmadas por los artistas. El Ministerio de Cultura le ha concedido los tres Premios Nacionales a los Libros Mejor Editados de Bibliofilia. Un Primer Premio a EL CANTAR DE LOS CANTARES en 2003, otro Primer Premio a LA ILUMINADA ROSA NEGRA en 2004 y un Tercer Premio a HISTORIA DE DETECTIVES en 2006. Además ha recibido la Insignia de Oro de AMUCA en 2005.

La presentación tendrá lugar a las 19:30 horas en la Librería La Central de Madrid. Con la presencia de artista y del editor, Ángel Pina.

 

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jueves, 17 de enero de 2008

Calidad de vida: deporte y lectura

 fomento lectura, deporte, ciclolectura
 

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domingo, 13 de enero de 2008

El tiempo de los replicantes

Rosa Olivares, directora y editora de las revistas Exit, Exit Express y Exit Book, reflexiona en torno a los conceptos del autor y su obra fotográfica, el original, las copias y reproducciones.

Todos ellos asuntos tratados en la exposición Objeto de Réplica (Colección VII) de ARTIUM

La conferencia tendrá lugar el jueves 17 de enero a las 20 horas en el auditorio de ARTIUM.

 Rosa Olivares, Exit, replicantes, artium
 

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jueves, 10 de enero de 2008

Redes digitales

Medialab-Prado abre una convocatoria para participar en el 2º Encuentro Inclusiva-net: Redes digitales y espacio físico dirigido por Juan Martín Prada, que se llevará a cabo del 3 al 14 de marzo de 2008.

El objetivo de este encuentro es abordar la relación entre redes digitales y espacio físico en el contexto de la generalización progresiva del uso de tecnologías portátiles y aplicaciones web relacionadas con la producción y gestión de información geográfica.

A través de una convocatoria abierta se seleccionarán proyectos para su desarrollo colaborativo durante un taller de producción, así como trabajos teóricos para su presentación pública durante el encuantro.

Fecha límite de recepción de comunicaciones y proyectos: 30 de enero de 2008
Notificación de aceptación de comunicaciones y proyectos: 8 de febrero de 2008

Más información y bases de la convocatoria en http://www.inclusiva-net.org

 Redes sociales, Inclusiva, Juan Martín Prada, medialab-prado
 

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viernes, 21 de diciembre de 2007

Garikoitz Cuevas

El artista gaditano Garikoitz Cuevas (Sanlúcar de Barrameda, 1968) presenta por primera vez en la galería Full_art de Sevilla su última serie de trabajos pictóricos. Este artista ha sido recientemente galardonado con el premio de pintura Focus Abengoa 2006, y el premio Albiac en la Bienal almeriense del Parque natural del Cabo de Gata.

Para esta exposición nos ofrece una selección de pinturas en pequeño, mediano y gran formato en una muestra que estará presidida por una monumental pieza de 300 x 200 cm. Las obras están realizadas en técnicas mixtas sobre lienzo, la exposición supone un avance en su particular técnica de superposición y arranque de telas que alcanza nuevas metas expresivas profundizando en el estudio del color y la materia.

Cuevas desarrolla el proceso pictórico del “decollage” trabajando sobre una primera tela, y después incorporando a este soporte primario una segunda tela, que va arrancando selectivamente a trozos dejando que afloren y resurjan las texturas y colores que antes ocultó. Así nos va desvelando un si fin de formas y colores que ahora más que nunca vibran y eclosionan, irradiando si cabe más luminosidad que en sus anteriores series.
Así Garikoitz como si de un arqueólogo se tratase va delicadamente limpiado y extrayendo los diferentes secretos que el paso del tiempo nos ha ocultado y que ahora la historia nos enseña.

Garikoitz ha participado en diferentes ediciones de ARCO desde el año 1996, siendo seleccionado y premiado en diversos certámenes de creación plástica. Su obra se encuentra en las más prestigiosas colecciones tales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Municipal de Madrid o la Colección del Ministerio de Asuntos Exteriores entre otras.

 Garikoitz Cuevas, galería Full_art, Sevilla
 

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miércoles, 19 de diciembre de 2007

Abecedario de Arte

Abecedario de Arte. Un paseo por el Museo Thyssen (Ediciones SM) es un magnífico libro escrito por el especialista en textos infantiles Carlos Reviejo, que a través de 29 obras de arte intenta acercar el mundo de la pintura a los primeros lectores.

Todas las obras que recorre el libro pertenecen al Museo Thyssen-Bornemisza, y conforman, como indica su título, un completo abecedario para los más pequeños, presentándose por orden cronológico y alfabético, de tal manera que el cuadro más antiguo corresponde a la letra A y el más reciente a la letra Z.

El diseño se ha hecho a partir de dobles páginas, cada una de las cuales corresponde a una letra y a una obra (la A de Ángel; ángeles cantores, como los que aparecen en La Adoración del Niño, de Jacques Daret (1404-1470), etc.). En la página de la izquierda se sitúa la letra y el texto explicativo, sencillo y divertido para que los niños lo comprendan, y en la derecha la obra, autor, título y cronología. Al final del libro se encuentra una guía con explicaciones sobre cada cuadro realizada por Ana Moreno Rebordinos, responsable del Programa Didáctico del Museo Thyssen-Bornemisza.

 Abecedario de Arte, Museo Thyssen-Bornemisza, Ediciones SM
 

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jueves, 13 de diciembre de 2007

Arte Freegan

Con motivo de nuestra visita a Barcelona para participar en LIBER tuvimos la oportunidad de conocer la obra del joven artista argentino, residente en Barcelona, Gabriel Pérez Raventós, cuyo talento y singularidad no pueden pasar inadvertidos.

Tras hacer nuestros habituales recorridos por las galerías de arte y salas de exposiciones, nos llamó poderosamente la atención la obra que, en algunas de ellas, descubrimos de este autor. Supimos, además, que exponía individualmente en esas mismas fechas en el Convent de Sant Agustí, adonde nos dirigimos para ver su nueva obra, en su mayor parte de gran formato. Y mereció la pena. La mayoría de las piezas están elaboradas a partir de pallets de obra, y sorprende comprobar cómo algo tan rudimentario puede transformarse en las manos de este artista en una obra de arte que quisieras ver colgada en las paredes de tu casa.

La pieza central de la exposición y que da título a la misma, “Tocado/Hundido”, es una recreación gigante del tradicional juego de los barquitos a partir de un pallet de casi dos metros y medio de ancho. Realmente interesante y diferente a cualquier otro autor.

A nuestro regreso a Madrid decidimos investigar sobre Pérez Raventós y su trayectoria, aunque sabiendo casi desde el principio que una de sus obras terminaría formando parte de nuestra Colección Dosdoce de Arte Contemporáneo. Y así fue. Tras hacer las oportunas gestiones y vencer las complicaciones del traslado, “Tocado/Hundido” llegó a Madrid.

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 Gabriel Pérez Raventós, Tocado, Hundido, Arte, freegan, Dosdoce, coleccionismo
 

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jueves, 29 de noviembre de 2007

La caricatura social y política

Una vertiente importante del arte moderno ha estado marcada por las propuestas abiertamente críticas contra la burguesía y los sistemas políticos tiránicos.

Tras los trabajos relevantes de George Grosz y Luís Bagaría, se sitúan los de William Hogarth (Londres 1697- 1764), auténtico creador de la caricatura moral y política, que fijó las
bases de todas las propuestas posteriores, destinadas fundamentalmente a la prensa. El arte de Hogarth representa el triunfo de lo profano y la iconoclasia.

George Grosz (Berlín 1893-1959) fue una de las figuras más destacadas del arte moderno. Sus dibujos y caricaturas, en realidad una particular caligrafía en la que conjugó el futurismo, las estampas japonesas, los dibujos de los folletines por entregas, o las aportaciones de Matisse y Picasso, tuvieron una enorme carga satírica que sacudió a la burguesía de Alemania, tras la I Guerra Mundial, al tiempo que intentó mostrar a los oprimidos “el auténtico rostro de la clase dominante”.

Luis Bagaría (Barcelona 1882- La Habana 1940) fue uno de los artistas españoles más relevantes. De formación modernista, evolucionó hacia las propuestas de vanguardia, y practicó un dibujo de una gran agresividad política desde el punto de vista del contenido, así como de una clara influencia cubista a nivel formal.

Del 20 de diciembre al 3 de febrero de 2008, la exposición HOGARTH, GROSZ Y BAGARÍA, en el MuvIm de Valencia, pretende difundir la obra del maestro y de dos de sus discípulos ventajados que, por sus trabajos conocieron la censura, la persecución y el exilio.

 HOGARTH, GROSZ Y BAGARÍA, MuvIm, Valencia
 

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miércoles, 28 de noviembre de 2007

Miguel Gallardo

Miguel A. Gallardo (Lérida, 1955), dibujante de cómic, ilustrador, es sobre todo un contador de historias. Creador de personajes que forman parte de la galería de nuestra historia del tebeo: Makoki, Pepito Magefesa, El Buitre Buitaker, Perro Nik... En 1979 fue miembro fundador de El Víbora y un habitual en las publicaciones de historieta de la época.

Desde los años 90 trabaja como ilustrador. Colaborador habitual en La Vanguardia y en diferentes revistas nacionales. Publica en el Herald Tribune y New Yorker. Realiza portadas para el mundo editorial además de hacer ilustración infantil.

La Galeria Pelayo (C/ Pelayo 47 de Madrid) lleva a cabo su primera exposición personal donde nos presenta una serie de dibujos en los que refleja su variada, colorista y narrativa expresión gráfica.

 Miguel Gallardo, Galería Pelayo
 

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martes, 27 de noviembre de 2007

Guggenheim Bilbao renueva su sitio web

Si hace unas semanas aplaudíamos la iniciativa del Museo Nacional del Prado por renovar el enfoque y los contenidos de su sitio web, hoy damos la enhorabuena al Museo Guggenheim de Bilbao.

Hace un año que presentamos el estudio “Las nuevas tecnologías Web 2.0 en la promoción de museos y centros de arte” donde indicábamos que la mayoría de los museos, fundaciones y centros culturales de España no aprovechaba el potencial de las nuevas tecnologías para dar a conocer sus exposiciones y actividades culturales.

Nos alegra ver como las recomendaciones de nuestro estudio están convirtiéndose en referencia del sector para determinar el diseño y enfoque de sus nuevos sitios web.

La irrupción en la Red de las aplicaciones derivadas de la denominada Web 2.0 (blogs, la descarga de archivos sonoros y visuales, la creación de redes sociales, la sindicación de contenidos, etc.) está transformando la manera en que las personas planifican su visita a un museo. Internet se está convirtiendo en el principal canal de información de los potenciales visitantes a la hora de planificar la visita a un museo, fundación y/o centro cultural.

Entre las novedades más importantes que presenta el nuevo sitio web del Guggenheim Bilbao destacamos la visita virtual 3D al Museo, la posibilidad de descargar cientos audio guías de obras de la Colección Propia, así como audíos y videos de entrevistas,, un buscador de obras de la Colección Propia, una nueva área para niños y familias con juegos online, un área para Jóvenes con actividades específicas y otra área para Docentes con material educativo para descarga y actividades. También han renovado la zona de área de prensa con acceso a todas las notas de prensa, dossieres, fotos y material de comunicación, servicio de alertas SMS y sindicación de contenidos.

Enhorabuena/Zorionak.

 Guggenheim Bilbao, tendencias web 2.0, museos, nuevas tecnologías
 

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lunes, 26 de noviembre de 2007

Oficina del reintegro del Tiempo Perdido

La experiencia del paso del tiempo y de su medición ha suscitado el interés de artistas y pensadores de todas las épocas, y ha sido representado mediante visiones, imágenes, símbolos y metáforas.

Durante nuestra última visita al Museo de Arte Contemporáneo de Vigo MARCO tuvimos el placer de conocer la obra de Gustavo Romano que utiliza acciones, videos o proyectos en Internet para subvertir y desarmar la percepción naturalizada de los sucesos cotidianos.

Con motivo de la exposición Tiempo al Tiempo, Gustavo creó La oficina de reintegro del tiempo perdido —producida específicamente para esta exposición— que se ofrece como lugar de recepción y clasificación del tiempo cedido involuntariamente, bajo presión o por razones arbitrarias (trabajando en un empleo no deseado, perdido en una relación equivocada, sirviendo al ejército, etc.).

En la oficina móvil, un representante de Time Notes House, toma recibo de la descripción de cómo ha perdido su tiempo el declarante, y se lo reintegra con un billete del valor correspondiente, en cuyo reverso, se imprime la causa de la pérdida. A través de esta obra se analiza, desde una perspectiva crítica, la obsesión actual por la pérdida del tiempo, la falta de productividad a todas horas, etc..

 Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, MARCO, Gustavo Romano, Tiempo al tiempo, reintegro tiempo perdido
 

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sábado, 17 de noviembre de 2007

El arte contemporáneo, una herramienta innovadora en la escuela

Esta jornada, El arte contemporáneo, una herramienta innovadora en la escuela, está dirigida a los profesionales del ámbito de la enseñanza, y pretende ser un espacio abierto al diálogo y al intercambio de experiencias pedagógicas llevadas a cabo en diferentes centros de enseñanza, que comparten la voluntad del Servicio Educativo de la Panera de tratar la multidisciplinariedad de la cultura contemporánea, como las artes visuales, la literatura, el cine o los medios de comunicación.

El Centre d'Art la Panera ha querido, desde su inauguración, desarrollar una interacción real entre escuela y centro de arte. A lo largo de estos cuatro años, hemos podido comprobar como desde las escuelas existe la voluntad de vincular los contenidos curriculares con la cultura contemporánea, y en muchos centros educativos se están realizando experiencias pedagógicas innovadoras

 El arte contemporáneo, herramienta innovadora, escuela, La panera
 

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martes, 13 de noviembre de 2007

5 aniversario de MARCO

60 meses, 1.825 días, 43.000 horas, 2.628.000 minutos... y 157.680.000 segundos: hoy martes 13 de noviembre de 2007, el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, MARCO, cumple cinco años desde su apertura al público a finales del año 2002.

El 17 y 18 de noviembre tiene lugar la fiesta del 5º aniversario, con un amplio programa de actividades para distintos públicos: programación audiovisual, conciertos, DJs, espectáculos de danza, títeres para familias, talleres didácticos, acciones-performance y visitas guiadas de la exposición Tiempo al tiempo, entre otros eventos. Para esta especial ocasión, el museo permanecerá abierto al público durante toda la noche y madrugada del fin de semana: desde las 11.00 del sábado hasta las 21.00 del domingo.

 MARCO, Vigo, Arte, aniversario
 

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jueves, 8 de noviembre de 2007

Renato Costa

Renato Costa (Río de Janeiro 1974), expone en la Casa do Brasil de Madrid del 7 al 17 de noviembre.

Las figuras de ésta exposición piensan, sueñan, sufren, proyectan, esperan, añoran, aman…sus pensamientos y los de Renato Costa se confunden en una sugerente ensoñación que nos acerca a su mundo interior, en el que hay lugar para una libre interpretación de sus contenidos, adaptándolos a nuestras propias experiencias y sentimientos.

En- Soñaciones, es el resultado de la creación de una línea nueva en su trayectoria artística, caracterizada por un figurativismo cargado de tintes melancólicos, fruto de la lejanía de su tierra natal.

Las técnicas utilizadas por Renato Costa son muy variadas, óleo, acrílico, collage, serigrafía… pero su arte se caracteriza por una preponderancia de la imagen y la composición sobre la técnica.

 Renato Costa
 

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miércoles, 7 de noviembre de 2007

Proyecto de Arte Contemporáneo 2008

El P.A.C (Proyecto Arte Contemporáneo) MURCIA pretende ser una presentación novedosa y única del arte contemporáneo internacional en la ciudad. Partiendo de las infraestructuras culturales pertenecientes a la Comunidad Autónoma, se pretende dar a conocer la labor de una docena de artistas internacionales seleccionados por Nicolas Bourriaud, curator de la Tate Britain de Londres.

A diferencia de otras bienales y exposiciones de arte internacionales centradas en las muestras colectivas, donde cada artista presenta una o dos obras, el PAC MURCIA acude al formato de encargos a artistas, de obras creadas especialmente para la región o de pequeñas exposiciones individuales, donde se conozca con mayor profundidad la labor de los artistas. Este formato quiere conseguir también una mayor implicación de los artistas con el proyecto y la ciudad, y la posibilidad de que estos interactúen con otras instituciones, artistas y estudiantes de la región. El comisario encargará de 5 a 10 proyectos a artistas de renombre internacional, para ser realizados en la ciudad de Murcia. Muchos de estos proyectos serán presentados en primicia y en la medida de lo posible, serán producidos utilizando los recursos de la región. La idea es que los proyectos sean realizados para lugares concretos de la ciudad.

Estratos, es el título elegido para esta primera edición del PAC 2008, debido a la fuerte presencia histórica que baña la ciudad de Murcia. «Los rasgos árabes de la ciudad yacen por debajo del presente europeo y esta sedimentación histórica se muestra en el tejido urbano en forma de sitio arqueológico a cielo abierto, donde el pasado y el presente coexisten y se hacen eco. La realidad urbana de Murcia constituye pues el lugar idóneo para organizar la primera muestra dedicada a una fuerte tendencia del arte contemporáneo: numerosos artistas utilizan hoy en día métodos propios de arqueólogos, investigando el mundo contemporáneo o la Historia con la misma minucia que los especialistas de las civilizaciones desaparecidas.

Se trata aquí de contemplar la arqueología como método, no como terreno reservado a los expertos ni como nostalgia: lejos de exaltar el pasado, estos artistas lo recorren para dar a conocer mejor el presente, o utilizan la metodología del arqueólogo aplicada al terreno de la contemporaneidad», es el punto de partida de Nicolas Bourriaud para este proyecto.

Estratos: 24 de enero – marzo 2008

 Estratos, Murcia, PAC, Proyecto de Arte Contemporáneo
 

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martes, 6 de noviembre de 2007

Proyecto arte galería

El próximo jueves 15 de noviembre, abrirá sus puertas un nuevo espacio para el arte que nace con una vocación de acercamiento entre Público y Arte.

PROYECTO ARTE GALERÍA, aspira no sólo a satisfacer las necesidades de coleccionistas e instituciones, si no también a casar el interés creciente del público generalista por el consumo de arte.

Un ambiente acogedor, ajeno a la lejanía de los espacios tradicionales, una amplia oferta de calidad basada en una rigurosa selección de obras a precios asequibles y un asesoramiento a medida, son las señas de identidad de esta galería que, en palabras de Juan Sánchez-Arana y Christina Poveda, sus jóvenes responsables, se configura como “un espacio diferente dónde encontrar arte cercano y asequible “.

 PROYECTO ARTE GALERÍA
 

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sábado, 27 de octubre de 2007

Humo de Fernando Martín Godoy

En Humo, segunda individual de Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975) en la Galeria Utopia Parkway (Reina 11 de Madrid), paisaje urbano y retrato habitan el silencio de una ciudad global, que en tiempos fue utópica y metafísica y ahora, en estos lienzos, despojada de toda anécdota, desnuda, dormida o congelada, podríamos calificar de premonitoria.

Las escenas urbanas de Martín Godoy, apoyadas en su peculiar paleta y sostenidas por una composición férrea, en ocasiones se sitúan en el umbral de la abstracción, pero sin llegar a traspasarlo nunca. “Quiero seguir siendo figurativo”, afirma rotundo el pintor.

Esta decidida voluntad se manifiesta en la serie de retratos que, como espejos, atrapan la mirada del espectador, convirtiéndole en cómplice de la fábula urdida por el artista. Estos rostros, también los paisajes aunque en menor medida, nos resultan extrañamente familiares, aún a sabiendas de que se trata de perfectos desconocidos. La pintura, además de otros, obra estos prodigios.

La exposición permanecerá abierta hasta el 9 de noviembre.

 Fernando Martín Godoy, Galeria Utopia Parkway
 

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miércoles, 24 de octubre de 2007

El Prado renueva su web

Aplaudimos la iniciativa del Museo Nacional del Prado de renovar el enfoque y contenidos de su web. Hace un año que presentamos el estudio “Las nuevas tecnologías Web 2.0 en la promoción de museos y centros de arte” donde indicábamos que la mayoría de los museos, fundaciones y centros culturales de España no aprovecha el potencial de las nuevas tecnologías para dar a conocer sus exposiciones y actividades culturales.

La irrupción en la Red de las aplicaciones derivadas de la denominada Web 2.0 (blogs, la descarga de archivos sonoros y visuales, la creación de redes sociales, la sindicación de contenidos, etc.) está transformando la manera en que las personas planifican su visita a un museo. Internet se está convirtiendo en el principal canal de información de los potenciales visitantes a la hora de planificar la visita a un museo, fundación y/o centro cultural.

Entre las novedades más importantes que presenta el nuevo sitio web del Museo del Prado, destacan la oferta de toda la información práctica en 12 idiomas, la posibilidad de realizar búsquedas sobre las más de 2.000 voces de la Enciclopedia del Museo y la consulta online de las fichas comentadas de más de 1.000 obras de la colección permanente que se exponen en las galerías del Museo Nacional del Prado junto con una base de datos que irá ampliándose hasta incorporar las fichas técnicas y las imágenes de las 8000 obras que constituyen la colección íntegra de pintura. El buscador avanzado facilita la consulta a través de categorías como la de autor, título de la obra, escuela, tema, tipo, cronología o número de referencia.

Así mismo, desarrolla un canal de Investigación desde el que da acceso al catálogo de su biblioteca y a la consulta completa de todos los boletines científicos editados hasta el momento, con posibilidad de que los especialistas opinen sobre los distintos artículos a través de un foro. Además, la web incluye por primera vez una zona de juegos on-line específicamente destinada al público más joven (PradoPlay) y un Newsletter para aquellos, que deseen ser informados puntualmente de las actividades y novedades del Museo.

Nos alegra ver como nuestro estudio ha sido una referencia para determinar vuestro nuevo enfoque en la web. Enhorabuena.

 Museo del Prado, web 2.0, renovación web
 

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sábado, 20 de octubre de 2007

Estampa 2007

ESTAMPA, la Feria Internacional del Grabado y las Ediciones de Arte Contemporáneo, celebra su décimo quinta edición entre los días 24 y 28 de octubre, y lo hará en el marco de los recintos feriales de IFEMA, en el Campo de las Naciones. En este nuevo emplazamiento, tras haber residido durante los últimos diez años en la Casa de Campo, la Feria reunirá a un centenar de expositores, entre galerías nacionales y extranjeras, que expondrán la más completa oferta en lo que se refiere a grabado y ediciones de arte.

En los últimos años, la Feria ha procedido a hacer una relectura del concepto de impresión, ampliándolo a soportes y materiales que conectan con las nuevas tecnologías en el tratamiento y difusión de las imágenes. De esta manera, en los pasillos y stands de la Feria coincidirá la obra gráfica realizada por los autores universales de las vanguardias del siglo XX al lado de la más actual producción de fotografía o de video arte.

Reino Unido, país invitado

El país invitado a la edición de este año es el Reino Unido, que estará representado por una exposición de la obra de Hugh Stoneman, considerado uno de los mejores grabadores británicos de los últimos cuarenta años. En la Feria podrán contemplarse algunos de los trabajos que salieron de su taller, así como una muestra de las planchas que realizó, lo que permitirá al espectador hacerse una idea bastante aproximada de la sinérgica y fructífera colaboración que se establece entre el artista y el impresor.

También en el capitulo de exposiciones, ESTAMPA presenta este año una retrospectiva de Juan M. Moro (Santander, 1960), autor de la imagen oficial de ESTAMPA 2007. El autor santanderino obtuvo en el año 2000 el Premio Nacional de Grabado que otorga la Calcografía Nacional y está reconocido como uno de los principales grabadores y estudiosos de esta disciplina en nuestro país.

 Estampa, feria del grabado
 

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viernes, 19 de octubre de 2007

ArtFutura

La decimoctava edición de ArtFutura aterriza en once ciudades entre el 25 y el 28 de octubre, con un extenso programa que explora los proyectos más importantes surgidos en el último año en el panorama internacional del new media, el diseño de interacción, los videojuegos y la animación digital.

El Mercat de les Flors de Barcelona, el cuartel general del festival, acogerá cuatro intensos días de presentaciones especiales, conferencias, talleres, instalaciones interactivas, exposiciones y actuaciones en directo. Simultáneamente, en museos y centros culturales de otras 10 ciudades (Alicante, Barcelona, Cadiz, Donostia-San Sebastián, Granada, Madrid, Murcia, Palma de Mallorca, Valladolid, Vigo y Vitoria) hace parada el Circuito Futura, con el amplio programa audiovisual del festival y en algunas sedes la retransmisión en directo del programa de conferencias de Barcelona.

 artfutura, comunicación, web 2.0
 

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martes, 16 de octubre de 2007

Paul Klee

Del 19 octubre al 5 enero 2008, el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Gran Canaria presenta una amplia muestra de la obra de Paul Klee

El aforismo de Friedrich Nietzsche (1844-1900), cuya muerte coincide con el prematuro desarrollo del arte de Paul Klee, «Es un signo de cultura superior retener de forma consciente ciertas fases del desarrollo que los hombres inferiores experimentan casi sin pensar, que luego eliminan de su alma, y esbozar una imagen fiel de ello: ésa es la forma suprema del arte de la pintura que sólo unos pocos entienden », es el punto de partida ideal de una exposición que trata específicamente esos aspectos de la infancia que se retienen y se trasladan a la vida y la práctica adultas del artista suizo.

Figura importante del modernismo, Paul Klee parece corresponder de forma emblemática con “…la forma suprema del arte de la pintura”. Esta exposición no versa sobre la infancia en sí – a pesar de los desarrollos prematuros en psicología infantil de finales de siglo XIX y principios del XX (Bidet, Freíd, Baudouin y Piaget)-, sino que quiere que quiere mostrar las características residuales de la infancia a través de la obra de Paul Klee.

 Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM, Gran Canaria, Paul Klee
 

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miércoles, 3 de octubre de 2007

Barceló íntimo

La Fundación Francisco Godia expondrá del 24 de octubre al 5 de enero la exposición "Barceló en las colecciones privadas de Barcelona", se trata de una exposición singular donde se presentan 46 obras, entre dibujos, pinturas y cerámicas, que forman parte de colecciones privadas de Barcelona y presenta una dimensión más intima del trabajo del artista mallorquín, más allá de los formatos monumentales y de las grandes intervenciones en espacios públicos que le han dando a conocer internacionalmente.

La muestra representa una oportunidad de reconstruir la trayectoria de uno de los artistas más destacados de las últimas décadas y de descubrir aspectos insólitos y poco conocidos de una trayectoria que se ha desarrollado entre Barcelona y Nueva York, París y Nápoles, Mallorca y Mali. Miquel Barceló (Felanitx, 1957) llegó a Barcelona con la intención de matricularse en la Escola de Belles Arts. Su estancia allí fue breve: desengañado de los métodos tradicionales de la enseñanza artística volvió a Mallorca enseguida. Este breve contacto abrió las puertas a una relación menudeada e intensa.

Barceló ha expuesto habitualmente en Barcelona, en galerías privadas y en museos, y ha generado a su alrededor un importante coleccionismo.

 Barcelo, Fundación Godia, Barcelona
 

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viernes, 28 de septiembre de 2007

Coleccionar en España

El seminario Coleccionar en el Presente es una iniciativa de MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, destinado a profesionales de colecciones públicas y privadas, especialistas, asesores de colecciones, etc., que permitirá estudiar los vínculos, riesgos y propuestas que una serie de profesionales provenientes tanto de los organismos públicos (Museos e Instituciones), como de la Iniciativa Privada (coleccionistas privados) plantearán para valorar la importancia que el Coleccionismo tiene hoy en día en el marco del arte contemporáneo internacional.

Con este fin, el director de dicho seminario, Agustín Pérez Rubio, ha trazado una serie de líneas conceptuales a través de mesas de debate en torno a la idea del coleccionismo de arte contemporáneo en la actualidad. Se pretenden analizar los motivos, riesgos y fines del coleccionismo, así como cuáles son los criterios, qué medidas críticas, económicas, culturales y de otro tipo se integran en la creación de una colección, tanto de museos e instituciones como de colecciones privadas.

En nuestro país, el análisis de este tema empieza a ser una asignatura pendiente desde varios frentes, por este motivo se ha pensado que este seminario cuente con la colaboración y participación de profesionales internacionales que expongan los modelos e iniciativas que se están planteando fuera de nuestras fronteras; sin olvidar también a profesionales de nuestra geografía, que estarán invitados a participar en las diferentes sesiones para analizar la situación del coleccionismo de arte contemporáneo en nuestro país.

Fechas: Sábado 6 y domingo 7 de octubre 2007. Más información en el siguiente enlace.

 Coleccionismo, MUSAC
 

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jueves, 27 de septiembre de 2007

Apoyo mutuo

En el mes de febrero de este año, como consecuencia del derrumbamiento accidental de las estructuras del edificio en el que se emplazaba la Galería Visor de Valencia (que trabaja desde hace más de 25 años en el campo de la fotografía), se produjo la destrucción de las oficinas con grandes daños materiales y económicos. La importancia en el campo de la Fotografía de dicha galería, generó una reacción inmediata de solidaridad entre artistas y profesionales.

La Fundación Arte y Derecho, con el apoyo de la Galería BAT de Madrid y AXA Art, han promovido una iniciativa entre los artistas que se denomina Apoyo Mútuo y que consiste en una subasta de obras fotográficas o creaciones en las que los procesos fotográficos, del tipo que sean, resulten relevantes para la propia obra. Los artistas han donado sus obras de forma desinteresada.

Las diversas obras (en su mayoría fotografías, aunque también hay pinturas, acrílicos, dibujos, litografías y técnicas mixtas) han sido donadas por los 28 autores para su subasta el próximo viernes 28 de septiembre a partir de las 19h, en la Galería BAT (María de Guzmán, 61. Madrid). Con las cantidades que se recauden, se pretende contribuir a paliar, en lo posible, los daños que el siniestro ha ocasionado a la Galería Visor.

 Apoyo mutuo, Galería Visor, fotografía, subasta
 

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martes, 25 de septiembre de 2007

Brossa en las alturas y sin red

El Museo de Santa Cruz, en Toledo, inaugurará hoy la exposición "Joan Brossa, en las alturas y sin red", donde se ofrece una muestra de toda la obra dedicada a este poeta y artista catalán nacido en 1919.

Un centenar de piezas componen esta exposición, que tiene lugar quince años después de la última muestra antológica que le dedicó el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 1991. Dividida en cuatro áreas, la exposición está comisariada por Glòria Bordons, doctora en filología catalana, experta en la obra de Brossa y miembro del patronato de la Fundación que lleva su nombre. ‘Los encuentros imposibles', ‘La cotidianidad y el compromiso político', ‘La mirada esencial' y ‘La reflexión íntima', son los cuatro aspectos de la obra poética de Brossa que se recogen en esta exposición. A través de la misma, el público podrá conocer la trayectoria de este autor catalán cuando está a punto de cumplirse el noveno aniversario de su fallecimiento.

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 4 de noviembre, y recoge piezas procedentes del Ayuntamiento de Barcelona, la Fundación Brossa, la Galería Joan Prats y el Musée d'Art Moderne de Céret, en Francia, que ha prestado la instalación titulada "El invitado" ("El convidat").

Gracias a esta exposición, los visitantes podrán conocer casi todos los registros que Joan Brossa practicó a lo largo de su carrera artística, como son sus poemas literarios, poemas visuales, objetos, instalaciones, libros de artista, fotos de poemas corpóreos, cine y teatro. A través de estas piezas, el público descubrirá el contenido de la exposición, donde el compromiso social se da la mano con el transformismo, el juego, la magia o el cine.

 Joan Brossa, Toledo
 

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martes, 18 de septiembre de 2007

Revistas de vanguardia

La Biblioteca Nacional exhibirá, del 20 de septiembre al 18 de noviembre, una muesta, La Luna de Madrid y otras Revistas de Vanguardia, que gira en torno a la diversidad de publicaciones periódicas – revistas de arte, de literatura, de cine, cómics y fanzines –, que surgieron en la década de los ochenta tanto en Madrid como en otros focos culturales de nuestro país y que fueron vía de comunicación de las acciones emprendidas por distintas especialidades artísticas que confluyeron en unos pocos años plenos de creatividad.

Comisariada por José Tono Martínez, especialista en el tema y director durante unos años de La Luna de Madrid, la exposición se estructura en diferentes apartados en los que se presentan alrededor de un centenar de piezas: números sueltos de las revistas, originales de portadas, dibujos, fotografías, carteles y otros objetos, reunidos con el objetivo de dar a conocer tanto el contenido visual como el intelectual de estas publicaciones, que sirvieron como foros de discusión y potenciaron la transmisión de las ideas generadas por distintos grupos.

 La Luna, Biblioteca Nacional, Revistas de vanguardia
 

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lunes, 17 de septiembre de 2007

Tiempo al tiempo

TIEMPO AL TIEMPO, que se inaugurará el próximo 19 de octubre, es una muestra de producción propia que se plantea como conmemoración del V Aniversario del Museo de Arte Contemporánea de Vigo MARCO, y que excepcionalmente ocupará todos los espacios del edificio.

Los comisarios Isabel Carlos e Iñaki Martínez Antelo, director del MARCO, coinciden en la necesidad de analizar el modo en que el tiempo, hilo conductor de la muestra, define nuestro mundo. Además, el título se relaciona íntimamente con la historia y transformación del propio edificio, que fue prisión y juzgados antes de convertirse en centro de arte.

A través de una selección de artistas y obras —varias de ellas producidas específicamente para esta exposición— se analizará, desde una perspectiva crítica, la obsesión actual por el paso del tiempo, la memoria, y el sentido o el peso de la historia. Tantas visiones o interpretaciones del tiempo como artistas representados en la exposición —34 en total— en cuya obra el tiempo está presente no como algo anecdótico sino de un modo constante.

Partiendo del tiempo como leit motiv, la exposición recorre varias acepciones del término, diversas aportaciones a esa reflexión tan común en el pensamiento occidental, que disciplinas como la física, la literatura, las matemáticas o las artes han abordado desde distintas perspectivas.

La experiencia del paso del tiempo y de su medición ha suscitado el interés de artistas y pensadores de todas las épocas, y ha sido representado mediante visiones, imágenes, símbolos y metáforas. En esta exposición, la diversidad de expresiones, registros, lenguajes y orígenes demuestra que la reflexión sobre el tiempo arrastra múltiples sentidos y será siempre universal e inseparable de la condición humana y de la práctica artística.

Obras que toman como punto de partida instrumentos y dispositivos de medida u organización del tiempo, de su dimensión fisica; obras que reflexionan sobre el paso del tiempo, sobre la memoria y el olvido, sobre la historia y los procesos de acumulación-sedimentación; y obras que alertan sobre la dimensión politica del tiempo y el modo en que la sociedad actual se relaciona con él, viviendo en una especie de urgencia sin fin u objectivo definido.

 Museo de Arte Contemporánea de Vigo, MARCO, Vigo, tiempo al tiempo
 

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viernes, 14 de septiembre de 2007

Bill Viola regresa a Andalucía

Bill Viola, el más prestigioso y reconocido videoartista de nuestro tiempo, regresa a Andalacía.

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el 21 de septiembre en su espacio 5 una videocreación de Bill Viola. La obra maestra que se presenta, titulada Hatsu-Yume (First Dream), es un viaje a cámara lenta del artista por Japón durante su estancia en este país. Hatsu-Yume, creada en el año 1981, que permanecerá en Málaga hasta el próximo 31 de diciembre.

Hatsu Yume (First Dream) es una videocreación a color de 56 minutos de duración, creada en el año 1981, período de estancia de Bill Viola en Japón. La obra muestra un viaje a cámara lenta por este país a través de imágenes y escenas que divergen de la asociación Japón- modernidad socialmente establecida. En el vídeo no aparecen ciudades contemporáneas, sino una peregrinación a los bosques del norte donde el tiempo se ha detenido, manteniendo las tradiciones como antaño. Al pasar por marcos algo más contemporáneos la rapidez de la cámara convierte esas imágenes en imágenes borrosas.

Hatsu Yume es una alegoría espiritual que compara la luz y la oscuridad con la vida y la muerte. Su título hace referencia a la cultura popular japonesa, donde las acciones realizadas el primer día del año son especialmente relevantes. Sin embargo, a pesar de su título, Primer Sueño, la obra no debe tomarse literalmente como tal, para su autor es más que eso. Hatsu-Yume progresa, al igual que la creación de mundo, del silencio al sonido, de la simplicidad a la complejidad, de la naturaleza a la civilización. La obra destaca por su originalidad así como por el cuidado y excelente tratamiento de la imagen y el sonido, características del trabajo de este neoyorquino.

 Bill Viola, CAC Málaga, videoarte
 

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jueves, 13 de septiembre de 2007

Investigación e innovación en el ámbito cultural

El CCCB celebra el próximo martes 18 de septiembre a las 19h la quinta de las siete sesiones que ha organizado este año para reflexionar sobre la investigación e innovación en el ámbito cultural (I+C+i).

Los ámbitos científico y empresarial han integrado en su evolución los procesos de I+D+i (investigación, desarrollo e innovación), pero no ha ocurrido lo mismo en el mundo de la cultura. El acelerado proceso de cambios al que asistimos plantea la necesidad de incorporar estos procesos a la nueva escena cultural. A través de sesiones con artistas, arquitectos, diseñadores, comisarios, científicos, tecnólogos, empresarios y periodistas, hemos abierto una reflexión sobre la investigación y la innovación en el ámbito cultural.

En esta sesión, coordinada por Rosa Pera, se abordará la noción de “público” entendida como espacio público y como audiencia: “lo público” y “el público”. A partir de proyectos de investigación de fenómenos globales que afectan a diversos contextos locales, se reflexionará sobre modelos que asumen la colaboración y la participación como ejes de trabajo.

Para todo ello contarán con la presencia de Friedrich Von Borries, arquitecto y co- comisario del proyecto Shrinking Cities en la Bauhaus de Dessau; Marleen Stikker, fundadora y actual directora de The Waag Society; y Joan Roca i Albert, especialista en espacio público y audiencia en el contexto barcelonés.

Esperamos que este programa sea de tu interés y te animamos a que envíes este mensaje a todos aquellos que puedan estar interesados en este proyecto.

 investigación, innovación, ámbito cultural, CCCB
 

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domingo, 9 de septiembre de 2007

Fotografía en Es Baluard

Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma presenta la exposición de fotografía “M+M COLECCIÓN. Pasión por la fotografía”, que ofrecerá un panorama de la fotografía desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Una selección de 190 obras procedentes de la colección privada de Michel y Michèle Auer, considerada como la colección de fotografías más importantes de Suiza y una de las más relevantes de Europa.

Iniciada hace 30 años, la colección del matrimonio Auer supera en la actualidad las 150.000 fotografías, desde los primeros daguerrotipos hasta jóvenes creadores de ahora mismo pasando por los grandes nombres de la fotografía del siglo XX. En la parte más histórica de la muestra abundan sobre todo las imágenes realizadas por fotógrafos de las primeras vanguardias, como el futurismo, el surrealismo y el movimiento Dadá.

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 Es Baluard, Museu d’Art Modern i Contemporani, Palma de Mallorca, Fotografía
 

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sábado, 8 de septiembre de 2007

Mama, quiero ser paisajista

El Centro de Arte y Naturaleza de la Fundación Beulas retoma las actividades didácticas destinadas al público infantil y juvenil.

Tras el éxito de participación en el taller Mama, quiero ser paisajista celebrado el año pasado, desde el CDAN se ha convocado para la próxima semana un nuevo taller para seguir aprendiendo a mirar el paisaje. Se pretende que a lo largo de las dos sesiones, los niños aprendan las principales diferencias entre la naturaleza y el paisaje, y entre el paisaje natural y el manipulado por la mano del hombre.

El taller contempla la creación de un cuaderno de artista con anotaciones sobre las diversas experiencias e ideas obtenidas de las observaciones y paseos por el jardín del CDAN y el jardín de la vivienda de José Beulas y Maria Sarrate. Como conclusión del taller los participantes realizarán dos creaciones artísticas en los alrededores del edificio del CDAN.

El taller se desarrollará el martes 11 y el jueves 13 de septiembre, de 17 a 19 horas, y está destinado a niños de entre 6 y 14 años. Para asistir al taller será necesario realizar la inscripción en el CDAN a lo largo de los próximos días. Para asistir es necesario confirmar la asistencia por teléfono en el 974 239 893 o por mail, a didactica@cdan.es

 Centro de Arte y Naturaleza, Fundación Beulas, CDAN
 

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entreFotos

entreFotos IX 07 es una muestra de fotografía que, en su novena edición consecutiva, se celebra entre los días 27 y 30 de Septiembre, en el Centro Cultural Conde Duque del Ayuntamiento de Madrid. Esta feria es una cita obligada para los amantes de la fotografía, tanto aficionados como profesionales del sector.

Foto de Gert Voor in't Holt

Este año acogerá durante cuatro jornadas a un grupo de autores de las más variadas tendencias, unidos por la calidad de su trabajo y el deseo de ofrecer su obra fotográfica directamente al público.

 entreFotos
 

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viernes, 7 de septiembre de 2007

Teoría de la fragilidad

La galería Travesía Cuatro inaugura la tercera exposición individual del artista Guillermo Martín Bermejo (Madrid, 1971), Teoría de la fragilidad.

Teoría de la fragilidad es un homenaje a los héroes frágiles, a los antihéroes, a los que a través de la diferencia y la fragilidad logran ser ellos mismos, también a toda la literatura europea de finales del XIX y principios del XX, Jakob Wassermann, Joyce, Proust, Hoffmansthal...

La exposición consta de una instalación de esculturas en madera de muebles a gran escala -una cama, un aparador, un escritorio con su silla- que reflejan el invierno y recrean imaginariamente la última escena del libro titulado "Etzel Andergast" de Jakob Wassermann, donde el antihéroe después de muchos avatares regresa a casa de su madre y allí empieza a nevar, cubriendo la casa de nieve y purificando el alma del protagonista, también dibujos y lienzos que van del blanco y negro al color representando el final del invierno y el inicio de la primavera.

 Galería Travesía Cuatro, Guillermo Martín Bermejo, Teoría de la fragilidad
 

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lunes, 27 de agosto de 2007

Manifiesto ciberfeminista para el siglo XXI

Con motivo de la Semana Grande de Bilbao, aprovechamos la ocasión para visitar la exposición Kiss Kiss Bang Bang en el Museo de Bellas Artes y Arte Moderno de Bilbao. Esta muestra, que permanecerá hasta el 9 de septiembre, revisa 45 años de arte y feminismo, y rinde homenaje a las artistas pioneras y sus múltiples sucesoras de diferentes páises.

Las obras y artistas seleccionadas ofrecen un recorrido por 5 temas centrales para el movimiento feminista:

1) Las luchas de los derechos civiles y políticos de las mujeres y las implicaciones políticas de la máxima “lo personal es político”
2) La construcción cultural del sexo, género y la sexualidad y la denuncia de los estereotipos sexistas
3) Las luchas por la liberación del cuerpo de las mujeres
4) La denuncia de la violencia contra las mujeres
5) La prácticas feministas por visibilizar e incluir a las mujeres en la historia de la humanidad, por escribir una verdadera historia que no deje al margen a más del 50% de la población

Linda Nochlin y Maura Kelly señalan que a lo largo de la historia los artistas occidentales – hombre, se entiende. han representando a la mujeres como objetos de amor y adulación mientras, que al mismo tiempo, las retrataban como victimas indefensas, exhibidas en poses muy sexy para el deleite visual de los espectadores masculinos. En general, el arte occidental está repleto de imágenes de mujeres torturadas, violadas y brutalizadas. Esta exposición intenta señalar cómo las mujeres artistas contemporáneas están contraatacando, negándose a aceptar las implicaciones del goce sexual masculino y de la degustación estética que se derivan de la víctima abyecta como del desnudo clásico del pasado.

Un buen ejemplo es el manifiesto Ciberfeminista para el siglo XXI, elaborado por VNS Matriz en 1991, y traducido al castellano por Mark Gardbner para la proyección All New Gen. A continuación publicamos el texto y también podéis oírlo a través del siguiente podcast.

Somos el coño moderno
la anti-razón positiva
infinito liberado implacable
vemos el arte con nuestro coño
hacemos nuestro arte con nuestro coño
creemos en el goce la locura la santidad y la poesía
somos el virus del nuevo desorden mundial
rompiendo lo simbólico desde dentro
saboteaores del ordenador central del gran papá
el clítoris es una línea directa a la matriz
VNS MATRIX
exterminadoras de los códigos morales
mercenarias del fango
nos follamos el altar de lo abyecto
sondeando el templo visceral hablamos en lenguas
infiltrando trastocando diseminando
corrompiendo el discurso
somos el coño del futuro

Difícilmente podría haberse buscado un título más adecuado para la exposición de esta naturaleza: Kiss Kiss Bnag Bang. Las artistas mujeres de nuestro tiempo aprovechan todo tipo de medios para cuestionar la tradición tan degradante, como si quisieran gritar: ¡Se acabó el Kiss Kiss; ya sólo queda bang bang! Mucho cuidado chicos, ¡Estas chicas van armadas y son peligrosas!

 Manifiesto ciberfeminista, Museo Bellas Artes de Bilbao, Kiss Kiss Bang Bang
 

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jueves, 2 de agosto de 2007

Avión cultural

Un avión DC-9 que se accidentó el 30 de marzo de 1992 a las 20.30 horas en el aeropuerto de Granada forma parte de una escultura de una muestra organizada por Laboral de Gijón.

Su recuperación como espacio artístico nace de la mezcla de múltiples disciplinas y propone el trayecto como acontecimiento. El proyecto se presenta en sí mismo como una pieza para la relativización espacial (dentrofuera),
para la percepción de la transformación (metamorfosis) y para el renacer del objeto en su nuevo medio (adaptación).

 Laboral, Gijón, avión cultural
 

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viernes, 27 de julio de 2007

Second Life en entidades culturales

Hace un par de días publicamos un post sobre los posibles beneficios derivados del uso de Twitter en entidades culturales. Hoy queremos hacer una misma reflexión pero centrándonos esta vez en Second Life.

Este nuevo mundo proporciona a sus más de 8.000.000 de usuarios o "residentes" herramientas para recrear una sociedad virtual. En España, Second Life cuenta con 200.000 usuarios registrados, de los cuales sólo 32.000 son usuarios activos.

En los últimos meses hemos detectado cómo varias empresas españolas (Caja Madrid, Zara, La Sexta, ICEX, Cursos CCC, etc.) están creando sus propios espacios y avatares en esta comunidad virtual con el fin de establecer nuevos canales de comunicación con sus públicos objetivos. En el ámbito cultural, varias entidades como La Casa Encendida, Editorial Planeta, Equipo Sirius, etc. han decidido testar estas nuevas herramientas de comunicación.

El pasado mes de mayo, La Casa Encendida de Caja Madrid creó una isla en esta comunidad para hacer llegar sus propuestas culturales. La réplica virtual de La Casa Encendida cuenta con una programación similar a la versión real: cultura, medio ambiente, solidaridad y educación. Además de asistir a conciertos y actuaciones en directo, visitar las exposiciones y participar en cursos y talleres, los residentes pueden llevar a cabo actividades concebidas exclusivamente para la sede virtual.

A finales de agosto, el avatar del escritor Javier Sierra iniciará sus andanzas por este entorno virtual, y el 6 de septiembre, la editorial Planeta llevará a cabo la presentación de su nuevo libro, La Ruta Prohibida, en esta comunidad virtual.

Aunque este tipo de comunidades se encuentra aún en una fase de desarrollo inicial donde no se sabe muy bien qué tipo de beneficios puede aportar a una entidad cultural, no hay duda de que es un espacio que permite a los gestores culturales explorar un nuevo mundo y testar nuevos enfoques de comunicación directamente con sus potenciales lectores, visitantes, etc.

Si la presencia de las entidades culturales en estas nuevas redes sociales sólo se analiza desde un punto de vista económico, probablemente ninguna de ellas decidirá participar dado que hoy en día no es rentable. Abrir una cuenta en Second Life es totalmente gratuito, pero para comprar tierra y construir en ella es necesario tener una cuenta de pago, cuyo coste oscila entre 6 y 9 dólares estadounidenses mensuales. Por ejemplo, crear una isla de uso exclusivo de unos 64.000 metros cuadrados costaría entre 200 y 300 dólares mensuales, más el diseño web de este espacio, que rondaría los 10.000 dólares…

El beneficio no está en los posibles ingresos. Las entidades culturales sacarán una rentabilidad a su presencia en este tipo de comunidades virtuales a través de los impactos en los medios de comunicación tradicionales y digitales, en conocer de primera mano la experiencia del usuario en un mundo digital en tres dimensiones, que es mucho más realista que en el Internet que conocemos hasta ahora, y en establecer nuevos canales de comunicación con sus públicos objetivos.

Por estos motivos, recomendamos a editoriales, museos, centros de arte, bibliotecas escolares, etc. comenzar a evaluar desde ahora el mundo de Second Life como una plataforma de comunicación efectiva para sus futuras acciones de promoción cultural.

 Second Life, web 2.0 entidades culturales, javier sierra, twitter
 

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jueves, 26 de julio de 2007

Estampa 2007

ESTAMPA, la Feria Internacional del Grabado y las Ediciones de Arte Contemporáneo, celebra su décimo quinta edición entre los días 24 y 28 de octubre, y lo hará en el marco de los recintos feriales de IFEMA, en el Campo de las Naciones. En este nuevo emplazamiento, tras haber residido durante los últimos diez años en la Casa de Campo, la Feria reunirá a un centenar de expositores, entre galerías nacionales y extranjeras, que expondrán la más completa oferta en lo que se refiere a grabado y ediciones de arte.

En los últimos años, la Feria ha procedido a hacer una relectura del concepto de impresión, ampliándolo a soportes y materiales que conectan con las nuevas tecnologías en el tratamiento y difusión de las imágenes. De esta manera, en los pasillos y stands de la Feria coincidirá la obra gráfica realizada por los autores universales de las vanguardias del siglo XX al lado de la más actual producción de fotografía o de video arte.

Reino Unido, país invitado

El país invitado a la edición de este año es el Reino Unido, que estará representado por una exposición de la obra de Hugh Stoneman, considerado uno de los mejores grabadores británicos de los últimos cuarenta años. En la Feria podrán contemplarse algunos de los trabajos que salieron de su taller, así como una muestra de las planchas que realizó, lo que permitirá al espectador hacerse una idea bastante aproximada de la sinérgica y fructífera colaboración que se establece entre el artista y el impresor.

También en el capitulo de exposiciones, ESTAMPA presenta este año una retrospectiva de Juan M. Moro (Santander, 1960), autor de la imagen oficial de ESTAMPA 2007. El autor santanderino obtuvo en el año 2000 el Premio Nacional de Grabado que otorga la Calcografía Nacional y está reconocido como uno de los principales grabadores y estudiosos de esta disciplina en nuestro país.

 Estampa, Feria del grabado
 

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jueves, 19 de julio de 2007

Summer (Verano) de Julian Schnabel

El próximo 27 de julio se inaugura en Tabacalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea de Donostia - San Sebastián, la exposición Summer (Verano) del polifacético artista Julian Schnabel (Brooklyn, Nueva York, 1951). La muestra, con más de sesenta pinturas de gran formato y esculturas, traza un recorrido desde los años ochenta hasta la fecha, ocupando la mayor parte de la planta baja del edificio.

El artista ha preparado la exposición en ‘diálogo’ con el edificio, aún con los espacios originales prácticamente intactos de la antigua fábrica de Tabacos, que pronto será rehabilitada para convertirse en Centro Internacional de Cultura Contemporánea. Como destaca Max Hollein en el catálogo de la exposición, Julian Schnabel entiende que la instalación de sus obras en espacios concretos forma parte integral y cambiante de la significación final de su obra. La instalación respeta el espacio original consiguiendo que las obras habiten los espacios e interactúen con ellos. En esta ocasión, igual que anteriormente en el Cuartel del Carmen de Sevilla (1987) o recientemente en la instalación del Palazzo Venezia de Roma, el artista trabaja en un edificio singular, cargado de memoria y simbolismo para el público local. Las obras aguantan el desafío fundiéndose en el espacio, dotándolo de un nuevo significado y una nueva vida y al mismo tiempo preservando la identidad del edificio.

El título de la muestra, Summer, hace referencia a la forma de trabajo del artista. Para Schnabel, la estación veraniega es la más prolífica de todas al permitirle trabajar en exteriores e introducir a la propia naturaleza en las pinturas.

 Summer (Verano), Julian Schnabel, Tabacalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea, Donostia
 

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martes, 17 de julio de 2007

Dios(es)

Las religiones vuelven con fuerza a nuestra sociedad; libros sobre la existencia de Dios, polémicas obras de teatro, y con la llegada del otoño, una exposición para comprender este fenómeno.

Concebida por especialistas (etnólogos, historiadores, filósofos) y apoyada por una escenografía muy original, la exposición Dioses, modos de empleo abrirá al público el 13 de septiembre hasta el 6 de enero de 2008 en el (Centro Cultural de la Villa de Madrid. Esta exposición le hará descubrir la experiencia religiosa, en lo que tiene de universal (sus interrogantes) y de particular (sus múltiples prácticas). Han reunido todo lo que la museografía moderna está en condiciones de ofrecer hoy en día para proponerle una experiencia única sobre las religiones.

 Dioses, Centro Cultural de la Villa
 

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jueves, 12 de julio de 2007

Una mirada americana

Esta exposición del Museo Esteban Vicente de Segovia, que abarca un amplio recorrido por la fotografía americana, desde mediados de los años treinta hasta prácticamente finales del siglo XX –en paralelo a la propia biografía del pintor-, reúne un total de treinta y una obras, pertenecientes a veintiún importantes fotógrafos, procedentes todas ellas del IVAM.

Junto a ellas, se ofrece una selección de pinturas, dibujos y esculturas de Esteban Vicente de la Colección Permanente del Museo, en un intento de establecer un diálogo visual y conceptual entre el lenguaje de la fotografía y la propia obra del pintor segoviano, dentro de unas determinadas coordenadas culturales, sociales y por supuesto también temporales, que sirvan así para aportar nuevas luces y nuevos cauces de comprensión y enriquecimiento entre ambas esferas creativas. Una mirada pictórica que parte de la realidad para adentrarse en espacios de abstracción, interrelacionada a su vez con una mirada fotográfica que se mantiene mucho más próxima al entorno real en el que transcurre. En definitiva, dos voces y, al mismo tiempo, una mirada americana.

 Una mirada americana, Museo Esteban Vicente de Segovia, fotografía
 

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miércoles, 11 de julio de 2007

Cuestión Generacional

“Cuestión Generacional” es una exposición (Centro Galego de Arte Contemporánea - CGAC) de alrededor de 30 piezas y de una docena de vídeos, tanto de artistas nacionales como extranjeros, nacidos en su mayoría en la década de los 60.

Todas estas obras proceden de la colección privada de una pareja nacida en ese mismo periodo y que considera su afinidad en la edad como un elemento positivo a la hora de incorporar a un artista a su colección. Son fotografías, óleos, esculturas y vídeos en los que hay un componente temporal, tanto por los temas como por la manera en la que están tratados.

El recorrido por estas obras, trata de poner de manifiesto la existencia (o no) de una ‘memoria’ generacional común, quizás derivado de una cultura infantil televisiva común. La ciudad, los super héroes, el mundo infantil de los dibujos animados, la tensión dramática del cine… son temas que estarán patentes en esta muestra como elementos comunes a una generación.

Se expondrán piezas de Doug Aitken, Haluk Akakçe, Darren Almond, Allora y Calzadilla, Fikret Atay, Slater Bradley, Bleda y Rosa, Angela Bulloch, Jan de Cock, Tacita Dean, Jon Mikel Euba, Yang Fudong, Carlos Garaicoa, Anthony Goicolea, Pierre Gonnord, Douglas Gordon, José Antonio Hernández Diez, Carsten Höller, Pierre Huygue, Steve McQueen, Mariko Mori, Sarah Morris, Vik Muniz, Muntean Rosenblum, Manuel Ocampo, Eliasson Olafur, Ester Partegás, Sergio Prego, Tobias Rehberger, Lisa Ruyter, Anri Sala, Gregor Schneider, Santiago Sierra, Sam Taylor Wood, Frank Thiel, Wolfgang Tillmans, Eulalia Valldosera y Suling Wang.

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 Cuestión Generacional, CGAC, SANTIAGO DE COMPOSTELA
 

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martes, 10 de julio de 2007

Intocable (el ideal de la transparencia)

El Museo Patio Herreriano presenta la exposición Intocable que permanecerá abierta hasta el 16 de septiembre.

La exposición propone una inmersión en el concepto de transparencia, y construye un recorrido ideal y sensual en las relaciones entre transparencia, reflexión y opacidad reuniendo obras de más de más de 30 artistas del ámbito internacional.

El ideal de la transparencia, cuya genealogía utópica se encuentra en la arquitectura moderna, desborda ampliamente ese campo específico y traza a lo largo del siglo XX nuevas relaciones en términos sociales, políticos, estéticos, intelectuales o psicoanalíticos. Por un lado, la metáfora de una mirada omnisciente, que permite verlo todo, pero al abrigo; y por otro el ideal de un cuerpo que deja filtrar la luz, y así pues la verdad, se han impuesto en todas las mentes, contaminando hasta lo político.

¿Pero ese círculo virtuoso es verdaderamente indiscutible? ¿La confianza ciega en la visibilidad infinita no se burla de los sentidos y de la razón al mismo tiempo que los alimenta? Es que la transparencia no es la invisibilidad, y su transformación de objeto en sujeto, de materia en valor, está sometida a las características ambivalentes del cristal en tanto que cuerpo físico: no sólo reflexión y opacidad, sino también distanciación, ilusión, frustración,
aislamiento y virtualización potencial del mundo.

 Intocable (el ideal de la transparencia), museo patio herreriano, valladolid
 

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viernes, 29 de junio de 2007

Pamen Pereira en Barcelona

La Galería Antonio de Barnola presenta el último proyecto de la artista Pamen Pereira (A Coruña, 1963).

El trabajo de la artista lo resume de manera espléndida el crítico Víctor Segrelles: “A lo largo de todos estos años. Pamen Pereira ha creado obras de extraordinaria belleza y capacidad de evocación, de seducción. Buscando la trascendencia en el proceso que las genera, proceso impregnado de sufrimiento liberador, principio de toda intuición creativa. Manipulando materiales dúctiles, maleables, alimenticios, como materia orgánica en estado de transformación, y elementos y objetos de especial simbología.Valiéndose de confrontaciones de conceptos duales para tratar de unificar y armonizar los opuestos, descubriendo un fundamento que los abarque. Proyectando sus experiencias y emociones en todas sus piezas”.

En esta nueva muestra en la Galería Antonio de Barnola, Pamen Pereira, traslada a los espacios de la galería su trabajo más reciente sobre el proyecto de la Antártida., donde estuvo varios meses investigando.

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 Pamen Pereira, Barcelona, Galería Antonio de Barnola
 

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jueves, 28 de junio de 2007

Alex Katz

La Galería Javier López (C/ José Marañón 4 de Madrid) presenta hasta el 31 de julio, por primera vez en España, una selección de los Cutouts (siluetas) del pintor norteamericano Alex Katz (Nueva York, 1927).

Los Cutouts de Katz tienen un origen fortuito. En una ocasión, al realizar uno de sus retratos, no quedó contento con la relación del fondo con la figura e, impaciente, cortó la silueta y la montó sobre una pieza de madera recortada al mismo tamaño –un gesto muy propio de la inmediatez y pragmatismo de los años sesenta, que nos recuerda los primeros lienzos recortados de Frank Stella.

 Alex Katz, Galería Javier López
 

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miércoles, 27 de junio de 2007

Tutti-Frutti al Matadero

Tutti-Frutti, una iniciativa del nuevo espacio cultural Matadero Madrid, está integrada por más de 200 fotografías que registran el trabajo de diseñadores, pintores, dibujantes y calígrafos no profesionales o autodidactas, de distintos pueblos del mundo, y propone al espectador una reflexión sobre la gráfica popular como eficaz representante de la diversidad cultural.

 Tutti-Frutti, Matadero
 

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Segundo verano Tökland de Fotografía

Empieza el verano. Se han acabado las clases y la revista digital Tökland vuelve con el segundo concurso estival de fotografía.

Para participar, sólo tienes que enviar una imagen por mail a info@tokland.com. Más información en Tökland.

 Tökland, concurso Fotografía
 

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martes, 26 de junio de 2007

Kimi Nii en Barcelona

Kimi Nii (Japón, 1947) - ceramista de amplia trayectoria en Brasil, donde reside - expone sus obras por primera vez en Barcelona (Galería Siesta Calle Ferrlandina, 18 de Barcelona).

Su trabajo propone una acentuada precisión y delicadeza. La cerámica de Kimi Nii aboga por las tendencias constructivas y orgánicas.

 Kimi Nii, Cerámica.Galería Siesta, Barcelona
 

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Chueca no existe

Chueca no existe es una exposición colectiva de dibujos sobre el barrio de Chueca, pero sobre todo sobre la actitud que impregna la vida en el barrio: la libertad, el respeto, las ganas de diversión, la modernidad o el diseño... ya que sin duda Chueca es, en estos momento, uno de los más dinámicos, vitales y hedonistas espacios de la ciudad y uno de los que más se ha transformado en los últimos diez años, especialmente gracias a sus vanguardistas tiendas, galerías, cafés, bares y restaurantes.

Artistas participantes: Javier Arteta, M. Bartual, Zoe Berriatua, Pepe Carretero, Paco Conesa, Diego Doblas, Lorenzo Gómez, Rosa Navarro & Gemma Arquero, José Manuel Nuevo, M. A. Pacheco, Rodrigo, Antonio Santos, Sebas Martín, Virginia Patrone, Álvaro Pemper, Sonia Pulido, Elena PuntoG (Elena Guardia & M. Angeles Cabré), Joaquín Secall, Santiago Sequeiros, Javier Serrano, Iván Soldo, Lidia Toga, Fernando Vicente.

Del 28 de junio al 5 de agosto en la Galeria Sin Sentido Calle Valgamediós de Chueca, claro...)

 Chueca, Galería Sins Entido, Festival Gay Visible
 

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domingo, 24 de junio de 2007

FESTIVAL de miniMETRAJES

La segunda edición del FESTIVAL de miniMETRAJES tendrá lugar del 28 al 30 de junio de 2007 en el Centre Garcilaso (Juan de Garay 116 -118 de Barcelona).

Este festival promueve la producción, exposición y difusión de trabajos audiovisuales elaborados con cámara fotográfica digital y que como novedad incorpora este año piezas realizadas con teléfono móvil. La inclusión de obras realizadas con teléfono móvil amplía y enriquece la experiencia del año anterior, en la cual se presentaron más de cien trabajos a concurso procedentes de países tan diversos como Argentina, Brásil, España, Francia y México.

 FESTIVAL de miniMETRAJES
 

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sábado, 23 de junio de 2007

Jaro en el espacio Moda+Arte

Jaro es un artista y diseñador radicado en Madrid. Su trabajo abarca distintos soportes, desde la pintura a la fotografía, pasando por el diseño de camisetas y complementos, la creación de muñecos, el graffiti, los stickers (pegatinas sobre muros) y otras muestras de arte urbano.

En todos estos soportes a la vez, interrelacionándolos despliega un universo basculante entre el análisis de su yo ( sus obsesiones, su memoria; muchas veces saltando de lo descarnado a lo tierno) y el de la masculinidad ( su rol, su función social y estética) en una línea actualiza las visiones de Genet y Cocteau sobre la peligrosa belleza de lo masculino. El Espacio García expondrá hasta el 30 de julio las últimas obras de este genial dibujante.

 Jaro, dibujo, Festival gay visible, Espacio García
 

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viernes, 22 de junio de 2007

Graffiti y rap en el Reina Sofía

El Departamento de Educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha tenido la original iniciativa de dar a conocer Guernica a las últimas generaciones mediante un concurso de murales de graffiti.

Coincidiendo con la exposición “Picasso. Tradición y vanguardia” y con el 25 aniversario de la llegada de Guernica a España, los cuatro ganadores del concurso BOA MISTURA, BRAKE1, MAX 501 y SUSO33 materializaron sus proyectos en el patio de la ampliación del Museo, donde permanecieron expuestos durante diez días.

El libro “Homenaje a Guernica. Concurso de murales de Graffiti” cuenta con el personal testimonio de uno de las principales figuras de la escena urbana de nuestro país en los 80 como Pastron#7, además de un texto inédito escrito por Francisco Reyes profesor de la Universidad Complutense de Madrid y autor de una tesis doctoral sobre graffiti, en el que analiza el significado del graffiti y narra su historia desde sus orígenes en Nueva York hasta su llegada a España.

El atractivo diseño del catálogo ha sido realizado por los graffiteros BOA MISTURA, quienes han desplegado en esta publicación un gran número de imágenes a todo color del evento y de diversas obras clave de la historia del graffiti en nuestro país.

 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Graffiti y rap, Picasso. Tradición y vanguardia
 

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miércoles, 20 de junio de 2007

Web 2.0 para museos y centros de arte

En los últimos meses, hemos detectado cómo varios museos y centros de arte están incorporando poco a poco nuevas funcionalidades y tecnologías sociales (blogs, wikis, rss, twistter, etc.) a sus sitios web con el fin de establecer mejores canales de comunicación con sus públicos objetivos.

Nos alegra ver esta evolución dado que en la presentación del estudio “Nuevas tecnologías Web 2.0 en museos y centros de arte” indicábamos que, desgraciadamente la mayoría de las entidades analizadas gestionaba su presencia en la Red a través de unos sitios web muy tradicionales con escasa interacción con el visitante, formato muy estático, falta de vínculos /enlaces con otras webs, niveles bajos de actualización, etc.

A principios de julio tendrá lugar dos encuentros en Madrid para analizar el estado actual de las prácticas de comunicación y creativas en el contexto de la llamada Web 2.0

Del 4 al 7 de julio tendrá lugar el congreso Communications Museums que analizará el impacto de los nuevos medios digitales en las entidades culturales. Precio: 1.300/800 euros

Del 9 al 13 de julio de 2007, MediaLab Madrid organiza Inclusiva-net, una plataforma dedicada a la investigación, documentación y difusión de la cultura de las redes. Precio:gratuito (necesario inscripción).

Vamos por buen camino.

 medios digitales, web 2.0 en museos, marketing online, Inclusiva-net, medialab
 

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martes, 19 de junio de 2007

Letras para el arte

El Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM invita mensualmente a un escritor/a para ofrecer una nueva mirada al arte desde la literatura. Este mes cuentan con Lorenzo Silva, que ha elegido de la Colección ARTIUM la obra La peintre avec pinceau bleu (1983, técnica mixta sobre tela), Miquel Barceló.

El encuentro tendrá mañana miércoles 20 de junio, 20.00 horas en Auditorio de ARTIUM. Entrada libre. Plazas limitadas

 ARTIUM, Letras para el arte, Lorenzo Silva
 

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sábado, 16 de junio de 2007

Gayperman se va de casa

Dentro de la programación del Festival Visible que se celebra en Madrid hasta el 30 de julio, la galería Mad is Mad ha invitado a 21 artistas a re-interpretar libremente el muñeco que fue uno de los iconos de los juegos de muchos niños españoles de los años setenta. Para que, por fin en el siglo XXI, este hombretón se desmelene y se atreva a salir del armario y a marcharse de casa.

Los 'paparazzi' de Mad is Mad: Aitor Saraiba, Carles Congost, Carlos Díez Díez, David Trullo, Gregorio Madriturra y MaCéspedes, H:boys (Letoy), Hidrogenesse (Carlos Ballesteros y Genís Segarra), Jaro, Javier Lozano, Jèrôme y Nacho B-mice, Jonathan Vidaurreta, José Rodríguez, Lidia Toga, Manuel Cuellar, Mataro (Stéfano), Paco y Manolo, Rodrigo, Rodrigo García Olza, Rubenimichi y Silvia Prada y Zoto, le han pillado 'in fraganti' en su nueva vida.

¿Exclusivas? ¿Falsos posados? Se cuentan todo. Eso sí, sin perder su más sensible compostura artística.

 Gayperman se va de casa, Mad is mad, Festival Visible
 

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viernes, 15 de junio de 2007

Nicolas de Staël

La exposición Nicolas de Staël, que estará abierta al público en la Sala de Exposiciones de La Pedrera del 19 de junio al 24 de septiembre de 2007, presentará unas sesenta obras de este artista fundamental para comprender la evolución del arte del siglo XX. La exposición está comisariada por Jean-Louis Prat, ex director de la Fundación Maeght (Saint Paul de Vence) y uno de los máximos especialistas en la obra de este artista.

Vinculado a la Segunda Escuela de París pese a su fuerte individualidad, Nicolas de Staël (San Petersburgo, 1914 - Antibas, 1955) es autor de una extensa obra concentrada en sólo trece años de intensa creación, en los que su diálogo constante con los grandes maestros del pasado y el presente, en un intento de reconciliar la nueva creación con la tradición, le situó como una de las figuras más representativas del panorama artístico de mediados del siglo pasado, por contribuir a superar la polaridad abstracción-figuración, debate que se sitúa en el epicentro de las discusiones plásticas y estéticas de los años cuarenta y cincuenta.

A través de una selección de óleos, la muestra traza un recorrido por la trayectoria vital del artista desde mediados de los años cuarenta, cuando se consolida en el apogeo de la abstracción, hasta sus últimas obras, premonitorias del trágico final de su vida, pasando por su regreso a una cierta expresión figurativa, puesta de manifiesto en cuadros como los Futbolistas o los paisajes de Sicilia, que marcan el triunfo de la construcción del espacio por medio del color.

 Nicolas de Staël, Sala de Exposiciones de La Pedrera, Fundació Caixa Catalunya
 

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Listos para leer

Más de cuatrocientos libros editados en España entre los años 2000 y 2006 integran esta muestra, Listos para leer (Círculo de Bellas Artes de Madrid) que ofrece una aproximación a la industria editorial española de hoy, desde una perspectiva que reivindica un aspecto fundamental en la producción de libros: el trabajo de los diseñadores.

Libros publicados por editoriales como Anagrama, Seix Barral Tusquets, Santillana, Planeta o Siruela , entre muchas otras, y libros producidos por editoriales como Acantilado, Actar, Quaderns Crema o el Círculo de Lectores, han sido seleccionados por el comisario de la exposición, Enric Satué, para ofrecer, bajo un signo de absoluta actualidad y con vocación didáctica, un análisis sobre el diseño de libros.

 Circulo de bellas artes madrid, listos para leer, diseño gráfico, sector editoral
 

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jueves, 14 de junio de 2007

El señor de los anillos

Más de un millón de personas han visitado esta exposición en ciudades como Boston, Londres, Sidney o Singapur, un periplo que terminará en España en la que será la última oportunidad mundial para ver la exposición antes de que cada una de las 800 piezas originales utilizadas en esta producción, como vestidos, armas, maquetas, cascos o joyas, regrese, ya por siempre, a manos de sus propietarios.

La exposición "El Señor de los anillos" se podrá ver del 23 de Junio - 16 de Septiembre 2007 en la sedes de la Fundación Caixa Galicia de Santiago y A Coruña. La exposición mostrará todos los detalles de la compleja realización de la película, gracias a numerosas herramientas multimedia que recorrerán cada personaje y cada escenario de las películas.

Todos los aficionados a la célebre saga cinematográfica de Peter Jackson y a la brillante y fundamental obra literaria de J.R.R. Tolkien podrán conocer más detalles sobre esta exposición en la web que la Fundación Caixa Galicia ha puesto en marcha en la siguiente dirección http://www.fundacioncaixagalicia.org/esdla-la-exposicion

 El señor de los anillos, Fundación Caixa Galicia
 

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martes, 12 de junio de 2007

Los museos y el turismo cultural

Desde hace unos pocos años hemos llegado a la era turística, en la que la gestión incorpora el concepto de marketing, es decir, la captación de visitantes: el museo sale fuera, se promociona, se da a conocer y define acciones y estrategias de captación y aumento de audiencias.

La incorporación “oficial” de los museos de forma genérica al turismo cultural es, en España, algo relativamente reciente. Y digo en España, porque en otros países, donde la tradición del turismo cultural es mucho más antigua, los museos ya estaban incorporados en estos circuitos, y en muchos casos eran los motores de dichos circuitos. No hace falta citar ejemplos como el Louvre, los Ufficci o la National Gallery.

El objeto del curso de verano Los museos y el turismo culturales reflejar esta situación. Para ello, Teresa Pérez-Jofre, Directora del Curso y responsable de comunicación de la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, ha invitado a participar a representantes de diversas organizaciones, para que cuenten su experiencia y sus planes, para enseñarnos cómo está la situación ahora y por dónde queremos ir. Desde administraciones públicas nacionales y de las comunidades autónomas, visiones desde la Unión Europea, pasando por las experiencias punteras de museos españoles, iniciativas de otros países y la visión desde el propio sector turístico privado.

El curso se celebrará del 23 al 27 de julio en la Universidad Rey Juan Carlos I de Madrid. La Directora es

 marketing cultural, turismo cultural, Thyssen-Bornemisza
 

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Carles Congost en el MUSAC

Carles Congost es el responsable del doble proyecto Say I’m Your Number One, que aglutina el libro monográfico que bajo el mismo título han coeditado MUSAC y ACTAR, y la instalación para las Vitrinas donde narra la historia completa de su grupo musical The Congosound a través de una fotonovela realizada ex profeso para la publicación y de un sofisticado e irónico display encargado de presentar en primicia su nueva realidad como grupo franquicia.

 MUSAC, ACTAR, Carles Congost, fotonovela
 

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Artista italiana vende su colección

La artista y arquitecta veneciana, Claudia Bonollo, abre las puertas de su Atelier dónde expone y pone a la venta toda su obra hasta hoy.

En el ático de calle desengaño número 6 de Madrid, en la sexta planta, podrán encontrar obras de metal y de vidrio, planetas de metacrilato, cajas de luz, zoos de cartón, imágenes celulares, láminas de color, maquetas, escenografíad y libros de artista.

Estas jornadas se celebrarán en el espacio Meta-morphic del 21 al 24 de junio de 2007 de 12 hasta 22 horas.

Se ruega confirmar visita a través del 91.521.29.29 o en el email: claudiabonollo@meta-morphic.com

 Claudia Bonollo, Meta-morphic
 

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lunes, 11 de junio de 2007

Curioso proyecto audiovisual

Hace unas semanas Notodofilmfest.com estrenaba en primicia para Internet los primeros capítulos del largometraje MOVE! del realizador italiano Pietro Jona.

Ya puedes disfrutar al completo de este curioso proyecto audiovisual, que surge cuando Jona decide “reclutar” a través de la red a realizadores de todo el mundo y les propone rodar diversas piezas sobre un mismo tema: el movimiento.

 Move, Notodofilmfest
 

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Master en crítica cultural y edición de revistas

La revista trimestral EXIT promueve un Master en crítica cultural y edición de revistas de arte contemporáneo que tiene como objetivo dotar al alumno de experiencia práctica en el desarrollo de un proyecto editorial dedicado a la creación artística de las últimas décadas, así como proveerle de las herramientas teóricas necesarias para llevarlo a cabo.

El programa se caracteriza por su interdisciplinaridad e incluye cursos intensivos sobre historia y crítica de arte, técnicas y géneros periodísticos, normas de edici& oacute;n y talleres de escritura, además de ofrecer un amplio panorama sobre las estructuras e instituciones que regulan el funcionamiento del arte en la actualidad.

El currículo está diseñado específicamente para profundizar en el conocimiento práctico y perfeccionar las habilidades necesarias para realizar los trabajos de crítico de arte, periodista especializado en cultura, experto en comunicación cultural y directivo de empresas editoriales dedicadas al arte contemporáneo.

 Master en crítica cultural y edición de revistas, formación cultural, gestión cultural
 

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domingo, 10 de junio de 2007

Cambio climático y artes visuales

Desde 13 de julio, y hasta el 16 de septiembre de 2007, el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria, presenta la exposición Weather Report. Cambio climático y artes visuales, un proyecto que plantea un análisis del cambio climático a través de 18 artistas internacionales.

La exposición renuncia de forma expresa a las nociones de espectacularidad y superficialidad que dominan el arte contemporáneo en el inicio del siglo XXI y propone un protocolo de trabajo donde se han establecido unas normas conducentes a llevar al mínimo el transporte de obras de arte, produciendo por un lado las instalaciones de forma local y por otra parte eligiendo el soporte digital para los 13 artistas que han realizado una aportación fotográfica.

Cada uno de estos 13 artistas que proponen un trabajo fotográfico ha realizado 24 nuevas imágenes, éstas serán expuestas como una cuadrícula de 6x4 a tamaño 30x45 cm. cada una, a la vez estas imágenes se muestran en un pase de diapositivas digital. En esta interacción entre la impresión y la imagen proyectada se establece una conexión entre la alta y la baja tecnología.

La exposición cuestiona, además, la forma en la que los museos exhiben y producen arte contemporáneo, proponiendo alternativas viables en la ejecución de los proyectos para su desarrollo coherente. Las aportaciones fotográficas trazan un auténtico análisis global, procediendo éstas de Sudáfrica, Vietnam, Japón, Argentina, Reino Unido, Estados Unidos, Alemania, Islandia y España. Tejiendo en el proceso múltiples microcomunidades.

 Cambio climático, artes visuales, Centro Atlántico de Arte Moderno, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria
 

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sábado, 9 de junio de 2007

Nueva revista de arte

Plástico es una revista difícil de etiquetar. Se trata de una publicación cuatrimestral, una caja en la que conviven obras de arte originales y escritos que abordan un mismo asunto. Cada número tiene un tema monográfico que sirve de punto de partida a distintos creadores para aportar su visión personal y concebir entre todos un conjunto, una obra de arte colectiva.

En este primer número proponen un itinerario por la ciudad en la que viven los editores de la revista, Madrid, a través de la necesariamente subjetiva mirada de las obras de arte.

 Revista Plástico, revista de arte
 

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viernes, 8 de junio de 2007

Mundos digitales

Un total de 126 cortometrajes procedentes de 19 países se han presentado al Festival Internacional de Animación que pondrá el broche de oro a la edición de este año de Mundos Digitales, que se ha convertido ya en una de las citas más importantes de la animación internacional.

Entre las novedades de este año, se celebrará una jornada que, bajo el nombre Arquitectura Digital, contará con la presencia de algunos de los más destacados profesionales del campo de la infoarquitectura y. también se desarrollará el I Simposium de Informática Gráfica y Patrimonio Histórico (SIGPHI). Asimismo, y como pionero en el ámbito de los Festivales internacionales en este aspecto, Mundos Digitales cuenta con un canal de televisión propio a través de Internet – www.mundosdigitales.tv - que nace con el objetivo de promover la animación y los efectos especiales digitales.

 Mundos digitales, Fundación Caixa Galicia, animación digital
 

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jueves, 7 de junio de 2007

Arte en las nuevas tecnologías de audio y vídeo

La Fundación Germán Sánchez Ruipérez, a través del Centro Internacional de Tecnologías Avanzadas (CITA), organiza en Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), durante los meses de junio y julio, varios cursos de verano.

Una de las actividades es:Arte en las nuevas tecnologías de audio y vídeo. Un Curso práctico, que se celebra los días 2, 3 y 4 de julio, en el que se presentan las múltiples y variadas posibilidades de experimentación en las nuevas tecnologías de audiovisuales fuera de las normas comerciales.

Esta actividad, coordinada por los artistas Carlos TMori y Chema Blanco, está destinada a profesionales de las artes visuales, programadores culturales, profesionales de la museografía, estudiantes de bellas artes, profesores de materias artísticas, historiadores o cualquier persona interesada en el tema.

Las plazas para todas las actividades del Campus de Verano del CITA son limitadas y se entregarán por riguroso orden de pago.

 Centro Internacional de Tecnologías Avanzadas, CITA, Fundación Germán Sánchez Ruipérez, arte audio video
 

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miércoles, 6 de junio de 2007

Daniel Blaufuks en La Caja Negra

La imágenes de Blaufuks, han sido descritas como “prosa de instantáneas”, un discurso basado en fragmentos visuales que insinúan historias privadas en el momento de su transformación en relatos públicos. Esta relación entre lo público y lo privado, entre la memoria personal y la colectiva es una constante preocupación en su trabajo. Partiendo del soporte fotográfico y del video, Blaufuks elabora publicaciones, instalaciones, filmes y diarios en los que desdibuja las fronteras entre lo falso y lo real.

En este sentido puede interpretarse el libro de artista editado por La Caja Negra bajo el título de Blaufuks y en el que ironiza sobre el peso de la autoría y de la interpretación en la construcción de la historia del arte demostrando que se trata de una ficción como cualquier otra. Además en la exposición se incluyen la serie de serigrafías Silver Screen Azul y Negro (2007), una muestra de sus fotografías más recientes y el vídeo A Perfect Day (2002 - 2005).

 Daniel Blaufuks, La Caja Negra
 

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lunes, 4 de junio de 2007

Las comunidades artísticas on-line

Centre d'Art la Panera (Pl. de la Panera, 2 de Lleida) organiza una conferencia a cargo de Lourdes Cilleruelo, Doctora en Bellas Artes y autora de diferentes artículos sobre net.art, sobre las comunidades artísticas on-line.

Uno de los aspectos más interesantes de la creación artística de internet- y aspecto diferencial del medio- es que se basa en la comunicación. Esta charla centra su atención en la creación de redes sociales en internet como recurso y práctica artística. Su estructura plantea un recorrido a través de la trayectoria de estas plataformas de comunicación y analiza los recursos que han determinado su evolución. Al mismo tiempo, se presentará el proyecto Dariola.net, sitio web orientado a analizar este fenómeno y crear una plataforma de intercambio de recursos y herramientas para artistas, iniciativa en la que actualmente se encuentra trabajando Lourdes Cilleruelo junto con Mariano Maturana.

La conferencia tendrá lugar el jueves, 7 de junio, a las 19.30 h

 Las comunidades artísticas on-line, Centre d'Art la Panera, Lourdes Cilleruelo
 

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domingo, 3 de junio de 2007

Non smoking society

Non smoking society es una selección de imágenes pertenecientes a la trilogía dedicada a Ciudad Juarez: Ciudad Juárez I, Transiciones (Juarez II) y Círculos (Juarez III). En esta muestra, César Saldívar ha escogido algunas de sus fotografías de esta trilogía para realizar una evocación sobre la muerte planteando una reflexión social sobre las mujeres desaparecidas en Ciudad Juárez. Son, todas ellas, imágenes poéticas, cargadas de simbolismo con la muerte como tema de fondo.

Así, Non smoking society se compone de tres ámbitos en los que se intercalan fotografías de tres formatos diferentes, pertenecientes a las distintas series. Debido al trasfondo cultural auténticamente mexicano de la obra, Saldívar trata el tema de la muerte alegóricamente, con una visión artística y poética y aportando una explicación dinámica y naturalista de la misma.

César Saldívar concluye de esta manera un proyecto iniciado hace tres años, dotado de una enorme carga simbólica y una intensa fuerza visual, tanto por la lectura conceptual y metafórica que aporta al tema, como por el uso de una técnica impecable, de corte clásico. Todo ello nos lleva a una fotografía acabada, de gran belleza, que sobrepasa la pura intención estética, y ahí radica la fuerza y emoción que logra trasmitir.

Non smoking society estará abierta al público en la Sala de Exposiciones del Complejo El Águila (calle Ramírez de Prado, 3) hasta el próximo día 22 de julio.

 Non smoking society, César Saldívar, Sala de Exposiciones del Complejo El Águila
 

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viernes, 1 de junio de 2007

Anselm Kiefer

Con motivo de su décimo aniversario, el Museo Guggenheim Bilbao presenta hasta el 3 de septiembre de 2007 una de las exposiciones más relevantes dentro de la programación artística: Anselm Kiefer, una muestra única que incluye una selección de obras creadas en la última década por uno de los más importantes y aclamados artistas de nuestro tiempo.

Una de las particularidades de esta muestra es un desolado paisaje de invierno de escala monumental, creado especialmente para el Atrio del Museo, cuya verticalidad —15 metros de altura— interactúa con el singular espacio creado por Frank Gehry.

La exposición aúna más de 100 obras, entre conjuntos y trabajos individuales, que se distribuyen a lo largo de nueve salas de la primera y la segunda planta del Museo, ilustrando, pese a estar realizadas en los últimos diez años, las diferentes temáticas, inspiraciones e inquietudes que han definido la creación artística de Anselm Kiefer, permitiendo al visitante una visión completa y heterogénea de su trayectoria.

Anselm Kiefer nació en 1945 en Donaueschingen, al sur de Alemania. Reconocido internacionalmente como uno de los más importantes creadores de nuestro tiempo, su producción se inicia a finales de los años sesenta, cuando decide abandonar los estudios de derecho para dedicarse a su verdadera vocación, el arte, en el año 1966.

Su producción de los años setenta y ochenta gira en torno a la mitología, la historia, la religión y la simbología alemana, temas que el artista investiga profundamente y que utiliza de forma recurrente en sus obras como medio para evitar el proceso de amnesia colectiva ante las brutalidades y tragedias históricas de una Alemania desmembrada por la Segunda Guerra Mundial y en plena lucha por la restitución de su identidad como país. De esta forma, la cábala, los nibelungos, Adolf Hitler, el músico Richard Wagner o el arquitecto del nazismo, Albert Speer, son referencias comunes en su obra de este periodo que ha sido considerada un auténtico “teatro de la memoria”.

 Anselm Kiefer, Museo Guggenheim Bilbao
 

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jueves, 31 de mayo de 2007

Fotógrafos Insospechados

La Fundación Canal inaugura hoy la exposición ''Fotógrafos Insospechados. Celebridades detrás del objetivo''. Esta muestra, incluida dentro de PHotoEspaña 2007, reúne fotografías realizadas por 25 artistas internacionales de reconocido prestigio en disciplinas como el cine, la música, la literatura, la pintura o la danza.

Entre los fotógrafos insospechados figuran grandes personajes como Víctor Hugo, Pablo Picasso, Edgar Degas o Emile Zola. Junto a ellos destacan los directores Pedro Almodóvar, Stanley Kubrick y Carlos Saura, los músicos Lou Reed, Patti Smith y Bryan Adams, los actores Richard Gere y Leonard Nimoy; y el bailarín Mikhail Baryshnikov, entre otros.

 Fotógrafos Insospechados, Fundación canal
 

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martes, 29 de mayo de 2007

Festival Internacional de Cultura Gay

El Festival Visible de Cultura Gay y Lésbica se celebrará en Madrid del 30 de mayo al 30 de julio que está planteado con un enfoque pedagógico, destinada a todo tipo de públicos que deben aprender a comprender y a convivir con la diversidad, a desterrar estereotipos y a superar tabúes.

Este festival internacional reúne todas las expresiones plásticas por medio de la fotografía, la pintura, el dibujo o la performance, presentando a creadores noveles, junto a artistas ya consagrados en la escena internacional. La propuesta incluye 24 montajes teatrales, así como cine, danza, recitales de poesía, exposiciones, etc. con el fin de establecer el diálogo entre este colectivo y el resto de la sociedad y, asimismo, otorgar visibilidad a la actividad cultural de los gays y lesbianas.

En contraste con la escasez de propuestas de temática lésbica en los escenarios españoles, esta edición del Festival presenta cinco montajes centrados en el mundo de la mujer lesbiana: Ser o no ser…, Primeras caricias, Las amargas lágrimas de Petra von Kant. Fémina 8.1 y G2: tocado y hundida. También tres exposiciones tratan sobre ellas: Mujeres en el mundo del cómic, PHotoles y El amor de todos los colores.

En esta edición cuenta con dos conmemoraciones. El 25 aniversario de la muerte del cineasta alemán R. W. Fassbinder. Por eso el Instituto Goethe ha programado un ciclo de cine todos los lunes de mayo. Este año también se celebra el centenario del nacimiento de Frida Kahlo. El montaje Kahlo, viva la vida, de Humberto Robles pone en escena los fantasmas de la famosa pintora mexicana.

Seguiremos informado...

 Festival Visible de Cultura Gay y Lésbica, Visible, Cultura Gay
 

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lunes, 28 de mayo de 2007

Photo España en la Biblioteca Nacional

PhotoEspaña, el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, cumple este año su décimo aniversario, que celebrará con acontecimientos especiales y exposiciones commemorativas por todo Madrid. © Antonio Riccio

Del 30 de mayo al 22 de junio se pondrán visitar más de 60 exposiciones de obras de fotografos de 31países. Por primera vez, PHotoEspaña entra en la Biblioteca Nacional con una exposición de los mejores libros de fotografía de 2007, incorporando nuevos espacios expositivos a su programa. La exposición incluye los libros que optaron al Premio al Mejor Libro de Fotografía del Año en 2006 y los premiados en convocatorias anteriores.

 PhotoEspaña, Biblioteca Nacional
 

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domingo, 27 de mayo de 2007

Muestra Interactiva de Arte Urbano

El proyecto M.I.A.U. (Muestra Interactiva de Arte Urbano) trata de aunar la tecnología y el arte, a la vez que intenta sensibilizar a los madrileños de las posibilidades que ofrece “la vida digital” y, en concreto Internet.

Los participantes que podrán enviar a través de la web www.miaumadrid.es o del teléfono móvil: fotografías, vídeos, sonidos o textos, sobre aquello que en su opinión refleje mejor el espíritu madrileño. Con ello se trata de crear un espacio común en el que cada uno pueda aportar su particular visión de la ciudad y compartirla con los demás, para conformar con la participación de todos un gran autorretrato de la ciudad.

 Muestra Interactiva de Arte Urbano, miaumadrid
 

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100% Territorio móvil

El objetivo principal de 100% Territorio móvil (Ingurune Mobila) es facilitar a los jóvenes vascos una plataforma desde la que, a través de vuestros movilmetrajes, puedan dar su punto de vista sobre el lugar en que viven.

Los organizadores de este concurso, Amasté, buscan que les cuentes como ves el sitio en el que vives, por donde sales de marcha, el futuro, tus amigos, la familia, tu lugar favorito, qué te gusta y qué no de tu entorno, lo urbano, lo rural… Qué significa para ti ser vasco/a.

Los participantes pueden pensar en cualquier género para realizar su movilmetraje: acción, ciencia-ficción, anuncio publicitario, documental, intriga, animación, aventura, terror… Más info en 100% Territorio móvil (Ingurune Mobila)

 100% Territorio móvil, Ingurune Mobila, Amaste
 

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sábado, 26 de mayo de 2007

Tercer encuentro de artistas en un castillo

La realización de la tercer edición de este encuentro de artistas nace del éxito y riqueza logrado en la primera y segunda edición de Encuentra y de una inquietud compartida por las fundaciones organizadoras. La andadura conjunta de Fundación Norte y Fundación Uncastillo se consolida en unos valores comunes y a través de unos objetivos culturales y sociales. El compromiso social de ambas instituciones, los objetivos didácticos, la búsqueda del enriquecimiento intelectual y artístico entre otras cosas, jus tifica nuestra unión para determinadas actividades y proyectos que revierten en el beneficio y enriquecimiento de nuestra sociedad.

Los artistas trabajarán durante diez días y realizarán varias obras en la disciplina que ellos seleccionen. Se llevarán a cabo otras actividades culturales y artísticas que enriquezcan el encuentro y el intercambio cultural: conciertos de música, foros, mesas redondas, debates, conferencias, talleres educativos...

Una de los fines de Fundación Norte es la promoción y mecenazgo de la creación artística contemporánea, su disfrute y difusión. Se pretende con esta actividad ayudar a la producción artística, facilitando un espacio de trabajo y los materiales necesarios para ello, promocionar y difundir a los artistas y su obra, realizar exposiciones con las obras producidas.

El encuentro se desarrollará del 6 de julio al 15 de julio de 2007.

Proceso de selección de artistas

Los participantes del encuentro serán elegidos de entre los artistas que lo soliciten, sin restricción de edad o nacionalidad.

Los artistas deberán presentar una solicitud (con sus datos personales) y una breve memoria. Las solicitudes deberán remitirse a: Fundación Norte, Encuentro de Artistas en Uncastillo. Paseo Independencia 32 5º izquierda, 50004, Zaragoza. La memoria será breve y recogerá de forma detallada las necesidades técnicas del artista en cuanto a materiales, utillaje, soportes... y su presupuesto. Deberá ser clara, concisa y con una redacción que no supere las qui nientas palabras. Los artistas deberán adjuntar además su curriculum artístico e información gráfica sobre su obra.

La selección correrá a cargo de un consejo formado por las fundaciones organizadoras y por profesionales independientes de la cultura y el arte contemporáneo. Se otorgarán un máximo de doce becas.

El plazo de presentación de solicitudes es hasta el 31 de mayo de 2007.

 encuentro de artistas en un castillo, Fundación Norte, Fundación Uncastillo
 

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viernes, 25 de mayo de 2007

Desatascadores gigantes

En su proyecto para el Museo de Arte Contemporáneo Marco de Vigo, Carlos Rial investiga sobre el significado de las intervenciones site-specific en el contexto museístico.

El artista interviene en el lugar para devolvernos una realidad alterada a partir de objetos cotidianos: en este caso, cinco que ocupan el espacio, adaptándose al cubo blanco en el que, aparentemente, no les correspondería estar.

 Desatascadores gigantes, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Marco
 

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miércoles, 23 de mayo de 2007

Un Teatro sin Teatro

El MACBA de Barcelona inaugura mañana la muestra "Un Teatro sin Teatro" que investiga las metáforas en las que se han desplegado las influencias del modelo teatral en las artes de nuestro tiempo, desde los inicios de la modernidad hasta finales de los años ochenta. La exposición incluye más de 800 obras, entre pinturas, esculturas, instalaciones, dibujos, fotografías, vídeos, manuscritos y documentación diversa.

Esta muestra plantea un reflexión sobre la situación del sujeto en la sociedad contemporánea y sobre los vínculos entre la “experiencia sensible” y la “acción”. Asimismo, realiza una aproximación a las raíces dramáticas del arte, como constituyente de la modernidad occidental: desde Vsevolod Meyerhold a Oskar Schlemmer, desde Antonin Artaud a Judith Malina y Julian Beck (creadores del grupo Living Theatre), desde Samuel Beckett a Tadeusz Kantor, el teatro ha producido ideas y relatos que han sido absorbidos por el arte, convirtiéndose en modelos de relación estética y espacial. El arte podría ser, de alguna manera, “el otro escenario” de la práctica dramática.

La exposición presenta un amplio abanico de aproximaciones a la noción de drama y a las coincidencias entre un arte “arcaico” y la innovación y la ruptura estéticas. Se despliega en torno a diversos ámbitos de investigación, de los que emergen tanto los artistas como los temas que tienen en común el teatro y el arte. En lugar de estructurarse según una evolución puramente cronológica, la muestra se centra en diversos núcleos de análisis en los que, a su vez, se proyectan las genealogías e influencias desarrolladas desde principios del siglo XX.

 Un Teatro sin Teatro, Macba
 

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martes, 22 de mayo de 2007

Lanzamos la web social culturizame.net

Esta nueva red social aspira a convertirse en una interesante fuente de información cultural complementaria a los medios de comunicación tradicionales, donde los artículos más votados se publican en la portada de esta web cultural.

Cualquier persona puede compartir su opinión con otros lectores sobre un evento cultural sin importar su nivel económico, edad, gustos y preferencias culturales, ubicación geográfica, etc. www.culturizame.net permite a sus usuarios opinar, compartir o valorar cualquier información publicada en la Red sobre un determinado libro, disco, película de cine/TV, exposición, obra de teatro, concierto o noticia cultural.

Los usuarios de esta nueva red cultural votan y comentan las noticias publicadas en otros medios digitales (blogs, revistas y medios digitales, wikis, etc.) o envían noticias elaboradas por ellos mismos. La web cuenta con un novedoso sistema de ponderación de las noticias enviadas, que tiene en cuenta la votación colectiva sobre cada una de ellas y el nivel de credibilidad y participación de cada usuario.

Las nuevas tecnologías Web 2.0 (blogs, redes sociales, wikis, podcast, etc.) están modificando el modo en que las entidades culturales se comunican e interactúan con sus públicos, ya sea con sus editoriales, librerías, cines, teatros, museos o galerías de arte.

Varios expertos en comunicación social están analizando por qué la gente dedica tanto tiempo y de forma gratuita a participar en las redes sociales de la Web 2.0, y han llegado a la conclusión de que una de las principales causas de esta contribución masiva es querer formar parte de una comunidad de intercambio de información sin filtros entre ciudadanos.

Este nuevo proyecto ha sido creado por el portal cultural Dosdoce.com y el Grupo Evoluziona

 Culturizame, web 2.0, Red social
 

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Festival LOOP’07

El Festival LOOP, punto de encuentro anual para los profesionales del videoarte, tiene la voluntad de convertirse en un referente mundial, una plataforma activa de difusión, creación y gestión, para todos los amantes del videoarte. Durante doce días (del 23 de mayo al 3 de junio), el Festival LOOP se desarrollará en más de 150 espacios de la ciudad de Barcelona.

La recientemente estrenada Fundació Suñol es la encargada este año de abrir las puertas del Festival LOOP de videoarte. Para la ocasión, la Fundació Suñol ha invitado a los coleccionistas marselleses Marc y Josée Gensollen, médicos especialistas en comunicación, para que presenten una selección de su colección privada de videoarte. La presentación tendrá lugar en el espacio Nivell Zero que la fundación ha creado para difundir las propuestas de arte emergente.

Bajo el título “Vive la mort”, las obras que se muestran en este espacio hasta el día 1 de junio ilustran, unas veces de manera grave y otras de forma humorística las dificultades de la existencia humana. A través del visionado de ellas el espectador es sutilmente invitado a reflexionar sobre la soledad y a retomar la ilusión por vivir.

Las obras escogidas para esta exposición pertenecen a los artistas Hans Op de Beck, João Onofre, Carlos Amorales, Absalon, Anri Sala y Ulla von Brandenburg, y podrán visionarse los lunes, martes, miércoles y viernes de 16 a 20h.

 Festival LOOP’07, Fundació Suñol
 

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lunes, 21 de mayo de 2007

Festival de libros ilustrados

Como Pedro por mi casa es un festival dedicado íntegralmente a los libros ilustrados para adultos.

A lo largo de todo el año Julia Pelletier y Rafael Castañer han reunido una amplia y variada selección de propuestas editoriales diversas provinentes de distintos países. Duante 4 días, la Cripta de la Central del Raval estará acondicionada como salón de lectura para que en un entorno íntimo y acogedor podáis consultar con tranquilidad todos los trabajos reunidos -desde libros artesanales y álbumes de edición propia a propuestas de editoriales y autores ya consolidados.

Este año, el festival presentará entre otros, a invitados que provienen de Argentina, EE.UU., España, Finlandia, Francia, Inglaterra, Italia o Japón.

El festival tendrá lugar los días 23, 24, 25 y 26 de Mayo 2007 de 10.00 a 21.00 en laLibrería La Central del Raval

 

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sábado, 19 de mayo de 2007

Fernando Bellver en Sevilla

Antes de participar ayer en la mesa redonda sobre "Libros y Literatura en la Red" organizada por la Feria del Libro de Sevilla, visitamos la galería Full_art de Sevilla que presenta por segunda vez en su espacio una muestra del prestigioso artista madrileño Fernando Bellver (1954), bajo el título “El Baile”.

La exposición agrupa toda una serie de trabajos realizados en el 2007 cuya temática central se desarrolla en torno al “Baile”, relacionado también con sus numerosos viajes y con las ciudades que ha visitado, estos temas son muy comunes en la obra del artista, en las que existe una gran presencia de lo urbano. Las obras recogen experiencia personales de su vida y sus viajes, con una interpretación pop de la cultura, del mundo del arte y de su propia cotidianidad.

Fernando Bellver trabaja todo tipo de formatos, pintura, escultura, el grabado, fotografía, incluso video recientemente. Bellver desarrolla en sus creaciones una actitud apropiacionista, de revisión y rescate de diferentes elementos de la historia del arte que toman nuevo sentido tras su peculiar interpretación, dónde siempre hay guiños cómicos e ironía.

 Fernando Bellver, Sevilla, Fullart, Fomento lectura
 

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jueves, 17 de mayo de 2007

El día y la noche de los museos

Desde 1977, el 18 de mayo se ha convertido en el Día Internacional del Museo. Para celebrarlo, la mayoría de las entidades culturales amplían su oferta cultural fuera de su horario habitual, y organizan diversas actividades: música, cine, talleres infantiles, juegos, conferencias, aperturas nocturnas....

El objetivo de este día es sensibilizar artísticamente al espectador, enseñar a mirar una obra de arte para descubrir en esta los lenguajes de los artistas modernos y contemporáneos y convertir al museo no solo en un espacio expositivo, sino en un centro didáctico y un lugar de encuentro.

Desde el año 2005, el Consejo Europeo ampara la iniciativa europea La Noche de los Museos, en el marco de la cual un gran número de museos europeos abren sus puertas en horario nocturno, este año durante la noche del 19 de mayo, en la que participan más de 1200 museos de toda Europa.

 Día Internacional del Museo, noche de los museos
 

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miércoles, 16 de mayo de 2007

La Casa Encendida en Second Life

La Casa Encendida crea una isla en Second Life para hacer llegar las propuestas de uno de sus centros sociales y culturales más emblemáticos.

En la isla de La Casa Encendida, los visitantes podrán, entre otras cosas, recorrer la reproducción virtual del edificio ubicado en el madrileño barrio de Lavapiés, sentarse a disfrutar en sus cuatro auditorios de conciertos y actuaciones, participar en cursos y talleres, relajarse en los distintos jardines que recorren la isla (japonés, renacentista) reciclar en el punto limpio, perderse por el laberinto, pasar un rato en la playa, o descubrir el árbol de la poesía, entre otras muchas sorpresas.

Para una visita virtual a la isla hacer clic en : www.laislaencendida.com/trailer

En los últimos meses, hemos detectado cómo varios museos y centros de arte están incorporando poco a poco nuevas funcionalidades y tecnologías de segunda generación (blogs, podcast, wikis, etc) con el fin de establecer mejores canales de comunicación con sus públicos objetivos. Nos alegra ver esta evolución.

 Casa Encendida Second Life, Web 2.0 en museos y centros de arte
 

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martes, 15 de mayo de 2007

Fernando Bermejo en Bilbao

Este pintor y escultor (Madrid 1949) presenta por primera vez en Bilbao y en la Galería Xanon, sus cajas de luz pertenecientes a la serie de “Apuntes de un bosque” y una serie de dibujos siempre con la naturaleza como columna vertebral. Gran defensor de la naturaleza, respecto de su parque portátil, Bermejo es contundente “Mis cuadros no tiene ningún interés; lo importante es el árbol real, del que he hecho una interpretación. Sería triste que esto se quedara como un recuerdo de lo que hubo”.

Las cajas de luz son frecuentemente usadas por los fotógrafos, pero rara vez se utilizan para iluminar pinturas. Fernando Bermejo no se considera un simple paisajista, de allí su experimentación con la iluminación interior de la obra. Las pinturas en blanco y negro realizadas sobre soportes individuales cubiertos con distintos papeles superpuestos y montados en cajas de luz fría sugieren interesantes posibilidades de investigación.

Iluminadas por detrás, sus piezas representan bucólicos paisajes frotados que poseen una gran luminosidad natural, su visión surrealista de árboles crean un espacio de poesía melancólica.

La exposición permanecerá hasta el 6 de Junio 2007

 Galeria Xanon, Bilbao, Fernando Bermejo
 

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jueves, 10 de mayo de 2007

El blog de El Roto

En los últimos meses, hemos detectado cómo varios museos y centros de arte están incorporando poco a poco blogs, podcasts, RSS a sus estrategias de comunicación con el fin de informar e involucrar a sus públicos objetivos. Sin lugar a dudas, la irrupción en la Red de las nuevas tecnologías Web 2.0 está transformando la manera en que las personas visitan una exposición o un museo.

En la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Sevilla podremos asistir, del 11 al 20 de mayo de 2007, a la exposición de viñetas de El Roto que, bajo el título de “El Chaparrón”, ponen de manifiesto la preocupación actual por los enormes problemas del medio ambiente y, sobre todo, por lo que puede llegar a ocurrir si el hombre no pone urgentemente remedios y soluciones.

La Consejería de Medio Ambiente ha creado el blog http://www.elchaparron.blogspot.com con el fin de facilitar a los visitantes un lugar donde exponer sus opiniones e impresiones sobre esta exposición. En la nueva era de la participación, las personas que van a museos y centros culturales ya no quieren limitarse a recibir información sobre la exposición, sino que, además, quieren tener la posibilidad de intercambiar opiniones y recomendar lo que han visto.

» Continúa leyendo "El blog de El Roto"

 Andrés Rábago, El Roto, El chaparrón, blogs en museos, Web 2.0 en museos y exposiciones
 

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martes, 8 de mayo de 2007

Observatori 2007 "Feelings"

Del 11 al 13 de mayo en el Museo Príncipe Felipe de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia regresa Observatori 2007 "Feelings", un encuentro que nos invita a reflexionar sobre nuestra capacidad de sentir, y también sobre como los sentimientos provocan en nosotros diferentes estados anímicos que determinan el modo con el que nos comunicamos con el resto del mundo.

La octava edición de Observatori contará con la participación de importantes nombres de la escena del arte contemporáneo, las performances, el diseño, la creación digital, de los sonidos más experimentales y los más sugerentes desde el pop a la electrónica. Las primeras confirmaciones de un cartel que, poco a poco, va tomando
forma y que promete como en pasadas ediciones ser un gran resumen de la enorme variedad musical.

 Observatori 2007, Feelings, Valencia
 

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domingo, 6 de mayo de 2007

José Pedro Croft

José Pedro Croft, por encargo del Museu Calouste Gulbenkian de Lisboa ha realizado una intervención escultórica en el atrio de la institución como parte de los actos de conmemoración de los 50 años del museo.

El Museo y la Fundación, creadas por el industrial del mismo nombre a mediados del siglo XX, albergan una importante colección de arte y arqueología. Entre las obras destacan los conjuntos egipcios y de Oriente Medio y las galerías de pintura con obras de Manet, Turner, Rembrandt o Rubens.

La intervención de Croft versa, precisamente, sobre las vitrinas del museo y su contexto como objeto museológico. Esta institución había jugado un papel importante dentro de la educación artística de Croft y tiene un recuerdo muy marcado de su fascinación por el espacio y por los contenedores, las vitrinas, unos muebles muy característicos, con un diseño de los años setenta que tiene asociado a la institución.

Las obras, con alturas de entre 150 y 300 cm, están construidas de metal y cristal como viene siendo habitual en la obra del artista portugués. Se encuentran situadas cuidadosamente en el atrio de tal forma que establecen una relación muy precisa con el espectador; con la escala humana y con los recorridos que deben realizar en su entorno, y en concreto con las otras obras de arte situadas en el mismo espacio.

En cierto sentido al estar vacías, es como si estuvieran esperando los contenidos que las completen pero al mismo tiempo los materiales reflejan y multiplican la imagen de los visitantes. Pero también podrían ser contenedores de memoria, tanto de obras y restos de historia y cultura, como de recuerdos personales. Sería precisamente ese “paisaje interior” al que se refiere el título, el que albergarían las nuevas “vitrinas” de José Pedro Croft.

 José Pedro Croft, Museu Calouste Gulbenkian, Lisboa
 

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viernes, 4 de mayo de 2007

Ké me sale de la kabeza

“Ké me sale de la kabeza”, es la exposición de grabados de Carmen Sebastián, que tras diez años de taller, inauguró el pasado 17 de abril en Elmonodelatinta.

La artista, tras varias exposiciones colectivas, y una mención en Calcografía Nacional 2005, por su obra “Cuerpo deseado”, catalogado en BN, expone su obra reciente en esta muestra individual llena de símbolos y color.
Aguatintas, azucar, litografía, carborundum, y sobre todo, talla sobre madera, fueron las piezas expuestas.

Imágenes que nacen de su cabeza y de las tramas que la naturaleza le ofrece en sus huellas. La exposición permanecerá abierta hasta el 15 de mayo en Elmonodelatinta. Cava Alta, 15.

 Ké me sale de la kabeza, Carmen Sebastián, Elmonodelatinta
 

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jueves, 3 de mayo de 2007

Nuevo proyecto cultural

Vía Antonio Fumero tengo conocimiento de un interesante proyecto cultural.

Juan Sánchez Arana y Christina Poveda están trabajando en el lanzamiento de PROYECTO ARTE Galería. Una galería de arte en el centro de Madrid y que va a ser diferente a las galerías-tipo que estamos acostumbrados por
varias razones. Estos emprendedores culturales pretenden hacer al arte accesible a todo el mundo, creen que el arte no es sólo para los iniciados y esperan contar en su fondo con obra de muchos artistas de todos los estilos y técnicas.

Hasta su apertura en noviembre de este año, llevarán a cabo una selección de artistas tanto pintura como escultura, obra gráfica y fotografía.

Están viendo a mucha gente y seleccionando obra tanto de artistas consagrados como artistas noveles a los que estamos dando una buena oportunidad de darse a conocer. Quieren trabajar al menos con 40-50 artistas lo que supone que deben ver en estos meses muchísimos artistas para realizar una selección acertada, ecléctica e
interesante.

Si conocéis a alguien que pinta, esculpe, fotografía ….pasarle este post!!

Aquí os dejo sus datos. Tfno: +34.619.639.650 o enviar correo a: contacto@proyectoarte.es

Estarán encantados de hablar con ellos y ver su obra.

 proyecto cultural, PROYECTO ARTE Galería
 

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lunes, 30 de abril de 2007

TAKE AWAY

"Take Away" reúne la obra más reciente de un grupo de artistas españoles cuya obra se caracteriza por una suerte de especial relación entre la poesía, la experiencia vivida y la mirada irónica sobre el mundo actual.

Nuria Marqués, Vicky Uslé, Aina Perelló, Chema Lumbreras y Curro González proceden de diferentes regiones, pertenecen a distintas generaciones y trabajan con géneros y técnicas también distintas como la pintura, el dibujo, la fotografía, el video o la escultura pero hay ciertas similitudes en su posicionamiento en el mundo del arte. Todos ellos han apostado por una presencia silenciosa, callada, sutilmente perturbadora.

"Take Away" tiene que ver con la idea de tránsito, con el concepto de movimiento, es algo parecido al desplazamiento, a coger algo de un lugar para llevarlo a otro. "Coger y llevar" representa la idea de un viaje impenitente y fascinante. El viaje de la creación, el camino que tiene que recorrer una idea hasta convertirse en una obra de arte. También de un sentimiento o una pasión. Viaje el que realiza la obra de arte cuando desde el estudio viaja a la galería y desde esta a una colección privada o a un museo. El viaje esta absolutamente vinculado a la experiencia artística y también al oficio de escribir, incluso de arte.

Más información en el siguiente enlace.
La expo puede ser visitada hasta el día 22 de Mayo.

 take away oporto, MCO ARTE CONTEMPORÂNEA
 

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sábado, 28 de abril de 2007

Podcasts culturales

Hace un par de días publicamos un post sobre blogs, podcasts, tags en museos y centros de arte, hoy el suplemento El Viajero de El País publica un artículo complementario sobre podcasts culturales.

Os detallamos varias propuestas:

La empresa estadounidense Soundwalk vende online guías en inglés por aproximadamente 11 euros. Los amantes del suspense no deben perderse la web Bluebrolly.

Por unos siete euros, el visitante puede revivir el otoño del terror que en 1888 protagonizó Jack El Destripador en Londres. Si prefiere no gastarse un duro, puede echar mano de los documentos sonoros de Lonely Planet , conocida por la calidad de sus guías en papel".

Audioguías propone un viaje gratuito y en diferentes idiomas por las exposiciones de los museos científicos coruñeses.

Y Apple ofrece gratis guías del MOMA, de la National Gallery de Londres, del palacio de Versalles y del zoo de Miami.

 podcasts en museos, web 2.0, blogs en museos
 

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Nace M-arte

M-arte es una revista que trata de reunir a todos los artistas y espacios que dan formato a nuestro presente y que carecen de medios para su divulgación. M-arte mag es una revista de arte actual, de diseño y de nuevas tendencias, de nuevas tecnologías y disciplinas artísticas que, a veces, se funden entre sí.

Una guía del arte y del diseño “oculto” o, mejor dicho, menos conocido, que es una realidad en nuestra ciudad. Porque Madrid también es el epicentro de un arte nuevo, y m-arte una guía de los que se atreven a crear, a exponer y a moverse y que cuentan historias con nuevas formas de expresión, ideas y creaciones.

 M-arte, revista de arte, cultura
 

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viernes, 27 de abril de 2007

Día del Orgasmo Cósmico

Iguapop Gallery inaugura la segunda exposición de Sergio Mora. Para esta esperada exposición, se ha empapado de la iconografía que acompaña el mítico texto hindú sobre el comportamiento sexual del ser humano, el Kamasutra y la ha trasladado a su territorio visual.

Sergio ha sabido aunar el contenido explícito de la iconografía tradicional con el carácter onírico y la poesía, señas de identidad de su obra. En la serie que presenta ha incorporado a los nuevos personajes Sr. Polla, Don Corazón y Mr. Cerebro, que a lo largo de la muestra juegan con hombres y mujeres, pero también animales, híbridos de animales y hombres, Jesucristo, el diablo, Mickye Mouse o el siempre voluptuoso Michelín, llegando a absurdos como el Sr. Polla jugando con su propio sexo. Y es que el humor, el guiño, la complicidad están muy presentes en esta muestra y eso lo percibe el espectador al que Sergio invita a perderse en sus cuadros.

Nos enseña un universo donde los corazones y el color rosado lo envuelven todo pero desde su vertiente más gamberra, de tatuaje de marinero. Mientras nos presenta a sus personajes en posturas imposibles, la obra respira la dulzura de una sensual coreografía, de una fiesta en la que no cabe la parte oscura del amor. Lejos de ser un Kamasutra rígido y morboso nos relata una fiesta de carnaval, colorista, divertida y espontánea.

Los cuadros que integran la exposición se verán recogidos en un libro que se presentará el día de la inauguración y que edita Artichoque. No será el único acontecimiento que se sucederá ese día en la galería puesto que Sergio, que entiende las inaguraciones como experiencias totales, nos reserva varias sorpresas entre las que hallamos títeres, música en directo, danza…

Sergio Mora es uno de los principales exponentes del movimiento pop erótico en España. Nace en Barcelona en 1975, realiza sus estudios artísticos allí y empieza sus primeros trabajos como ilustrador en revistas y editoriales al tiempo que participa en ferias y certámenes artísticos europeos. Su trayectoria artística ha discurrido en varias galerías y en España, Estados Unidos –recientemente participó en una muestra en la prestigiosa galería de Los Angeles La Luz de Jesús-, Lisboa, Francia etc.

 Orgasmo Cósmico, Sergio Mora
 

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jueves, 26 de abril de 2007

blogs, podcast, tags... en museos

En los últimos meses, hemos detectado cómo varios museos y centros de arte están incorporando poco a poco nuevas funcionalidades y tecnologías a sus sitios web con el fin de establecer mejores canales de comunicación con sus públicos objetivos.

Nos alegra ver esta evolución dado que en la presentación del estudio “Nuevas tecnologías Web 2.0 en museos y centros de arte” indicábamos que, desgraciadamente la mayoría de las entidades analizadas gestionaba su presencia en la Red a través de unos sitios web muy tradicionales con nula interacción con el visitante, formato muy estático, falta de vínculos /enlaces con otras webs, niveles bajos de actualización, etc.

En los últimos años, la Web se ha convertido en el método universal para encontrar, en mayor o menor medida, aquella información que estamos buscando, ya sea una determinada exposición, la trayectoria de un artista, la ubicación de una galería de arte, etc.

Os detallamos algunas de las iniciativas que nos han parecido más interesantes:

El blog EducaThyssen

A través de este blog, los responsables del Museo Thyssen informan puntualmente de sus actividades y convocatorias. Sus creadores quieren que sea un espacio de reflexión sobre su trabajo, de debate sobre el papel educativo del museo y, sobre todo, un lugar en el que todos vosotros podáis participar con vuestras sugerencias, aportaciones o críticas.

Nueva web del Domus Artium de Salamanca

Este Centro de Arte, fue uno de los pioneros en crear un blog para dar a conocer sus exposiciones y actividades, ahora lanza su nueva página web. Aquí podrás encontrar completa información sobre: exposiciones actuales y pasadas, actividades, talleres, historia del edificio, arquitectura del centro y restauración, la colección, publicaciones, enlaces, merchandising…

Blog de la Fundación NMAC

El pasado mes de octubre crearon este blog con la intención de establecer un diálogo entre personas interesadas en el arte contemporáneo, en el arte y la naturaleza, en los museos, en la didáctica… En fin, en todos los temas relacionados con la Fundación y vuestros intereses, opiniones y preocupaciones.

Blog del Patio Herreriano de Valladolid

El pasado mes de diciembre, Cristina Fontaneda, directora del Museo, inauguró este blog que a partir de ahora ofrecerá un cauce de comunicación de ida y vuelta entre el museo y los usuarios.

Otras tecnologías sociales disponibles

Abrir un blog puede ser un buen punto de partida, pero no es la única herramienta disponible para mejorar la política de comunicación y marketing de una entidad cultural.

La irrupción de los denominados servicios Web 2.0 ha generado un alto grado de interconectividad entre los ciudadanos, que les permite intercambiar todo tipo de opiniones sobre diferentes informaciones y experiencias con otras personas. Estos servicios permiten al usuario, por ejemplo, clasificar, compartir, valorar, comentar o conservar los contenidos que encuentra en Internet.

Recientemente, el New York Times publicó un interesante artículo donde describía cómo varios museos están incorporando varios de estos servicios en sus sitios web. Por ejemplo, el Cleveland Museum of Art, el Metropolitan Museum of Art o el San Francisco Museum of Modern Art permiten a sus visitantes etiquetar las imágenes que tienen en sus webs.

Esta iniciativa de etiquetado social no sólo complementa los tradicionales procesos de documentación profesional que llevan a cabo los equipos internos del museo, sino que además crea una mayor vinculación entre el público visitante del museo y sus contenidos.

Todos aquellos que duden de los beneficios derivados de estas tecnologías sociales deberían preguntarse por qué los principales medios de comunicación (La Vanguardia, ABC, EL País, El Mundo, etc.) han incorporado estos servicios a sus sitios web. Parte de la respuesta: lograr una mayor fidelización de sus lectores y un mejor posicionamiento en la Red.

 blogs en museos, podcast, web 2.0, arte
 

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Nuevas dinámicas artísticas en modo web 2.0

Medialab Madrid abre una convocatoria para la presentación de trabajos de investigación y proyectos artísticos que serán seleccionados para su presentación pública durante el Primer Encuentro Inclusiva-net.org [Nuevas dinámicas artísticas en modo web 2], que tendrá lugar en Medialab Madrid entre el 9 y el 13 de julio de 2007.

Plazo de presentación: del 26 de abril al 1 de junio.
Más información en http://www.inclusiva-net.org

 Medialab Madrid, Inclusiva-net.org, Web 2.0, Arte
 

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viernes, 13 de abril de 2007

Propaganda y publicidad en España

A diferencia de otras muestras sobre publicidad, esta exposición del Círculo de Bellas Artes de madrid y la SECC no pretende ni una aproximación artística a la misma, ni un estudio de sus estrategias comerciales, ni una mirada nostálgica a la época de la que proviene el material expuesto.

En cambio, el objetivo es revisar objetivamente la sociedad y la política españolas del primer franquismo y la posguerra en base a los testimonios gráficos de la publicidad y la propaganda de esos años. En suma, se trata de ofrecer una reflexión de historia social a partir del material publicitario.

A través de 300 originales y en torno a otras 300 reproducciones digitales, que se muestran en un recorrido siguiendo un criterio temático y cronológico, apreciaremos la sociedad de esos años –igualmente a través de la publicidad- la acción de la censura, la presencia de la propaganda social, la segregación de la mujer del trabajo y su confinamiento al hogar, el llamamiento a la “superación” de la “trasnochada” lucha de clases…

Observaremos claras huellas de desigualdad social aguda en el contraste entre los bloques publicitarios dirigidos a los pocos que pertenecían a la clase más favorecida y los bloques dirigidos a las extendidas clases populares, evidenciando las enormes carencias alimentarias y sanitarias de estas últimas. Los almacenes populares (como SEPU, Simago o Capitol) anuncian sus promociones y rebajas, mientras los grandes almacenes emergentes (Galerías Preciados y El Corte Inglés) identifican en su clientela elegancia, distinción, calidad, buen gusto.

Otros apartados reflejan los avances en transporte (el TALGO, los camiones Pegaso, los microcoches como el Biscuter o el SEAT 600), la moda en ocio (las “boîtes, el cóctel, los “barman” como Perico Chicote, los espectáculos y otras formas de entretenimiento), la imagen a menudo estereotipada de España (con morenas gitanas, toreros y guitarras) y los anuncios más emblemáticos (el toro de Osborne, la botella de Tío Pepe, etc.)

 propaganda publicidad, círculo de bellas artes, madrid, secc
 

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jueves, 12 de abril de 2007

DFOTO en Donosti

Del 3 al 5 de mayo de 2007 tendrá lugar la tercera edición de la Feria Internacional de fotografía contemporánea y vídeo-arte D FOTO, que promueve la Fundación Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía de San Sebastián-Donosti.

DFOTO fomenta un foro propicio para el coleccionismo tanto particular como corporativo, así como un espacio de interrelación y divulgación que permita consolidar la Fotografía y el Vídeo dentro del mercado de Arte.DFOTO acoge anualmente a medio centenar de galerías de toda Europa y Estados Unidos que presentan trabajos fotógráficos históricos así como las últimas obras de los artistas más representativos del arte contemporáneo.

DFOTO se celebra anualmente en el Kursaal de San Sebastián que durante cuatro días se convierte en el punto de encuentro de galeristas, coleccionistas, comisarios y críticos de arte interesados en la fotografía y el video. Tanto en los stands como en las actividades paralelas Dfoto se ha consolidado como una de las citas más importantes del panorama nacional para el coleccionismo de fotografía.

Entre las novedades de esta edición se cuentan la incorporación de nuevas galerías como The project de NY, Akinci de Ámsterdam y Rubicon de Dublín. También se refuerza el programa de coleccionistas invitados a conocer las obras de estas galerías y las actividades parelelas.

 

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Shakespeare y Plensa

El próximo miércoles 18 de abril se abre al público en el Centro Cultural Fundación Círculo de Lectores (Consell de Cent, 323 de Barcelona) la exposición de originales de Jaume Plensa para la edición de Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores del Teatro completo de William Shakespeare, que recoge las mejores traducciones existentes de cada una de las obras bajo la selección de Ángel-Luis Pujante.

Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción, ha seleccionado los trabajos de autores como Leandro Fernández de Moratín, Vicente Molina Foix y Jacinto Benavente para ilustrar la influencia del autor inglés en España. Jaume Plensa, inspirado por la palabra de William Shakespeare, ha realizado una serie completa de 52 obras en las que aúna técnicas como la pintura y la fotografía y atrapa el alma y la esencia de los textos.

 Shakespeare y Plensa, Círculo de Lectores, Ángel-Luis Pujante, Jaume Plensa
 

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martes, 10 de abril de 2007

Botero en Madrid

Con motivo del 75 aniversario del artista colombiano Fernando Botero, la Galería Fernando Pradilla de Madrid inaugura hoy una selección de piezas – pinturas, esculturas, dibujos y acuarelas- pertenecientes a la obra reciente del escultor Fernando Botero.

Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932), uno de los más prestigiosos y populares artistas actuales, comenzó su actividad artística en 1948 realizando ilustraciones para el periódico El Colombiano. En 1952 viajaría a España para completar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y estudiar de cerca la obra de Velázquez y Goya en el Museo del Prado. Su andadura europea continuaría por Francia e Italia, donde estudiaría la pintura al fresco y las obras de Giotto, para continuar por México y Estados Unidos.

Mezcla de ingenuidad, sencillez, y no pocos caracteres del mundo naïf, las figuras de Botero son universalmente conocidas por su característica voluptuosidad, su exageración en las proporciones, sentido del humor y belleza, lo que no ha impedido llevar a sus obras duras críticas por la situación de violencia que azotó a su país o por escándalos como los de la prisión de Abu Ghraib.

 

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miércoles, 4 de abril de 2007

Aprendiendo del Guggenheim Bilbao

El Guggenheim Bilbao cumple este mes su décimo aniversario y para celebrarlo os recomendamos un libro que describe su breve histora a través de historiadores del arte, críticos, artistas, etc.

Este museo hizo por los vascos lo que la Ópera de Sidney había hecho por Australia. A pesar de sus protestas por haber sido «tachado de genio hasta la extenuación», Gehry se convirtió no sólo en un arquitecto maestro sino además en el artista maestro. «¿Por qué tanto alboroto?», se preguntó Hal Foster. ¿Acaso el museo de Gehry no revelaba los aspectos más problemáticos del monumentalismo moderno y de la farsa populista posmoderna?

En el presente libro, editado por Akal, artistas (Fraser, Haacke, Muntadas, Sekula), críticos de arquitectura (Colomina, Gilbert-Rolfe), urbanistas (Azúa), historiadores del arte (Guilbaut, Guasch, Moxey, Welchman), especialistas de museos (Cámara, Viar), escritores sobre arte y turismo (Lippard, MacCannell) y antropólogos (Zulaika) debaten sobre distintos aspectos del Guggenheim bilbaíno desde una perspectiva interdisciplinar.

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 Guggenheim Bilbao, AKAL
 

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martes, 3 de abril de 2007

Nuevas tecnologías en Cosmopoética 2007

La cuarta edición de COSMOPOÉTICA reunirá este año en Córdoba, entre el 13 y el 15 de Abril, a los mejores poetas del mundo.

Este año inauguran el ciclo “Exploradores” que analizará los nuevos caminos por los que la lírica podrá discurrir en el futuro. El objetivo de “Exploradores”, que lleva como subtítulo “Otras poesías”, es crear una serie de espectáculos donde cada elemento sea parte esencial del resultado. Las nuevas tecnologías y su aplicación en un aspecto tradicionalmente purista de la poesía como los recitales pueden verse en las propuestas de Miriam Reyes y Marina Oroza. La primera ofrece un Videorecital en el que la imagen, el sonido y la voz aparecen como potenciadotes de la palabra y multiplicadores de significados. Oroza, mediante imágenes, voces pregrabadas, efectos especiales de sonido y la superposición de discursos, realizará una Disección poética en público.

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 Cosmopoética, nuevas tecnologías, Córdoba
 

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viernes, 30 de marzo de 2007

Arte y Naturaleza

El Centro de Arte y Naturaleza CDAN de la Fundación Beulas en Huesca expondrá por primera vez en España la obra de la artista alemana Christiane Löhr hasta el 20 de mayo de 2007. Esta joven artista alemana trabaja entre Alemania e Italia, pero es poco conocida en España.

La escultura de Christiane Löhr es inusual y se caracteriza por una visión muy sutil de los elementos de la naturaleza y por la ligereza de sus instalaciones. Ella mismo recolecta y trabaja con los materiales naturales: ramas, semillas, flores, pelos de animales, capullos, etc.. según los ciclos de las estaciones.

El objetivo de la Fundación Beulas es hacer del CDAN un lugar de referencia en los itinerarios de estudio del arte contemporáneo. Crear un territorio para el arte capaz de generar una imagen contemporánea de Huesca que reclame la atención internacional por su especialización en temas singulares sobre arte y naturaleza.

 Christiane Löhr, Fundación Beulas, CDAN
 

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miércoles, 28 de marzo de 2007

La era de la imagen electrónica

El objetivo fundamental del ciclo "La era de la imagen electrónica" es reflexionar sobre el alcance e impacto que el asentamiento de la imagen electrónica tiene en las sociedades actuales, prestando especial atención a su incidencia sobre las prácticas artísticas y productoras de significado cultural, y las transformaciones que en ellas vendrá a determinar.

Las conferencias tendrán lugar en el Paraninfo de la Universidad Laboral los días 29 y 30 de Marzo y 1 de abril, con ocasión de la apertura de LABORAL Centro de Arte y Creación Industrial

Este ciclo pretende reunir a los más relevantes pensadores y ensayistas que, en su trabajo se han acercado de una u otra forma a la consideración de las consecuencias derivadas de la implantación de este nuevo tipo de imagen tan característico de nuestro tiempo. Conferenciantes:Lev Manovich, Juan Martín Prada, Siegfried Zielinsky, José Luis Brea, François Bucher, Anna María Guasch, Alexander Galloway, Pedro A. Cruz y Jordan Crandall.

LABORAL Centro de Arte y Creación Industrial es un espacio para el intercambio artístico. Nace con el fin de establecer una alianza entre arte, diseño, cultura, industria y desarrollo económico y quiere ser un lugar para la interacción y el diálogo entre el arte, las nuevas tecnologías y la creación industrial. Entre sus paredes se abre cauce a la producción, la creación e investigación de los más recientes conceptos artísticos.

 LABORAL, Centro de Arte y Creación Industrial
 

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sábado, 17 de marzo de 2007

Conversaciones sobre coleccionismo

Con motivo de la exposición Colección de arte contemporáneo 3, el Centre d’Art la Panera ha programado una serie de actividades vinculadas al coleccionismo.

Conversaciones sobre coleccionismo reúne a especialistas vinculados con la práctica del coleccionismo contemporáneo para presentar las múltiples lecturas que abarca este campo. Coleccionar obras de arte contemporáneo se ha configurado una práctica destacada dentro del coleccionismo de obras de arte. Sin embargo, las características propias de las obras contemporáneas conforman un contexto muy diferente al resto de las modalidades de coleccionismo de arte como es el caso de la conservación y difusión de este tipo de legados, dados los nuevos formatos y soportes de la creación contemporánea.

La conversación tendrá lugar hoy a las 20 horas. Participarán: Carlos Urroz + Carlos Vallejo y Mª José Iriarte

 Conversaciones coleccionismo, Centre d’Art la Panera, arte, Lleida
 

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viernes, 16 de marzo de 2007

Fotografía actual en China

ZHÙ YI! Fotografía actual en China es una invitación a descubrir la nueva China a través de la selección de 120 obras creadas entre 1994 y 2006 por los 33 artistas. La exposición se inauguró ayer en ARTIUM de Vitoria y permanecerá abierta el público hasta el 23 de septiembre de 2007

Los artistas seleccionados confrontan los usos de la historia y de la realidad de la globalización hoy en día. Tras el estricto control ideológico de la Revolución Cultural, el arte chino comenzó a revivir durante los años 80, destacó a mediados de los 90 y es ahora, con esta nueva generación, cuando ha evolucionado y mira hacia el pasado como un objeto exótico, enlazando posibles peligros y disfrutes de una cultura global con una carga de fervor irónico y lacónico.

 Fotografía actual en China, artium, vitoria
 

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jueves, 15 de marzo de 2007

Gente de libro

Esta exposición nace del libro Gente de Libro, editado por Demipage, que se ha convertido en una referencia obligada para aquel que se sumerge en la historia de nuestros escritores.

En ella, Pedro Carrillo Rubio, fotógrafo y bibliotecario, y Juan Gracia Armendáriz, profesor y escritor, nos invitan a recorrer la esencia de nuestra literatura contemporánea a través de los retratos y breves semblanzas de veinte de nuestros grandes autores. Pedro retrata reposadamente y con maestría a cada escritor, escudriñando su interior. Juan rodea, pule y esculpe una imagen poética y certera de su personalidad.

Leer estas láminas es mantener un encuentro íntimo con todos y cada uno de los escritores que nos han hecho pasar, y continúan haciéndolo, momentos inolvidables. Leer estas láminas es adentrarse en un viaje en el que repasar nuestra propia vida a través de las emociones que autores como Carme Riera, José Hierro, Camilo José Cela o Pere Gimferrer, entre otros, nos han provocado a lo largo del tiempo.

Espacio Cultural CAJA MADRID en Barcelona, hasta el 31 de marzo de 2007.

 Gente de libro, Barcelona, Caja Madrid, Demipage
 

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miércoles, 14 de marzo de 2007

Helena Almeida

La obra de Helena Almeida es de un carácter único y personal, como ha venido mostrando en sus sucesivas exposiciones en la Galería Helga de Alvear (Inauguración 15 de marzo hasta el 12 de mayo).

La base de su trabajo es su propio cuerpo y el método la soledad del estudio. Allí compone acciones que son registradas en fotografías en blanco y negro, aunque su obra no pueda enmarcarse estrictamente dentro del body art. Con posterioridad muchas de estas imágenes son intervenidas con trazos de color o dibujos.

Por lo tanto no se puede hablar ni de body art ni de mera documentación de la performance ya que el alcance de estos trabajos va mucho más lejos. Constituye todo un corpus de reflexiones sobre los temas más variados: desde la propia historia del arte o del acto artístico hasta reflexiones sobre lo femenino en particular, lo humano en general o las relaciones personales .

Para su nueva exposición en la galería Almeida presenta una serie de trabajos inéditos. La artista se refiere a los dos espacios que se crean entre el espectador y el ejecutor de la acción, entre dentro y fuera, entre las dos realidades que se crean dentro de la obra dando lugar a una tensión al relacionarse entre si. En estas obras destaca la importancia de la gestualidad de las manos y en ocasiones vuelve a aparecer el color.

 Helena Almeida, Helga de Alvear, Madrid
 

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lunes, 12 de marzo de 2007

LA MÚSICA Y EL III REICH

En 1933, con la llegada al poder de Adolf Hitler, se inicia una cruzada para intentar erradicar de las artes todo lo ajeno al alma germánica, introduciendo el elemento racial en la política cultural, que comportará también un movimiento de depuración dirigido contra la modernidad artística. El expresionismo, el dadaísmo, la Nueva Objetividad, la Bauhaus… todas las innovaciones estéticas contradecían el ideal de belleza propagado por el régimen nazi y eran consideradas corruptoras de la moral y la estética del pueblo alemán.

Se confiscaron de los museos más de 16.500 obras de arte moderno (algunas de las cuales fueron destruidas y otras vendidas), profesores y directores de museos fueron destituidos, muchos artistas fueron perseguidos y se organizaron exposiciones para ridiculizar el arte moderno… Este proceso culminó en el año 1937 con la gran exposición de Munich titulada “Arte degenerado” (Entartete Kunst), en que se presentaron obras de artistas como Kokoschka, entre otros.

Bajo el Tercer Reich, Wagner fue proclamado “fundador espiritual” de la Alemania nacionalsocialista y la política nazi encontró un modelo a seguir en las obras del maestro de Bayreuth. Estas fueron objeto de tendenciosas interpretaciones que pretendían justificar y legitimar las acciones del régimen.

Más allá de la pasión wagneriana de su líder, el III Reich presenta un panorama musical muy complejo, donde se entrecruzan las trayectorias, no siempre rectilíneas, de personalidades más o menos comprometidas con el régimen, las relecturas a veces conflictivas del pasado musical, las vacilaciones de la ideología oficial entre la ortodoxia y el pragmatismo, los episodios de represión y exilio protagonizados por tantos creadores de primera fila difamados, así como la presencia chocante de música en los campos de concentración y exterminio.

La exposición“La música y el III Reich. De Bayreuth a Terezin” quiere contribuir a la comprensión de esta complejidad a través de la revisión de los diferentes intentos del régimen por definir unos criterios e imponer una música en sintonía con el ideal nacionalsocialista.

LA MÚSICA Y EL III REICH: De Bayreuth a Terezin
Sala de exposiciones de la Fundació Caixa Catalunya
La Pedrera. Passeig de Gràcia, 92. Barcelona.
Del 27 de febrero al 27 de mayo de 2007

 LA MÚSICA Y EL III REICH, Caixa Catalunya, Arte, Música, Barcelona
 

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sábado, 10 de marzo de 2007

Bill Viola en Granada

Hasta el 18 de mayo podremos visitar en el Museo de Bellas Artes, Palacio de Carlos V de la Alhambra, una de las muestras más interesante del circuito de exposiciones de esta temporada: Bill Viola, Las horas invisibles.

Os recomendamos ir sin prisas dado que la muestra tiene 5 video instalaciones, llenas de emociones y espiritualidad que no vemos pero sentimos. Dedicarle varios minutos a cada proyección y dejaros llevar por las imágenes que nos hablan de la condición humana, el lenguaje corporal de las emociones y los miedos, la espiritualidad del ser humano. Un magnífico trabajo.

Esta nueva muestra del genio del vídeo reúne algunos de los trabajos más intimistas de este creador consagrado como una de las figuras más relevantes del panorama artístico internacional contemporáneo. Bill Viola (Nueva York, 1951), uno de los pioneros en el uso del vídeo, viene trabajando en este medio desde los años setenta, explorando la imagen en movimiento con creaciones mono-canal, instalaciones y otras obras que reflejan su profunda vinculación con la historia del arte, la condición humana, la espiritualidad y otros temas relacionados con la naturaleza y la percepción.

A lo largo del tiempo, muchos artistas se han enfrentado a la difícil tarea de saber reflejar a través del arte la complejidad de las emociones humanas. Las piezas que componen la exposición, retratan fielmente la expresión de los diferentes estados emocionales, los cambios de sentimientos y de pensamientos de los actores que protagonizan sus vídeos.

En el marco de esta exposición se proyectarán las siguientes obras:

- Ascension (Ascensión), 2000. Vídeo instalación con sonido.
La quietud de un paisaje submarino queda interrumpida cuando de repente un hombre totalmente vestido se zambulle en el agua.

- Observance (Cumplimiento), 2002. Vídeo instalación.
Un flujo constante de gente se acerca lentamente hacia nosotros. Uno a uno se detienen al llegar a la cabeza de la fila, embargados por la emoción. Sus miradas se fijan en un objeto desconocido que queda justo por debajo del encuadre y que, por tanto, no podemos ver.

- Emergence (Aparición) 2002. Vídeo instalación.
Dos mujeres sentadas a ambos lados de un pozo de mármol en un pequeño jardín. Esperan pacientemente en silencio y sólo de vez en cuando reconocen su presencia mutua. El tiempo queda suspendido e indeterminado. De pronto su vigilia queda interrumpida por una premonición.

- The darker side of down (El lado más oscuro del amanecer) 2005. Vídeo instalación.
Estudio de un viejo olmo californiano en una ladera de las montañas al norte de Los Ángeles grabado por una cámara fija durante varios días. Se editaron las grabaciones para crear un documento condensado de filmación acelerada del pasaje ininterrumpido del tiempo con el fin de que no hubiera ningún movimiento visible de luz o de sombra.

- Ablutions (Abluciones) 2005. Vídeo instalación.
El lavado de manos es una función importante de toda ceremonia y su fin es la purificación. La acción ralentizada de una mujer y un hombre lavándose las manos bajo un resplandeciente chorro de agua se convierte en una preparación para la meditación.

Esta exposición ha sido producida por el Centro Andaluz de Arte Contemporaneo de Sevilla.

 Bill Viola, CAAC, horas invisibles, Arte Contemporáneo
 

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jueves, 1 de marzo de 2007

La palabra imaginada

La idea fundamental de esta exposición, La Palabra Imaginada (hasta el 17 de junio en el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia), se articula en torno a las relaciones que existen entre la literatura y las artes plásticas.

Imagen y palabra, han vivido un largo idilio en el que ambas esferas se han complementado, fusionado y cuestionado en un continuo y estimulante maridaje.

Hasta el momento, los escasos ejemplos de exposiciones que han hecho referencia, más o menos directa, al diálogo entre palabra e imagen, se han centrado por lo general bien en las obras plásticas (principalmente pintura) de los escritores, o bien en ciertas presencias textuales dentro de la obra artística.

Por esa razón, este muestra trata de aportar, posiblemente por vez primera en nuestro país, una mirada de igualdad entre palabra e imagen que vaya más allá de la representación pictórica –casi siempre en relación con la poesía- para recoger igualmente otros procesos visuales (escultura, fotografía, poesía visual, instalaciones, objetos) en su relación con el mundo textual, lo que indudablemente aportaría un sesgo más diferencial y enriquecedor.

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 Arte Contemporáneo, Esteban Vicente, Segovia, literatura
 

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miércoles, 28 de febrero de 2007

Manolo Laguillo en el MACBA

Laguillo es uno de los pioneros en fotografiar las periferias de la ciudad. Su trabajo del periodo 1979-1983 constituye una nueva cartografía de Barcelona, donde los tópicos dominantes de la oposición centro-periferia empiezan a cambiar.

En sus fotografías aparecen los polígonos del Besòs, las zonas industriales de Poblenou, los alrededores de la zona portuaria, las zonas traseras del Ensanche, en suma, los lugares que han estado históricamente al margen de las representaciones de la ciudad. Realiza imágenes lacónicas, descriptivas, despobladas y con un tono contenidamente melancólico creando una imagen de Barcelona con un notable sentido histórico, una ciudad traumatizada surgida de la dictadura.

Su atención hacia las zonas residuales, periféricas, hacia las acumulaciones anárquicas de elementos arquitectónicos dispares no se limita a la celebración de las cualidades pintorescas de la decadencia urbana sino que tiene asimismo un valor crítico. En sus imágenes, la ruina y la nostalgia formalizan un potencial histórico latente, aún no agotado, en las opciones históricas descartadas, y la reclamación de una segunda oportunidad para aquello que el curso de la historia dominante tiende a dejar olvidado.

Fechas de la exposición: del 2 de marzo al 6 de mayo de 2007
Comisario: Jorge Ribalta
Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

 Manolo Laguillo, MACBA, Barcelona
 

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lunes, 26 de febrero de 2007

El mercado y la fotografía

LA CAMARA LUCIDA abre sus puertas en Barcelona (calle Gran de Gracia nº 9) con el objetivo de crear un espacio diferente para disfrutar de la fotografía contemporánea.

Obras fotográficas en diversos formatos y autores reconocidos tanto nacionales como internacionales a precios asequibles.

El próximo martes celebra un debate a las 20 horas sobre el mercado y la fotografía. Contarán con la presencia de María Canudas, Manolo Laguillo, Mariano Zuzunaga y Silvia Domenech.

 CAMARA LUCIDA, fotografía, Barcelona
 

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viernes, 23 de febrero de 2007

Matador J: Homenaje a Nueva York

El número 11 de la revista Matador nos descubre el alma interior de la ciudad más cosmopolita del mundo: Nueva York.

El nombre de nuestra revista, Dosdoce, significa en letras el prefijo teléfonico de esta ciudad, 212. Cuando lanzamos este proyecto queríamos rendir un tributo permanente a una ciudad que se reinventa a sí misma cada día a base de incorporar a su esencia las últimas corrientes culturales, las tendencias más punteras y las ideas más vanguardistas.

En esta misma línea, el número J de la revista Matador es un acercamiento a los habitantes de una ciudad que han hecho de esta metrópoli todo un símbolo. New Yorkers deja de lado los edificios y los personajes más emblemáticos de su iconografía para fijar la mirada en las historias de las personas que han hecho de Nueva York un escenario de creación en constante cambio. Fotografía, arte, poesía, literatura, arquitectura, música, performance e historia se funden en un número que recoge las caras más sugestivas de una ciudad única.

Matador, una revista única

Cada año Matador lanza un número monográfico, bilingüe, de colección, diseñado por Fernando Gutiérrez, con un formato extraordinario de 30x40cm. Artistas, escritores, diseñadores y fotógrafos de primera fila emprenden una aventura creativa especialmente concebida para la revista: explorar las dimensiones de un tema, que siempre va más allá, que se trata siempre de una sensación, una idea, una obsesión. Matador ha recorrido, desde 1995, los terrenos del arte, la mente del artista, el caos, los sueños, el miedo y la utopía. Se ha dejado arrastrar por algunas de las fuentes más estimulantes para la imaginación: el Mediterráneo, Iberia y México.

 Matador, NuevaYork, Dosdoce, La Fábrica
 

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jueves, 22 de febrero de 2007

Jardín de Cristal en Navalcarnero

A unos 35 kilómetros al suroeste de Madrid, camino de la villa de Navalcarnero, emergen del entorno tres formaciones geológicas macizas, aunque, bajo determinadas condiciones, se muestran plenamente transparentes y reflectantes: parecen ser un espejismo.

Crystal Garden es la segunda obra pública permante de Oppenheim en España. Stage Set for a Film [Decorado para una Película] se instaló en 1998 en la ciudad de Valladolid.

Biografía de Dennis Oppenheim

Dennis Oppenheim ha recibido reconocimiento internacional por un conjunto de obras conceptuales que abarcan performances, esculturas, y fotografías. En los principios de los 70, Oppenheim se encontró en la vanguardia de artistas que utilizaban cine y video como medios para investigar los temas asociados con Body Art, Arte Conceptual, Land Art y Performance.

En una serie de obras producidas entre 1970 y 1974, Oppenheim utilizó su propio cuerpo como lugar y escenario para retar el “yo”: exploró los límites del riesgo particular, transformación, y comunicación a través del performance de acciones e interacciones ritualistas.

Oppenheim ha expuesto sus obras en multitud de museos y galerías internacionales. La Fundación Gabarrón organizó una retrospectiva para el Museo Fundación Cristóbal Gabarrón en Valladolid en 2004, que viajó al Círculo de Bellas Artes, Madrid; CentroCultural Bancaja, Valencia; y la Región de Murcia, Murcia. Hubo una exposición de obras en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, en 2005. Oppenheim reside en Nueva York.

 Dennis Oppenheim, Navalcarnero, Crystal Garden
 

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martes, 20 de febrero de 2007

Agenda cultural en Málaga

Con motivo de nuestra estancia en Málaga durante la que impartimos un curso sobre el papel de los blogs en el fomento de la lectura, tuvimos la oportunidad de visitar dos espacios culturales que realmente merecen la pena ser conocidos: El Museo Picasso y el CAC Málaga (Centro de Arte Contemporáneo de Málaga).

El Museo Picasso tiene su sede en el Palacio de Buenavista, construido en la primera mitad del siglo XVI, un magnífico edificio de factura típicamente andaluza donde se entremezclan los estilos mudéjares y renacentistas y en cuyo subsuelo han aparecido restos arqueológicos que testimonian la vida en la ciudad de Málaga a través de las civilizaciones fenicia, romana y árabe. La visita al museo incluye un “descenso” a estas excavaciones.

Inaugurado en 2003, su colección permanente se compone de una colección de 155 obras del genial artista donadas por Christine y Bernard Ruiz-Picasso. La evolución de Picasso queda reflejada en esta maravillosa muestra a través de las diferentes técnicas que utilizó. Así, pinturas, dibujos, grabados, esculturas y cerámicas se complementan para ofrecernos una amplia visión del genio malagueño, desde sus primeros trabajos hasta los realizados en sus últimos años de vida, y donde queda patente su interesante paso por tantas corrientes culturales y su ingente producción artística.

El CAC Málaga tiene como objetivo la difusión de las artes plásticas desde el último tercio del siglo XX hasta la actualidad. Inaugurado también en 2003, está ubicado en el antiguo Mercado de Mayoristas de Málaga, un edificio histórico situado en la margen izquierda de la desembocadura del río Guadalmedina. Sus líneas rectas y funcionales crean un espacio perfecto para este tipo de museo y su obra, lo que hace que su visita pueda disfrutarse plenamente.

Su colección permanente está formada por unas cuatrocientas piezas (que recorren desde el impresionismo hasta las últimas tendencias) cedidas por coleccionistas privados por periodos que oscilan entre los tres y los cinco años, colección que se va incrementando con las adquisiciones que realiza el Ayuntamiento de Málaga.

La colección permanente se complementa con exposiciones temporales, donde destacamos la actual Show Time, de Julian Opie (hasta el 18 de marzo), donde el autor se nos aparece, en palabras de Juan Manuel Bonet, como “el pintor de nuestra vida moderna, una vida en la que se mezclan lo real y lo virtual, lo artificial y lo auténtico, los sentimientos y los logos”.

Ya habíamos contemplado la obra de Opie en muchas otras exposiciones, aunque siempre obras aisladas, en un entorno común con las de otros artistas. El encontrarnos aquí con la obra de Julian Opie en una exposición individual ha sido un verdadero redescubrimiento del artista.

Sus más de cuarenta obras recientes ocupan no sólo el interior del museo, sino también el exterior del edificio y el vestíbulo del centro. Sus pinturas de gran formato (cuya apreciación facilita el espacio del museo), sus animaciones, sus esculturas con sonido, la utilización de los colores planos, la tecnología, el lenguaje pop, las líneas esquemáticas en el trazo, aspectos en principio incompatibles con la naturalidad y credibilidad del ser humano, convierten la experiencia de la visita a la exposición en algo cercano, sugerente, diferente al tiempo que reconocible por cualquiera de nosotros. Sus retratos, aunque en absoluto respondan a un canon clásico, expresan sentimientos y nos transmiten sus ideas y pensamientos. Retratos para colgar en las paredes de tu casa. Quien pueda, claro.

 Málaga, Opie, CAC, Museo Picasso, arte contemporáneo, agenda cultural
 

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miércoles, 14 de febrero de 2007

Brand en Gijón

La galería Espacio Líquido de Gijón lleva a cabo una exposición excepcional del artista holandés Eelco Brand. Tras su paso en los últimos meses por Verona, Utrech y el más cercano MUSAC, Brand acerca a Gijón sus infografías y vídeos digitales en los que naturaleza, tiempo y lenguaje constituyen su eje central.

Eelco Brand es un creador de atmósferas únicas. El primer vistazo a su obra otorga el placer estético de la más avanzada representación pictórica de la Naturaleza. Flores que casi se huelen, ríos fríos que calman la sed de tranquilidad, grandes árboles que nos dan sombra, la luna a la que apetece aullar y la hierba que invita a descansar. Son paisajes que envuelven y raptan los sentidos. Brand, con una gran técnica, da a luz una estética que transporta y transmite.

Nacido en Rótterdam, en el descuento de los años sesenta, Eelco Brand ha mostrado su obra en medio mundo desde su base de operaciones en la galería Torch, en Ámsterdam, con la que trabaja desde hace años.

 Eelco Brand, Espacio Líquido, Gijón
 

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domingo, 11 de febrero de 2007

Revistas en tiempos de guerra

El diario El País publica hoy un interesante artículo sobre la exposición REVISTAS Y GUERRA. 1936-1939 que puede verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía hasta el 30 de abril.

Entre el verano de 1936 y la primavera de 1939 se editaron en España entre 1.500 y 2.000 publicaciones periódicas que, en general, se distribuían de manera gratuita. En estas publicaciones se dieron cita escritores, artistas plásticos, fotógrafos y tipógrafos, comprometidos en una actividad creadora esencialmente experimental, cuyas fuentes y estilos resultan increíblemente variados.

Sorprende la calidad material de algunas revistas. La riqueza y variedad que ofrecen contrasta con la escasez de materiales y recursos entre los que discurría la vida diaria. El estudio de estas revistas desafía cualquier interpretación monolítica de la situación cultural y social del tiempo de la guerra.

 revistas culturales, guerra, arte, reina sofia
 

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sábado, 10 de febrero de 2007

Torturas en Abu Ghraib

Juan Valera nos descubre en su blog la visión del pintor colombiano Fernando Botero en torno a las torturas cometidas en Abu Ghraib.

La muestra, que se exhibe por primera vez en los Estados Unidos (Universidad de California hasta el 23 de Marzo), es realmente impactante y puede ayudar, según Juan, "a romper el pacto de silencio y conformismo de una parte de la sociedad norteamericana ciega ante los abusos de su política exterior". Valera también se pregunta si Aznar habrá visto esta exposición...

 Torturas, Abu Ghraib.arte, Fernando Botero